Zeitleiste der Kunstgeschichte: Westliche Kunstbewegungen und ihre Auswirkungen

Die Grundlage der Kunstgeschichte kann Zehntausende von Jahren zurückverfolgt werden, als alte Zivilisationen verfügbare Techniken und Medien verwendeten, um kulturell bedeutsame Themen darzustellen. Seit diesen frühen Beispielen ist eine Fülle von Kunstbewegungen gefolgt, von denen jede ihre eigenen Stile und Merkmale aufweist, die die politischen und sozialen Einflüsse der Zeit widerspiegeln, aus der sie hervorgingen.,

Einflussreiche Kunstgattungen von der Renaissance bis zum Aufstieg der Moderne haben zweifellos ihre Spuren in der Geschichte hinterlassen. Mit vielen Künstlern wie Banksy, Kerry James Marshall, Mickalene Thomas und Kehinde Wiley, die kunsthistorische Referenzen konsequent in zeitgenössische Werke einfließen lassen, ist das Verständnis des historischen Kontexts und der Bedeutung jeder Periode und Bewegung für Sammler und Kunstliebhaber gleichermaßen von entscheidender Bedeutung., Nachfolgend finden Sie eine umfassende Zeitleiste für Kunstbewegungen, die die Merkmale, führenden Mitwirkenden und wichtigen Einflüsse jeder prominenten Periode in der Geschichte der westlichen Kunst untersucht.

Prähistorische Kunst (~40.000–4.000 B.,C.)

Die Ursprünge der Kunstgeschichte lassen sich bis in die prähistorische Zeit zurückverfolgen, bevor schriftliche Aufzeichnungen geführt wurden. Die frühesten Artefakte stammen aus der Altsteinzeit oder der alten Steinzeit in Form von Felszeichnungen, Gravuren, Bildbildern, Skulpturen und Steinarrangements.

Die Kunst aus dieser Zeit stützte sich auf die Verwendung natürlicher Pigmente und Steinschnitzereien, um Darstellungen von Objekten, Tieren und Ritualen zu schaffen, die die Existenz einer Zivilisation regierten. Eines der bekanntesten Beispiele ist das der altsteinzeitlichen Höhlenmalereien, die in den komplexen Höhlen von Lascaux in Frankreich gefunden wurden., Obwohl sie 1940 entdeckt wurden, sind sie schätzungsweise bis zu 20.000 Jahre alt und zeigen große Tiere und Vegetation aus der Gegend.

Alte Kunst (4,000 B. C.–A. D. 400)

Antike Kunst wurde von fortgeschrittenen Zivilisationen produziert, die sich in diesem Fall auf solche mit einer etablierten Schriftsprache beziehen. Zu diesen Zivilisationen gehörten Mesopotamien, Ägypten, Griechenland und die Amerikas.,

Das Medium eines Kunstwerks aus dieser Zeit variiert je nach Zivilisation, die es hervorgebracht hat, aber die meisten Kunstwerke dienten ähnlichen Zwecken: Geschichten zu erzählen, Gebrauchsgegenstände wie Schalen und Waffen zu dekorieren, religiöse und symbolische Bilder zu zeigen und sozialen Status zu demonstrieren. Viele Werke zeigen Geschichten von Herrschern, Göttern und Göttinnen.

Eines der berühmtesten Werke aus dem alten Mesopotamien ist der Code von Hammurabi. Erstellt um 1792 B. C.,, das Stück trägt eine babylonische Reihe von Gesetzen in Stein gemeißelt, durch ein Bild von König Hammurabi geschmückt-der sechste König von Babylonien—und der mesopotamischen Gott, Shabash.

der Mittelalterlichen Kunst (500-1400)

Das Mittelalter, oft als das „Dunkle Zeitalter“ bezeichnet, markierte eine Periode des wirtschaftlichen und kulturellen Verfalls nach dem Fall des Römischen Reiches im Jahr 476 n. Chr., Ein Großteil der in den frühen Jahren dieser Zeit entstandenen Kunstwerke spiegelt diese Dunkelheit wider, die durch groteske Bilder und brutale Landschaften gekennzeichnet ist. Die in dieser Zeit entstandene Kunst konzentrierte sich auf die Kirche. Als das erste Jahrtausend verging, entstanden anspruchsvollere und aufwendig dekorierte Kirchen; Fenster und Silhouetten wurden mit biblischen Themen und Szenen aus der klassischen Mythologie geschmückt.

Diese Periode war auch für die Entstehung der beleuchteten Handschrift und des gotischen Baustils verantwortlich., Definitive Beispiele für einflussreiche Kunst aus dieser Zeit sind die Katakomben in Rom, die Hagia Sophia in Istanbul, die Lindisfarne-Evangelien, eines der bekanntesten Beispiele für das beleuchtete Manuskript, und Notre Dame, eine Pariser Kathedrale und ein prominentes Beispiel gotischer Architektur.

die Kunst der Renaissance (1400-1600)

Dieser Stil der Malerei, Skulptur und dekorativen Kunst war geprägt von einem Fokus auf Natur und Individualismus, dem Gedanken an den Menschen als unabhängig und eigenständig. Obwohl diese Ideale im späten Mittelalter vorhanden waren, blühten sie im 15.und 16.

Die Renaissance erreichte ihren Höhepunkt in Florenz, Italien, was zum großen Teil auf die Medici zurückzuführen war, eine wohlhabende Kaufmannsfamilie, die die Künste und den Humanismus, eine Vielzahl von Überzeugungen und Philosophien, die den Schwerpunkt auf das menschliche Reich legen, hartnäckig unterstützte., Der italienische Designer Filippo Brunelleschi und der Bildhauer Donatello waren in dieser Zeit wichtige Innovatoren.

Die Hochrenaissance, die von 1490 bis 1527 dauerte, produzierte einflussreiche Künstler wie da Vinci, Michelangelo und Raphael, von denen jeder kreative Kraft und Ideale des emotionalen Ausdrucks brachte. Kunstwerke in der Renaissance zeichneten sich durch Realismus, Liebe zum Detail und präzises Studium der menschlichen Anatomie aus. Die Künstler nutzten die lineare Perspektive und erzeugten Tiefe durch intensive Beleuchtung und Schattierung., Die Kunst begann sich kurz nach der Hochrenaissance stilistisch zu verändern, als Zusammenstöße zwischen christlichem Glauben und Humanismus dem Manierismus Platz machten.

Manierismus (1527-1580)

Manieristische Künstler entstanden aus den Idealen von Michelangelo, Raphael und anderen Künstlern der Spätrenaissance, aber ihr Fokus auf Stil und Technik überwog die Bedeutung des Themas., Oft hatten Figuren anmutige, längliche Gliedmaßen, kleine Köpfe, stilisierte Züge und übertriebene Details. Dies ergab komplexere, stilisierte Kompositionen, anstatt sich auf die klassischen Ideale harmonischer Komposition und linearer Perspektive ihrer Renaissance-Vorgänger zu verlassen.

Zu den bekanntesten manieristischen Künstlern gehören Giorgio Vasari, Francesco Salviati, Domenico Beccafumi und Bronzino, der zu seiner Zeit weithin als der wichtigste manieristische Maler in Florenz gilt.,

Barock (1600-1750)

Die Barockzeit, die dem Manierismus folgte, ergab kunstvolle, übertriebene bildende Kunst und Architektur. Es zeichnete sich durch Größe und Reichtum aus, unterbrochen von einem Interesse an der Erweiterung des menschlichen Intellekts und der globalen Entdeckung. Barockkünstler waren stilistisch komplex.,

Barockmalereien waren von Dramatik geprägt, wie sie in den ikonischen Werken des italienischen Malers Caravaggio und des niederländischen Malers Rembrandt zu sehen sind. Maler verwendeten einen intensiven Kontrast zwischen Hell und Dunkel und hatten energetische Kompositionen, die auf satte Farbpaletten abgestimmt waren.

Rokoko (1699-1780)

Das Rokoko entstand in Paris und umfasste dekorative Kunst, Malerei, Architektur und Skulptur., Die Ästhetik bot einen weicheren Stil der dekorativen Kunst im Vergleich zum Überschwang des Barock. Rokoko zeichnet sich durch Leichtigkeit und Eleganz aus und konzentriert sich auf die Verwendung natürlicher Formen, asymmetrisches Design und subtile Farben.

Maler wie Antoine Watteau und Francois Boucher verwendeten leichte Behandlungen, satte Pinselarbeiten und frische Farben. Der Rokoko-Stil lässt sich auch leicht in Silber, Porzellan und französische Möbel übersetzen. Viele Stühle und Accessoires zeigten geschwungene Formen, Blumenmuster und eine ausdrucksstarke Verwendung von Vergoldung.,

neoklassizismus (1750-1850)

Wie der Name schon sagt, hat sich die neoklassizistische Periode auf Elemente aus der klassischen Antike gestützt. Archäologische Ruinen antiker Zivilisationen in Athen und Neapel, die zu dieser Zeit entdeckt wurden, entfachten eine Leidenschaft für alles Vergangene, und Künstler bemühten sich, die großen Werke antiker Kunst nachzubilden. Dies führte zu einem erneuten Interesse an klassischen Idealen der Harmonie, Einfachheit und Proportion.,

Neoklassizistische Künstler wurden von klassischen Elementen beeinflusst; insbesondere ein Fokus auf Idealismus. Zwangsläufig nahmen sie auch moderne, historisch relevante Darstellungen in ihre Werke auf. Der italienische Bildhauer Antonio Canova griff beispielsweise in seinen Marmorskulpturen auf klassische Elemente zurück, vermied jedoch die kalte Künstlichkeit, die in vielen dieser frühen Kreationen vertreten war.

Romantik (1780-1850)

Die Romantik verkörpert ein breites Spektrum von Disziplinen, von der Malerei über Musik bis hin zur Literatur. Die Ideale, die in jeder dieser Kunstformen vorhanden sind, lehnen Ordnung, Harmonie und Rationalität ab, die sowohl in der klassischen Kunst als auch im Neoklassizismus umarmt wurden. Stattdessen betonten romantische Künstler das Individuum und die Vorstellungskraft. Ein weiteres bestimmendes romantisches Ideal war die Wertschätzung der Natur, wobei sich viele der Plein-Air-Malerei zuwandten, die Künstler aus dunklen Innenräumen herausbrachte und es ihnen ermöglichte, draußen zu malen. Künstler konzentrierten sich auch auf Leidenschaft, Emotion und Empfindung über Intellekt und Vernunft.,

Zu den prominenten romantischen Malern zählen Henry Fuseli, der seltsame, makabre Gemälde schuf, die die dunklen Tiefen der menschlichen Psychologie erforschten, und William Blake, dessen mysteriöse Gedichte und Bilder mystische Visionen und seine Enttäuschung über gesellschaftliche Zwänge vermittelten.

Realismus (1848-1900)

Wohl die erste moderne Kunstbewegung, Realismus, begann in Frankreich in den 1840er Jahren., Realismus war das Ergebnis mehrerer Ereignisse: die antiromantische Bewegung in Deutschland, der Aufstieg des Journalismus und das Aufkommen der Fotografie. Jeder inspirierte neues Interesse daran, den Alltag genau einzufangen. Diese Aufmerksamkeit für Genauigkeit zeigt sich in der Kunst, die während der Bewegung produziert wurde und detaillierte, lebensechte Darstellungen von Gegenständen enthielt.

Einer der einflussreichsten Führer der realistischen Bewegung ist Gustave Courbet, ein französischer Künstler, der sich der Malerei nur das verschrieben hat, was er physisch sehen konnte.,

Jugendstil (1890-1910)

Jugendstil, was übersetzt „Neue Kunst“ bedeutet, versuchte, eine völlig authentische Bewegung zu schaffen, die frei von jeglicher Nachahmung von Stilen war, die ihr vorausgingen. Diese Bewegung beeinflusste stark angewandte Kunst, Grafik und Illustration. Es konzentrierte sich auf die natürliche Welt, gekennzeichnet durch lange, gewundene Linien und Kurven.,

Einflussreiche Jugendstilkünstler arbeiteten in einer Vielzahl von Medien, darunter Architektur, Grafik-und Innenarchitektur, Schmuckherstellung und Malerei. Der tschechoslowakische Grafikdesigner Alphonse Mucha ist vor allem für seine Theaterplakate der französischen Schauspielerin Sarah Bernhardt bekannt. Der spanische Architekt und Bildhauer Antoni Gaudi konzentrierte sich nicht nur auf Linien, um geschwungene, farbenfrohe Konstruktionen wie die Basilica de la Sagrada Familia in Barcelona zu schaffen.

Impressionismus (1865-1885)

Impressionistische Maler versuchten, den unmittelbaren Eindruck eines bestimmten Moments einzufangen. Dies zeichnete sich durch kurze, schnelle Pinselstriche und ein unfertiges, skizzenartiges Gefühl aus. Impressionistische Künstler verwendeten das moderne Leben als Thema und malten Situationen wie Tanzsäle und Segelbootregatten anstelle historischer und mythologischer Ereignisse.

Claude Monet, ein französischer Künstler, der die Idee anführte, seine Wahrnehmung vor der Natur auszudrücken, ist praktisch gleichbedeutend mit der impressionistischen Bewegung., Zu seinen bemerkenswerten Werken gehören der Seerosenteich (1899), Frau mit Sonnenschirm (1875) und der Sonnenaufgang (1872), von dem der Name der Bewegung selbst abgeleitet ist.

Post-Impressionismus (1885-1910)

postimpressionistische Maler arbeiteten unabhängig und nicht als Gruppe, aber jeder einflussreiche postimpressionistische Maler hatte ähnliche Ideale., Sie konzentrierten sich eher auf subjektive Visionen und symbolische, persönliche Bedeutungen als auf Beobachtungen der Außenwelt. Dies wurde oft durch abstrakte Formen erreicht.

Zu den post-impressionistischen Malern gehört Georges Seurat, der für seine Pointillismus-Technik bekannt ist, die kleine, deutliche Punkte verwendete, um ein Bild zu bilden. Vincent van Gogh gilt auch als postimpressionistischer Maler, der durch seine Kunst nach persönlichem Ausdruck sucht, oft durch raue Pinselstriche und dunkle Töne.,

fauvismus (1900-1935)

Unter der Leitung von Henri Matisse baute der Fauvismus auf Beispielen von Vincent van Gogh und George Seurat auf. Jahrhunderts zeichnete sich dieser Stil durch ausdrucksstarke Verwendung intensiver Farben, Linien und Pinselstriche, einen kühnen Sinn für Oberflächendesign und flache Komposition aus.,

Wie in vielen Werken von Matisse selbst zu sehen war, war die Trennung von Farbe von ihrem beschreibenden, repräsentativen Zweck eines der Kernelemente, die diese Bewegung prägten. Der Fauvismus war ein wichtiger Vorläufer des Kubismus und Expressionismus.

Expressionismus (1905-1920)

Der Expressionismus entstand als Reaktion auf zunehmend widersprüchliche Weltanschauungen und den Verlust der Spiritualität., Die expressionistische Kunst versuchte, aus dem Inneren des Künstlers heraus zu zeichnen, indem sie eine Verzerrung der Form und starke Farben verwendete, um Ängste und rohe Emotionen zu zeigen. Expressionistische Maler suchten auf der Suche nach Authentizität Inspiration jenseits der westlichen Kunst und besuchten ethnographische Museen, um einheimische Volkstraditionen und Stammeskunst zu besuchen.

Die Wurzeln des Expressionismus lassen sich auf Vincent van Gogh, Edvard Munch und James Ensor zurückführen. Prominente Gruppen wie Die Brücke und Der Blaue Reiter bildeten sich, damit Künstler Werke veröffentlichen und ihre Ideale kollektiv zum Ausdruck bringen konnten.,

Kubismus (1907-1914)

Der Kubismus wurde von Pablo Picasso und Georges Braque gegründet, die das Konzept ablehnten, dass Kunst die Natur kopieren sollte. Sie entfernten sich von traditionellen Techniken und Perspektiven; stattdessen schufen sie radikal fragmentierte Objekte durch Abstraktion. Viele Werke kubistischer Maler sind durch flache, zweidimensionale Oberflächen, geometrische Formen oder „Würfel“ von Objekten und mehrere Aussichtspunkte gekennzeichnet., Oft waren ihre Untertanen nicht einmal erkennbar.

Surrealismus (1916-1950)

Der Surrealismus entstand 1916 aus der Dada-Kunstbewegung und zeigte Kunstwerke, die der Vernunft trotzen. Surrealisten prangerten die rationalistische Denkweise an. Sie machten diesen Denkprozess für Ereignisse wie den Ersten Weltkrieg verantwortlich und glaubten, dass er phantasievolle Gedanken unterdrückt., Surrealisten wurden von Karl Marx und Theorien von Sigmund Freud beeinflusst, der die Psychoanalyse und die Kraft der Vorstellungskraft erforschte.

Einflussreiche surrealistische Künstler wie Salvador Dalí klopften an das Unbewusste, um Enthüllungen auf der Straße und im Alltag darzustellen. Insbesondere Dalís Gemälde verbinden lebendige und bizarre Träume mit historischer Genauigkeit.

Abstrakter Expressionismus (1940er–1950er Jahre)

Geprägt vom Erbe des Surrealismus entstand der abstrakte Expressionismus in New York nach dem Zweiten Weltkrieg. Es wird oft als New York School oder Action Painting bezeichnet., Diese Maler und abstrakten Bildhauer lösten sich von dem, was als konventionell galt, und verwendeten stattdessen Spontaneität und Improvisation, um abstrakte Kunstwerke zu schaffen. Dazu gehörten kolossal skalierte Werke, deren Größe nicht mehr von einer Staffelei aufgenommen werden konnte. Stattdessen würden Leinwände direkt auf dem Boden platziert.

Zu den berühmten abstrakten expressionistischen Malern gehören Jackson Pollock, der für seinen einzigartigen Stil der abstrakten Malerei bekannt ist, und Mark Rothko, dessen Gemälde große Farbblöcke verwendeten, um ein Gefühl von Spiritualität zu vermitteln.,

Op Art (1950s–1960s)

Verstärkt durch Fortschritte in Wissenschaft und Technologie sowie ein Interesse an optischen Effekten und Illusionen, startete die Op art (kurz für „optische“ Kunst) Bewegung mit Le Mouvement, eine Gruppenausstellung in der Galerie Denise Rene in 1955. Künstler, die in diesem Stil aktiv waren, verwendeten Formen, Farben und Muster, um Bilder zu erstellen, die sich bewegten oder verschwommen wirkten und häufig in Schwarzweiß für maximalen Kontrast erzeugt wurden. Diese abstrakten Muster sollten das Auge verwirren und erregen.,

Die englische Künstlerin Bridget Riley ist eine der prominentesten Op-Art-Praktizierenden. Ihr 1964-Kunstwerk Blaze zeichnet sich durch Zickzack-Schwarz-Weiß-Linien aus, die die Illusion eines kreisförmigen Lichts erzeugen.

Pop Art (1950er-1960er Jahre)

Pop Art ist eine der bekanntesten künstlerischen Entwicklungen des 20., Die Bewegung entfernte sich von den Methoden des abstrakten Expressionismus und verwendete stattdessen alltägliche, weltliche Objekte, um innovative Kunstwerke zu schaffen, die den Konsum und die Massenmedien in Frage stellten. Diese Einführung in identifizierbare Bilder war eine Verschiebung von der Richtung der Moderne.

Popkünstler wie Andy Warhol und Roy Lichtenstein versuchten, die Idee zu etablieren, dass Kunst aus jeder Quelle schöpfen kann, und es gibt keine Hierarchie der Kultur, die das stört. Das vielleicht berühmteste Kunstwerk der Popkultur ist Warhols Campbell ‚ s Soup Cans Production.,

Arte Povera (1960er Jahre)

Arte Povera, wörtlich übersetzt in „arme Kunst“, forderte modernistische, zeitgenössische Systeme heraus, indem sie alltägliche Materialien in Kreationen einfügte. Künstler verwendeten Erde, Felsen, Papier, Seil und andere irdene Elemente, um eine vorindustrielle Stimmung hervorzurufen. Infolgedessen sind viele der bemerkenswerten Werke während dieser Bewegung skulptural.

Der italienische Künstler Mario Merz schuf in Zusammenarbeit mit anderen italienischen Künstlern wie Giovanni Anselmo und Alighiero Boetti anti-elitäre Werke, indem er Materialien aus dem Alltag verwendete., Sein Giap ‚ s Iglu von 1968, eines seiner bald charakteristischen Iglusreihen, konzentrierte sich auf seine Berufe mit den Notwendigkeiten des Lebens: Unterkunft, Wärme und Essen.

Minimalismus (1960er-1970er Jahre)

Die minimalistische Bewegung entstand in New York, als eine Gruppe jüngerer Künstler begann, die übermäßig expressiven Werke abstrakter expressionistischer Künstler in Frage zu stellen. Minimalistische Kunst konzentrierte sich stattdessen auf Anonymität und machte auf die Materialität der Werke aufmerksam., Die Künstler forderten die Zuschauer auf, sich genau auf das zu konzentrieren, was vor ihnen lag, anstatt durch gereinigte Formen, Ordnung, Einfachheit und Harmonie Parallelen zu äußeren Realitäten und emotionalen Gedanken zu ziehen.

Der amerikanische Künstler Frank Stella war einer der frühesten Anwender des Minimalismus und produzierte nicht repräsentative Gemälde, wie in seinen schwarzen Gemälden zu sehen, die zwischen 1958 und 1960 fertiggestellt wurden. Jedes verfügt über ein Muster geradliniger Streifen gleichmäßiger Breite, die in metallisch schwarzer Tinte gedruckt sind.,

Konzeptkunst (1960er–1970er Jahre)

Konzeptkunst lehnte frühere Kunstbewegungen vollständig ab, und Künstler schätzten Ideen gegenüber visuellen Komponenten und schufen Kunst in Form von Performances, Ephemera und anderen Formen. Die aktive Poesie der polnischen Performancekünstlerin Ewa Partum bestand darin, dass sie einzelne Buchstaben des Alphabets über verschiedene Landschaften verteilte. Der amerikanische Künstler Joseph Kosuth erforschte die Produktion und Rolle der Sprache in der Kunst, wie in seinen Stühlen Eins und drei von 1965 zu sehen ist. Darin repräsentiert er einen Stuhl auf drei verschiedene Arten, um verschiedene Bedeutungen desselben Objekts darzustellen., Da sich diese Art von Kunst auf Ideen und Konzepte konzentrierte, gab es keinen eigenen Stil oder keine eigene Form.

Zeitgenössische Kunst (1970-Gegenwart)

Die 1970er Jahre markierten den Beginn der zeitgenössischen Kunst, die sich bis heute erstreckt. Diese Zeit wird von verschiedenen Schulen und kleineren Bewegungen dominiert, die entstanden sind.

• Postmoderne: Als Reaktion auf die Moderne schufen Künstler Werke, die Skepsis, Ironie und philosophische Kritik widerspiegelten.
• Feministische Kunst: Diese Bewegung entstand in dem Versuch, Stereotypen zu transformieren und das Modell einer von Männern dominierten Kunstgeschichte zu brechen.,
• Neo Expressionismus: Künstler versuchten, ursprüngliche Aspekte des Expressionismus wiederzubeleben und hochtexturale, expressive, große Werke zu schaffen.
• Street Art: Künstler wie Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, Barry McGee, Banksy und andere schufen Graffiti-ähnliche Kunst auf Oberflächen an öffentlichen Orten wie Bürgersteigen, Gebäuden und Überführungen.
• The Pictures Generation: Die Künstler Cindy Sherman, Louise Lawler, Gary Simmons und andere, die von konzeptueller und Pop-Art beeinflusst wurden, experimentierten mit erkennbaren Bildern, um Bilder zu erforschen, die unsere Wahrnehmung der Welt prägten.,
• Appropriation art: Diese Bewegung konzentrierte sich auf die Verwendung von Bildern in der Kunst mit wenig Transformation von ihrer ursprünglichen Form.
• Young British Artists (YBA): Diese Gruppe von Londoner Künstlern war berüchtigt für ihre Bereitschaft, das Publikum durch ihre Bilder zu schockieren, und die Bereitschaft, über die Grenzen des Anstands hinauszugehen. Sie sind auch bekannt für ihre Lebensfreude, Unternehmergeist.,
• Digitale Kunst: Das Aufkommen der Kamera wich dieser künstlerischen Praxis, die es Künstlern ermöglichte, die Infusion von Kunst und Technologie zu nutzen, um mit Medien wie Computern, Audio-und Bildsoftware, Ton und Pixeln zu schaffen.

Vollständige Infografik anzeigen

Kunstbewegungen in der gesamten Geschichte der westlichen Kunst haben weltweit ein breites Spektrum an einflussreichen Stilen, Techniken und Medien geboten. Jede Bewegung beleuchtete unverwechselbare Malerei, Skulptur, architektonische Errungenschaften und andere definierende Werke., Das Verständnis der Zeitleiste der Kunstgeschichte und der Art und Weise, wie jede Periode spätere Bewegungen beeinflusst hat, ist für den Aufbau einer durchdachten, zusammenhängenden Sammlung von größter Bedeutung.

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