10 pintores femeninas famosas que todo amante del arte debe saber

La historia del arte está llena de los nombres de grandes hombres: Leonardo da Vinci, Vincent Van Gogh, Pablo Picasso, etc. Pero, ¿qué hay de las mujeres que han ayudado a dar forma a la historia visual del mundo? Al igual que con muchos otros campos, las mujeres fueron históricamente desalentadas de seguir una carrera en las artes, sin embargo, hay muchas mujeres increíbles que perseveraron., Sin embargo, estas famosas artistas tienen más en común que su género y trayectoria profesional: todas son pioneras por derecho propio, y muchas rompen barreras en su vida personal y pública.

Por supuesto, estas mujeres probablemente estarían disgustadas de ser incluidas en una lista de pintoras, prefiriendo ser valoradas como artistas fuera de su género. Lamentablemente, a medida que las mujeres continúan luchando por la igualdad en todos los campos, estos artistas excepcionales a menudo siguen siendo mencionados en términos de su género., Afortunadamente, más que nunca, estas mujeres de distinción se enfrentan a sus pares masculinos y son reconocidas positivamente por sus contribuciones a la historia del arte. Organizaciones como Advancing Women Artists trabajan para asegurar que el talento femenino del pasado no quede fuera de los libros de historia.

Una mirada a algunas de las grandes artistas femeninas del pasado es también una línea de tiempo de la historia del arte, ya que las mujeres han sido figuras líderes en todos los movimientos artísticos, desde el Renacimiento italiano hasta el modernismo estadounidense y más allá., Abriéndonos camino a través de la historia del arte, desde una pintora de la corte del siglo XVI para el rey Felipe II hasta el icono del siglo XX que es Frida Kahlo, echemos un vistazo a la fuerza, el carácter y el talento de estas mujeres excepcionales.

si eres un amante del arte, aquí hay 10 artistas femeninas famosas que debes conocer.

Sofonisba Anguissola (1532 – 1625)

La Pintora Sofonisba Anguissola fue pionera durante el Renacimiento italiano. Nacida en una familia noble relativamente pobre, su padre se aseguró de que ella y sus hermanas tuvieran una educación integral que incorporara Bellas Artes. Esto incluyó aprendizajes con respetados pintores locales. Esto sentó un precedente para futuras artistas, que hasta ese momento típicamente solo aprendían si un miembro de la familia tenía un taller. El talento de Anguissola llamó la atención de Miguel Ángel, con quien llevó a cabo una tutoría informal a través del intercambio de dibujos.,

aunque, como artista femenina, no se le permitió estudiar anatomía o practicar modelos de dibujo debido a su vulgaridad percibida, todavía logró tener una carrera exitosa. Gran parte de su éxito se debió a su papel como pintora en la Corte Del Rey Felipe II de España. En el transcurso de 14 años, desarrolló sus habilidades para el retrato oficial de la corte, así como retratos más íntimos de la nobleza. Sus pinturas son conocidas por capturar el espíritu y la vitalidad de sus modelos y ahora se pueden encontrar en colecciones de todo el mundo.,

Artemisia Gentileschi (1593 – 1653)

como hija de una pintora consumada, Artemisia Gentileschi tuvo acceso al mundo del arte a una edad temprana. Al principio estaba en el taller de su padre mezclando pinturas y él apoyó su carrera cuando notó que ella era excepcionalmente talentosa., Como notable pintora del período barroco italiano, Artemisia Gentileschi no dejó que su género la detuviera de su tema. Pintó pinturas bíblicas y mitológicas a gran escala, al igual que sus homólogos masculinos y fue la primera mujer aceptada en la prestigiosa Academia de Bellas Artes de Florencia.

Su legado a veces se ve ensombrecido por su biografía, con sus sangrientas representaciones de Judith y Holofernes a menudo interpretadas a través de la lente de su violación a manos de un compañero artista., Sin embargo, su talento es innegable y sigue siendo reconocida por su representación realista de la forma femenina, la profundidad de sus colores y su sorprendente uso de la luz y la sombra.

Judith Leyster (1609 – 1660)

nacida en Haarlem, Judith Leyster fue una artista destacada durante la edad de Oro holandesa. Típico de los artistas holandeses durante este período, Leyster se especializó en pinturas de género, bodegones y retratos., Los detalles detrás de su formación artística no están claros, pero fue una de las primeras mujeres admitidas en el gremio de pintores en Haarlem. Más tarde dirigió un exitoso taller con varios aprendices varones y era conocida por la naturaleza relajada e informal de sus retratos.

aunque tuvo bastante éxito durante su vida, su reputación sufrió después de su muerte debido a circunstancias desafortunadas. Toda su obra se hizo pasar por obra de su contemporáneo Frans Hals o de su marido., En muchos casos, su firma fue cubierta por coleccionistas que buscaban obtener ganancias debido al alto valor de mercado del trabajo de Frans Hals. Solo a finales del siglo XIX se descubrieron estos errores y los estudiosos comenzaron a ganar una apreciación renovada por la habilidad de Leyster como artista.

Élisabeth Vigée Le Brun (1755 – 1842)

la retratista Francesa Élisabeth Vigée Le Brun creó un impresionante cuerpo de trabajo que totaliza casi 1.000 retratos y pinturas de paisajes. Como hija de un pintor, recibió instrucción temprana de su padre y estaba pintando retratos profesionalmente cuando era adolescente. Su gran salto en su carrera llegó cuando fue nombrada como la pintora de retratos de María Antonieta y más tarde se le concedió la entrada a numerosas academias de arte.

sus pinturas cierran la brecha entre el estilo rococó teatral y el período neoclásico más contenido., Disfrutó de un éxito continuo en su carrera, incluso mientras estaba en el exilio después de la Revolución francesa, ya que era una pintora favorita de la aristocracia en toda Europa. Los retratistas disfrutaron de su capacidad para ponerlos a gusto, lo que llevó a cuadros de retratos que eran animados y carentes de rigidez. La forma natural y relajada de sus retratos se consideró revolucionaria en un momento en que el retrato a menudo requería representaciones formales de las clases altas.

Rosa Bonheur (1822 – 1899)

como muchas artistas femeninas, el padre de Rosa Bonheur era pintor. La pintora realista francesa es considerada una de las artistas femeninas más famosas del siglo XIX, conocida por sus pinturas de gran formato que presentaban animales. Exhibió regularmente en el aclamado salón de París y tuvo éxito en el extranjero, tanto en los Estados Unidos como en Gran Bretaña. Bonheur pasó una gran cantidad de tiempo dibujando Animales vivos en movimiento, lo que explica su notable capacidad para capturar su semejanza en el lienzo.,

Bonheur también se celebra por romper los estereotipos de género. Desde mediados de la década de 1850 en adelante, llevaba vestido de hombre, incluso obteniendo la autorización de la policía para hacerlo. Aunque a menudo fue criticada por usar pantalones y blusas sueltas, continuó poniéndolos a lo largo de su vida, citando su practicidad cuando trabajaba con animales. También fue una lesbiana abierta, primero viviendo con su pareja Nathalie micas durante más de 40 años y luego, después de la muerte de Micas, forjando una relación con la pintora estadounidense Anna Elizabeth Klumpke., Al vivir su vida abiertamente en una época en que el lesbianismo era menospreciado por el Gobierno, Bonheur apostó por su afirmación como una persona innovadora tanto en su carrera como en su vida personal.

Berthe Morisot (1841-1895)

considerada una de las grandes impresionistas femeninas, Berthe Morisot tenía el arte corriendo por sus venas. Nacida en una familia aristocrática francesa, era sobrina nieta del célebre pintor Rococó Jean-Honoré Fragonard., Inicialmente, expuso su trabajo en el respetado Salón de París antes de unirse a la primera exposición impresionista con Monet, Cézanne, Renoir y Degas. Morisot tiene una relación particularmente estrecha con Édouard Manet, quien pintó varios retratos de ella, y finalmente se casó con su hermano.

su arte a menudo se centró en escenas domésticas y prefirió trabajar con pasteles, acuarela y carbón. Trabajando principalmente en pequeña escala, su trabajo ligero y aireado fue a menudo criticado por ser demasiado «femenino»., Morisot escribió sobre sus luchas para ser tomada en serio como artista femenina en su diario, afirmando que «no creo que haya habido un hombre que haya tratado a una mujer como un igual y que»es todo lo que habría pedido, porque sé que valgo tanto como ellos.»

Mary Cassatt (1844 – 1926)

La pintora estadounidense Mary Cassatt pasó su vida adulta en Francia, donde se convirtió en parte integral del grupo impresionista., Cassatt nació en una familia acomodada que primero protestó contra su deseo de convertirse en artista. Finalmente dejó la escuela de arte después de sentirse frustrada por el trato separado que las estudiantes recibieron—no podían usar modelos en vivo y se quedaron dibujando de moldes.

al mudarse a París a los 22 años, Cassatt buscó un aprendizaje privado y pasó su tiempo libre copiando pinturas de viejos maestros en el Louvre. La carrera de Cassatt ya estaba despegando cuando se unió a los impresionistas y forjó una amistad de por vida con Degas., Al mismo tiempo, fue abierta en su consternación por el sistema de arte formal, que sentía que requería que las artistas femeninas coquetearan o se hicieran amigas de patrones masculinos para avanzar. Creó su propia trayectoria profesional con los impresionistas, dominando los pasteles para crear trabajos suaves y ligeros que a menudo destacaban a las mujeres que actuaban como cuidadoras. A lo largo de su vida, Cassatt continuó apoyando la igualdad para las mujeres, incluso participando en una exposición en apoyo del sufragio femenino.,>

⠀ «Color is one of the great things in the world that makes life worth living…” – Georgia O’Keeffe⠀ ⠀ #GeorgiaOKeeffe #Flowers #OKeeffeInspired #Quotes #Art #Interpretation #ISaidWhatISaid ⠀ ⠀ Georgia O»Keeffe., Series I White & Blue Flower Shapes, 1919. Aceite a bordo, 19 7/8 x 15 3/4 pulgadas. Georgia O’Keeffe Museum. Donación de la Fundación Georgia O » Keeffe. © Georgia O’Keeffe Museum.

un post compartido por Georgia O » Keeffe Museum (@okeeffemuseum) el 13 de junio de 2019 a las 1:00pm PDT

como artista a la vanguardia del modernismo estadounidense, Georgia O»Keeffe es una de las artistas femeninas más célebres de la historia., Sus primeros dibujos y pinturas llevaron a audaces experimentos en abstracción, con su enfoque en la pintura para expresar sus sentimientos marcando el comienzo de una era de «arte por arte».»Durante su vida, su carrera se entrelazó con su marido, Alfred Stieglitz. Si bien el renombrado fotógrafo defendía la idea de que el arte estadounidense podría igualar al de Europa y que las pintoras podrían crear arte tan poderoso como los hombres, también obstaculizó la interpretación de su trabajo.,

Stieglitz vio la creatividad como una expresión de la sexualidad y estos pensamientos, junto con sus retratos íntimos de O»Keeffe, impulsaron la idea de que sus pinturas cercanas de flores eran metáforas de los genitales femeninos. Es un concepto que la artista siempre ha negado, aunque su trabajo es sin duda sensual. O » Keeffe pasó gran parte de su carrera combatiendo la interpretación de su arte únicamente como un reflejo de su género. A lo largo de su vida se negó a participar en exposiciones de arte exclusivamente femeninas, deseando ser definida simplemente como una artista, libre de género.,

Tamara De Lempicka (1898-1980)

La artista polaca Tamara De Lempicka es conocida por sus retratos y desnudos altamente estilizados que ejemplifican la era Art Deco. De Lempicka pasó gran parte de su carrera en Francia y los Estados Unidos, donde su trabajo fue favorecido por los aristócratas. Una de sus pinturas más famosas, Autorretrato en un Bugatti Verde, ejemplifica la naturaleza fría y separada de las figuras de De Lempicka. En la obra, que fue creada para la portada de una revista de moda alemana, de Lempicka emana independencia y belleza inaccesible.,

sus pinturas a menudo contenían narrativas de deseo, seducción y sensualidad moderna, haciéndolas revolucionarias para su tiempo. De Lempicka disfrutó de éxito hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, pero hubo un resurgimiento del interés en su trabajo como Art Deco se hizo popular de nuevo en la década de 1960. su estilo inmediatamente reconocible la convierte en una Favorita Entre los fans de los pintores Art Deco y hoy en día su trabajo es más popular que nunca, con Madonna siendo un conocido coleccionista de sus pinturas.,a4ce»>

«Autorretrato con collar de espinas”., (1940) #FridaArt #FridaKahlo #Painting #Art #Legend #Mexico #Artist #Painter #Kahlo

un post compartido por Frida Kahlo (@fridakahlo) el 7 de julio de 2019 a las 5:09am PDT

actualmente, no hay otra Artista Femenina del siglo 20 con un nombre tan reconocible en Frida Kahlo. Si bien el drama de su trágico accidente de joven y su tumultuosa relación con su esposo Diego Rivera a veces han eclipsado sus habilidades artísticas, no se puede negar el poder de su pintura., Es particularmente conocida por sus autorretratos, que tratan temas de identidad, sufrimiento y el cuerpo humano.

aunque a veces fue escrita únicamente como «la esposa de Diego Rivera»durante su vida, su obra de arte solo ha ganado impulso desde su muerte. Las pinturas más famosas de Frida Kahlo pertenecen a importantes museos de arte de todo el mundo, mientras que ha ganado el estatus de campeona de feministas, Chicanos y la comunidad LGBT.

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