Gammel egyptisk kunst

kunstværkerne i det gamle Egypten har fascineret folk i tusinder af år. De tidlige græske og senere romerske kunstnere blev påvirket af egyptiske teknikker, og deres kunst ville inspirere andre kulturers indtil i dag. Mange kunstnere er kendt fra senere perioder, men Egypten er helt anonyme og af en meget interessant grund: deres kunst var funktionel og skabt til et praktisk formål, mens senere kunst var beregnet til æstetisk nydelse., Funktionel kunst er workork-made-for-hire, tilhører den enkelte, der bestilte det, mens kunst skabt til glæde – selv om bestilt – giver mulighed for større udtryk for kunstnerens”s vision og så anerkendelse af en individuel kunstner.

En græsk kunstner, som Phidias (c. 490-430 F.V.T.) helt sikkert forstået, at det praktiske formål i at skabe en statue af Athena, Zeus, men hans primære mål ville have været at lave en visuelt tiltalende stykke, for at lave “kunst”, som mennesker forstår, at ordet i dag, for ikke at skabe en praktisk og funktionel arbejde., Alle Egyptiske kunst tjent et praktisk formål: en statue holdt den ånd, gud eller den afdøde; en grav maleri viste scener fra en”s liv på jorden, så man”s ånd kunne huske det, eller scener fra paradis man håbede at opnå, så ville man vide, hvordan at komme der; og lykke og amuletter, der beskyttede en fra skade; figurer afværget onde ånder og vred spøgelser; spejle, pisk-håndtag, kosmetiske kabinetter alle tjente praktiske formål og keramik blev brugt til at drikke, at spise, og opbevaring., Egyptologen Gay Robins bemærkninger:

Så vidt vi ved, de gamle Egyptere havde ingen ord, der svarede nøjagtigt til vores abstrakte brug af ordet “kunst”. De havde ord for de enkelte typer af monumenter, som vi i dag betragter som eksempler på Ægyptisk kunst – “statue”, “stela”, “grav” -men der er ingen grund til at tro, at disse ord nødvendigvis en æstetisk dimension i deres betydning., (12)

Selv om Ægyptisk kunst er højt respekteret i dag, og fortsætter med at være en stor drage for museer med udstillinger, de gamle Egyptere sig selv aldrig ville have tænkt på deres arbejde i den samme måde, og helt sikkert ville finde det underligt, at man har disse forskellige typer af værker, der vises ud af en kontekst i et museum”, s hall., Statuary blev oprettet og placeret af en bestemt grund, og det samme gælder for enhver anden form for kunst. Begrebet “kunst for kunstens skyld” var ukendt og, yderligere, ville sandsynligvis have været uforståeligt for en gammel egypter, der forstod kunst som funktionel frem for alt andet.

egyptisk symmetri

dette betyder ikke, at egypterne ikke havde nogen følelse af æstetisk skønhed. Selv egyptiske hieroglyffer blev skrevet med æstetik i tankerne., En hieroglyphic sætning kunne skrives venstre mod højre eller højre mod venstre, op til ned eller ned til op, afhængigt helt af, hvordan man”s valg påvirket skønheden i det færdige arbejde. Kort sagt, ethvert arbejde skulle være smukt, men motivationen til at skabe var fokuseret på et praktisk mål: funktion. Alligevel er egyptisk kunst konsekvent beundret for sin skønhed, og det er på grund af værdien gamle egyptere placeret på symmetri.,

den perfekte balance i egyptisk kunst afspejler den kulturelle værdi af ma”at (harmoni), som var central for civilisationen. Ma ” at var ikke kun universel og social orden, men selve skabelsens stof, der blev til, da Guderne gjorde det ordnede univers ud af udifferentieret kaos. Begrebet enhed, enhed, var dette “kaos”, men guderne introducerede dualitet – nat og dag, kvindelig og mandlig, mørk og lys – og denne dualitet blev reguleret af ma ” at.,

Det er grunden til, at de Egyptiske templer, paladser, huse og haver, skulpturer og malerier, signet ringe og amuletter blev alle skabt med balance i sind og alle afspejler værdien af symmetri. Ægypterne troede, at deres land var blevet lavet i billedet af gudernes verden, og når nogen døde, gik de til et paradis, de ville finde ganske velkendte., Da en egyptisk obelisk blev lavet, blev den altid skabt og opvokset med en identisk tvilling, og disse to obelisker blev antaget at have guddommelige refleksioner, der blev lavet på samme tid i gudernes land. Tempelgårde blev målrettet lagt ud for at afspejle skabelsen, ma”at, heka (magi) og efterlivet med den samme perfekte symmetri, som Guderne havde indledt ved skabelsen. Kunst afspejlede gudernes perfektion, samtidig med at de tjente et praktisk formål på daglig basis.

Historisk Progression

Egyptens kunst er historien om eliten, den herskende klasse. Gennem de fleste af Egypten”s historiske perioder dem af mere beskedne midler kunne ikke råd til luksus af kunstværker til at fortælle deres historie, og det er i høj grad gennem egyptisk kunst, at historien om civilisationen er kommet til at blive kendt. Gravene, gravmalerier, inskriptioner, templer, selv det meste af litteraturen, beskæftiger sig med overklassens liv, og kun ved at fortælle disse historier afsløres de lavere klasser., Dette paradigme var allerede sat forud for kulturens skriftlige historie. Kunsten begynder i den Predynastiske periode i Egypten (c. 6000-c. 3150 fvt) gennem klippetegninger og keramik, men realiseres fuldt ud af den tidlige dynastiske periode (c. 3150 – c. 2613 fvt) i den berømte Narmer-Palette.3150 BCE) er en tosidet ceremoniel plade af siltsten indviklet udskåret med scener af foreningen af øvre og Nedre Egypten af kong Narmer. , Betydningen af symmetri er tydelig i sammensætningen, der indeholder hovederne på fire tyre (et symbol på magt) øverst på hver side og afbalanceret repræsentation af de figurer, der fortæller historien. Værket betragtes som et mesterværk af den tidlige dynastiske Periodekunst og viser, hvor avancerede egyptiske kunstnere var på det tidspunkt.

senere arbejder af arkitekten Imhotep (c., 2667-2600 f. kr.) om Kong Djosers pyramide (ca.2670 f. kr.) afspejler, hvor langt kunstværker er kommet frem siden Narmer-paletten. Djoser ” s pyramide kompleks er kringlet designet med lotus blomster, papyrus planter, og djed symboler i høj og lav relief og selve pyramiden, selvfølgelig, er tegn på den egyptiske færdighed i at arbejde i sten på monumentale kunstværker.

under det gamle kongerige Egypten (c. 2613-2181 fvt) kunst blev standardiseret af eliten, og figurer blev produceret ensartet for at afspejle hovedstadens smag i Memphis., Statuer af de sene tidlige dynastiske og tidlige gamle kongerige perioder er bemærkelsesværdigt ens, selvom andre kunstformer (maleri og skrivning) viser mere raffinement i Det Gamle Rige. De største kunstværker i det Gamle Kongerige er Pyramiderne og Sfinksen i Giza, som stadig står i dag, men mere beskedne monumenter blev skabt med samme præcision og skønhed. Gamle kongerige kunst og arkitektur, i virkeligheden, blev højt værdsat af egypterne i senere epoker., Nogle herskere og adelige (såsom Khaem .eset, fjerde søn af Ramses II) bestilte målrettet værker i Old Kingdom-stil, endda deres Graves evige hjem.

i den første mellemliggende periode i Egypten (2181 -2040 fvt), efter sammenbruddet af Det Gamle Rige, kunne kunstnere udtrykke individuelle og regionale visioner mere frit. Manglen på en stærk central regering commissioning værker betød, at distriktet guvernører kunne rekvisition stykker afspejler deres hjem provins., Disse forskellige distrikter fandt også, at de havde mere disponibel indkomst, da de ikke sendte så meget til Memphis. Mere økonomisk magt lokalt inspirerede flere kunstnere til at producere værker i deres egen stil. Masseproduktion begyndte i den første mellemliggende periode også, og dette førte til en ensartethed i en given region”s kunstværk, som gjorde det på oncen gang karakteristisk, men af mindre kvalitet end gamle kongerige arbejde. Denne ændring kan bedst ses i produktionen af shabti-dukker til gravgaver, der tidligere blev lavet for hånd.,

Kunst ville blomstre under det Mellemste Rige i Ægypten (2040-1782 FVT.) der er generelt betragtes som højdepunktet af den Egyptiske kultur. Kolossale statuer begyndte i denne periode såvel som det store tempel Karnak ved Theben. Idealismen i gamle Riges Afbildninger I statuer og malerier blev erstattet af realistiske repræsentationer, og de lavere klasser findes også oftere repræsenteret i kunsten end tidligere., Mellemriget gav plads til den anden mellemliggende periode i Egypten (ca. 1782 – ca. 1570 fvt), hvor Hyksos holdt store områder af Delta-regionen, mens Nubierne trængte ind fra syd. Kunst fra denne periode produceret på Theben bevarer egenskaberne ved Mellemriget, mens Nubierne og Hyksos-som begge beundrede og kopierede egyptisk kunst-adskiller sig i størrelse, kvalitet, og teknik.

den nye kongerige (c. 1570 – c. 1069 BCE), som fulgte, er den bedst kendte periode fra Egypten”s historie og produceret nogle af de fineste og mest berømte kunstværker. Busten af Nefertiti og Tutankhamuns gyldne dødsmaske kommer begge fra denne æra., Ne.Kingdom art er defineret ved høj kvalitet i vision og teknik skyldes i høj grad Egypten”s interaktion med nabokulturer. Dette var den æra af Egypten ” s imperium og metal-bearbejdning teknikker af hetitterne-der nu blev betragtet allierede, hvis ikke lig-stærkt påvirket produktionen af begravelses artefakter, våben, og andre kunstværker.

efter Det Nye Rige, den tredje mellemliggende periode (ca., 1069-525 BCE) og sen periode i det gamle Egypten (525-332 BCE) forsøgte med mere eller mindre succes at fortsætte den høje standard for nyt kongerige kunst samtidig med at fremkalde gamle rige stilarter i et forsøg på at genvinde den faldende statur af Egypten. Persisk indflydelse i den sene periode erstattes af græsk smag under det ptolemaiske dynasti (323-30 fvt), som også forsøger at antyde det gamle kongeriges standarder med nyt Kongeriges teknik, og dette paradigme fortsætter ind i Det Romerske Egypten (30 BCE – 646 CE) og slutningen af den egyptiske kultur.,

Typer af Kunst, Detaljer, & Symbol

under alle disse epoker, hvilke typer af kunst, der var så talrige som menneskeligt behov, ressourcer til at gøre dem, og evnen til at betale for dem. De rige i Egypten havde udsmykkede spejle, kosmetisk tilfælde og krukker, smykker, dekorerede skeder til knive og sværd, indviklede buer, sandaler, møbler, vogne, i haven, og grave. Ethvert aspekt af nogen af disse kreationer havde symbolsk betydning., På samme måde symboliserede tyremotivet på Narmer-paletten kongens magt, så ethvert billede, design, ornamentik eller detalje betød noget, der vedrørte dens ejer.

blandt de mest oplagte eksempler på dette er Tutankhamons gyldne trone (c. 1336-c.1327 fvt.), der skildrer den unge konge med sin kone Ankhsenamun. Parret er repræsenteret i et roligt hjemligt øjeblik, da dronningen gnider salve på sin mands arm, da han sidder i en stol. Deres tætte forhold er etableret af farven på deres hud, hvilket er det samme., Mænd er normalt afbildet med rødlig hud, fordi de brugte mere tid udendørs, mens en lysere farve blev brugt til kvinders hud, da de var mere tilbøjelige til at holde sig ude af solen. Denne forskel i skyggen af hudfarver repræsenterede ikke ligestilling eller ulighed, men var simpelthen et forsøg på realisme.

i tilfælde af Tutankhamun trone, men teknikken bruges til at udtrykke et vigtigt aspekt af parrets forhold., Andre inskriptioner og kunstværker gør det klart, at de tilbragte det meste af deres tid sammen, og kunstneren udtrykker dette gennem deres fælles hudfarver; Ankhesenamun er lige så solbrun som Tutankhamun. Den røde, der anvendes i denne sammensætning, repræsenterer også vitalitet og energien i deres forhold. Parrets hår er blå, symboliserer frugtbarhed, liv, og genfødsel, mens deres tøj er hvid, repræsenterer renhed., Baggrunden er guld, farven på guderne, og alle de indviklede detaljer, herunder Kroner tallene slid og deres farver, alle har deres egen specifikke betydning og gå til at fortælle historien om den fremhævede par.

Et sværd eller en kosmetisk tilfælde blev designet og skabt med samme mål for øje: story-telling., Selv have i et hus, som fortalte en historie: i midten var der en swimmingpool, som er omgivet af træer, planter og blomster, der igen var omgivet af en mur, og én ind i haven fra huset, igennem en søjlegang af dekorerede søjler. Alle disse ville have været arrangeret omhyggeligt for at fortælle en historie, der var vigtig for ejeren. Selvom Ægyptiske haver længe er væk, er der fundet modeller lavet af dem som gravgaver, der viser den store omhu, der gik i at lægge dem ud i fortællende form.,

i tilfælde af den ædle Meket-Ra fra det 11.dynasti var haven designet til at fortælle historien om livets rejse til paradis. Søjlerne i portikoen var formet som lotusblomster, symboliserer hans hjem i Øvre Egypten, poolen i midten repræsenterede Lily Lake, som sjælen skulle krydse for at nå Paradis, og den fjerne havemur var dekoreret med scener fra efterlivet., Hver gang Meket-Ra sad i sin Have, blev han mindet om livets natur som en evig rejse, og dette ville sandsynligvis give ham perspektiv på de omstændigheder, der måtte være bekymrende i øjeblikket.

teknikker

malerierne på meket-Ra”s vægge ville have været udført af kunstnere, der blandede farver lavet af naturligt forekommende mineraler. Sort blev lavet af kulstof, rød og gul fra jerno .ider, blå og grøn fra A .urit og malakit, hvid fra gips og så videre., Mineralerne blandes med knust organisk materiale til forskellige konsistenser og blandes derefter yderligere med et ukendt stof (muligvis æggehvider) for at gøre det klæbrigt, så det klæber til en overflade. Egyptisk maling var så holdbar, at mange værker, selv dem, der ikke er beskyttet i grave, har været levende efter over 4.000 år.

selvom Hjem, Have, og palads vægge var normalt dekoreret med flade todimensionale malerier, grav, tempel, og monument vægge ansat relieffer., Der var høje relieffer (hvor figurerne skiller sig ud fra væggen) og lave relieffer (hvor billederne er udskåret i væggen). For at skabe disse ville overfladen af væggen blive glattet med gips, som derefter blev slibet. En kunstner ville skabe et værk i miniature og derefter tegne gitterlinjer på det, og dette gitter ville derefter blive tegnet på væggen. Ved hjælp af det mindre værk som model ville kunstneren være i stand til at replikere billedet i de rigtige proportioner på væggen. Scenen blev først tegnet og derefter skitseret med rød maling., Korrektioner til værket ville blive bemærket, muligvis af en anden kunstner eller vejleder, i sort maling, og når disse først blev taget hånd om, blev scenen udskåret og malet.

maling blev også brugt på statuer, der var lavet af træ, sten eller metal. Murværk udviklede sig først i den tidlige dynastiske periode i Egypten og blev mere og mere raffineret gennem århundreder. En billedhugger ville arbejde fra en enkelt blok af sten med en kobber mejsel, træ hammer, og finere værktøjer til detaljer. Statuen glattes derefter med en gnidende klud., Stenen til en statue blev som med alt andet i egyptisk kunst valgt til at fortælle sin egen historie. En statue af Osiris, for eksempel, ville være lavet af sort schist for at symbolisere frugtbarhed og genfødsel, begge forbundet med netop denne gud.

Metal statuer var som regel små og lavet af kobber, bronze, sølv, og guld., Guld var især populært for amuletter og helligdomsfigurer af guderne, da man troede, at Guderne havde gylden hud. Disse tal blev lavet ved støbning eller metalplader over træ. Træstatuer blev udskåret fra forskellige træstykker og derefter limet eller bundet sammen. Statuer af træ er sjældne, men et antal er bevaret og viser enorm dygtighed.

kosmetiske kister, kister, Modelbåde og legetøj blev lavet på samme måde., Smykker blev almindeligvis udformet ved hjælp af teknikken kendt som cloisonne, hvor tynde strimler af metal er indlagt på overfladen af arbejdet og derefter fyret i en ovn for at smede dem sammen og skabe rum, som derefter er detaljeret med juveler eller malede scener. Blandt de bedste eksempler på cloisonne smykker er Middle Kingdom vedhæng givet af Senusret II (c. 1897-1878 fvt) til sin datter. Dette arbejde er udformet af tynde guldtråde fastgjort til en solid guldunderlag indlagt med 372 halvædelsten., Cloisonne blev også brugt til at lave pectorals til kongen, Kroner, hovedbeklædninger, sværd, ceremonielle dolke og sarkofager blandt andre ting.

Konklusion

Selv om Ægyptisk kunst er berømte og beundrede det er kommet under kritik for at være uraffineret., Kritikere hævder, at egypterne aldrig synes at have mestret perspektiv, da der ikke er noget samspil mellem lys og skygge i kompositionerne, de er altid todimensionelle, og figurerne er følelsesløse. Statuer, der skildrer par, argumenteres det, viser ingen følelser i ansigterne, og det samme gælder for kampscener eller statuer af en konge eller dronning.

denne kritik undlader at genkende funktionaliteten af egyptisk kunst. Egypterne forstod, at følelsesmæssige tilstande er forbigående; man er ikke konsekvent glad, trist, vred, indhold gennem en given dag meget mindre evigt., Kunstværker nuværende mennesker og guddomme formelt uden udtryk, fordi det blev antaget personens ånd ville have brug for denne repræsentation for at leve videre i efterlivet. En persons navn og billede måtte overleve i en eller anden form på jorden for at sjælen kan fortsætte sin rejse. Dette var grunden til mumificering og de detaljerede Egyptiske begravelsesritualer: ånden havde brug for et “fyrtårn” af slags for at vende tilbage til, når man besøger Jorden for næring i graven.,

Den ånd, kan ikke genkende en statue af en vred eller jublende version af sig selv, men ville genkende deres adstadig, selvtilfredse, funktioner. Manglen på følelser har at gøre med det evige formål med arbejdet., Statuer blev lavet til at blive set forfra, normalt med ryggen mod en mur, så sjælen let kunne genkende deres tidligere selv, og dette var også tilfældet med guder og gudinder, der blev antaget at leve i deres statuer.

livet var kun en lille del af en evig rejse til de gamle egyptere, og deres kunst afspejler denne tro. En statue eller en kosmetik sag, en væg maleri eller amulet, uanset hvilken form kunstværket tog, det blev gjort til at vare langt ud over sin ejers liv og, vigtigere, fortælle denne persons historie samt afspejler Egyptiske værdier og overbevisninger som helhed., Egyptisk kunst har tjent dette formål godt, som det har fortsat med at fortælle sin historie nu i tusinder af år.