Claroscuro
origen en el dibujo claroscuroeditar
el término claroscuro se originó durante el renacimiento como dibujo sobre papel de color, donde el artista trabajó desde el tono base del papel hacia la luz usando gouache blanco, y hacia la oscuridad usando tinta, bodycolour o acuarela., Estos a su vez se inspiraron en las tradiciones de los manuscritos iluminados que se remontan a los manuscritos imperiales romanos tardíos en vitela teñida de púrpura. Tales obras se llaman «dibujos claroscuros», pero solo pueden describirse en la terminología moderna de los museos mediante fórmulas como»pluma sobre papel preparado, intensificado con color blanco corporal». Las xilografías del claroscuro comenzaron como imitaciones de esta técnica. Cuando se habla de arte italiano, el término a veces se utiliza para referirse a imágenes pintadas en monocromo o dos colores, más generalmente conocido en Inglés por el equivalente francés, grisalla., El término se amplió en significado desde el principio para cubrir todos los fuertes contrastes en la iluminación entre las áreas claras y oscuras en el arte, que ahora es el significado primario.,
claroscuro modellingEdit
detalle de La Fornarina (1518-19) de Raphael, muestra claroscuro de modelado delicado en el cuerpo de la modelo, por ejemplo en el hombro, pecho y brazo a la derecha
el uso más técnico del término claroscuro es el efecto del modelado de luz en la pintura, el dibujo o el grabado, donde el volumen tridimensional se sugiere por la gradación de valor del color y la división analítica de las formas de luz y sombra, a menudo llamada «sombreado»., La invención de estos efectos en Occidente,» skiagraphia «o» sombra-pintura » a los antiguos griegos, tradicionalmente se atribuyó al famoso pintor ateniense del siglo V AC, Apolodoros. Aunque pocas pinturas griegas antiguas sobreviven, su comprensión del efecto del modelado de la luz todavía se puede ver en los mosaicos de Pella, Macedonia, a finales del siglo IV A.C., en particular el mosaico de la caza del ciervo, en la Casa del secuestro de Helena, Gnosis epoesen inscrita, o «el conocimiento lo hizo».,
la técnica también sobrevivió en forma estandarizada bastante cruda en el arte bizantino y fue refinada nuevamente en la Edad Media para convertirse en estándar a principios del siglo XV en la pintura y la iluminación manuscrita en Italia y Flandes, y luego se extendió a todo el arte occidental.
según la teoría de la historiadora del arte Marcia B. Hall, que ha ganado considerable aceptación, el claroscuro es uno de los cuatro modos de pintar colores disponibles para los pintores italianos del Alto Renacimiento, junto con cangiante, sfumato y unione.,
La Pintura de Rafael ilustrada, con luz proveniente de la izquierda, muestra tanto un claroscuro de modelado delicado para dar volumen al cuerpo del modelo, como un claroscuro fuerte en el sentido más común, en el contraste entre el modelo bien iluminado y el fondo muy oscuro del follaje. Para complicar aún más las cosas, sin embargo, el claroscuro compositivo del contraste entre modelo y fondo probablemente no se describiría con este término, ya que los dos elementos están casi completamente separados., El término se utiliza principalmente para describir composiciones donde al menos algunos elementos principales de la composición principal muestran la transición entre la luz y la oscuridad, como en las pinturas de Baglioni y Geertgen tot Sint Jans ilustradas arriba y abajo.,
el modelado en claroscuro ahora se da por sentado, pero ha tenido algunos oponentes; a saber: el miniaturista de retratos Inglés Nicholas Hilliard advirtió en su Tratado sobre pintura contra todo menos el uso mínimo que vemos en sus obras, reflejando las opiniones de su Patrona La Reina Isabel I de Inglaterra: «ver que lo mejor para mostrarse no necesita sombra de lugar sino más bien la luz abierta… Su Majestad… eligió su lugar para sentarse con ese propósito en el callejón Abierto de un buen jardín, donde ningún árbol estaba cerca, ni ninguna sombra en absoluto…,»
en dibujos e impresiones, el claroscuro de modelado a menudo se logra mediante el uso de sombreado, o sombreado por líneas paralelas. Los lavados, los efectos de punteado o punteado y el» tono de superficie » en el grabado son otras técnicas.,
Xilografía Claroscuraeditar
xilografía Claroscura de la Virgen y el niño por Bartolommeo Coriolano, creada entre 1630 y 1655 (digitalmente restaurada)
claroscuro las xilografías son grabados antiguos en xilografía que utilizan dos o más bloques impresos en diferentes colores; no necesariamente presentan fuertes contrastes de luz y oscuridad. Primero se produjeron para lograr efectos similares a los dibujos de claroscuro., Después de algunos experimentos tempranos en la impresión de libros, La verdadera xilografía de claroscuro concebida para dos bloques fue probablemente inventada por Lucas Cranach el viejo en Alemania en 1508 o 1509, aunque retrodató algunas de sus primeras impresiones y añadió bloques de tono a algunas impresiones producidas por primera vez para impresión monocromática, seguido rápidamente por Hans Burgkmair el viejo., A pesar de la pretensión de Vasari por la precedencia italiana en Ugo da Carpi, está claro que su, los primeros ejemplos Italianos, datan de alrededor de 1516, pero otras fuentes sugieren, el primer grabado en madera claroscuro para ser el triunfo de Julio César, que fue creado por Andrea Mantegna, un pintor italiano, entre 1470 y 1500., Otro punto de vista afirma que: «Lucas Cranach retractó dos de sus obras en un intento de apoderarse de la gloria» y que la técnica fue inventada «con toda probabilidad» por Burgkmair «quien fue comisionado por el emperador Maximiliano para encontrar una manera barata y efectiva de conseguir la imagen imperial ampliamente difundida ya que necesitaba reunir dinero y apoyo para una cruzada».
otros grabadores que han utilizado esta técnica incluyen a Hans Wechtlin, Hans Baldung Grien y Parmigianino., En Alemania, la técnica alcanzó su mayor popularidad alrededor de 1520, pero se utilizó en Italia a lo largo del siglo XVI. Artistas posteriores como Goltzius a veces hicieron uso de ella. En la mayoría de los grabados alemanes de dos bloques, el keyblock (o» line block») se imprimía en negro y el tone block o bloques tenían áreas planas de color. En Italia, las xilografías de claroscuro se producían Sin Llaves para lograr un efecto muy diferente.
claroscuro compositivo para CaravaggioEdit
Natividad Nocturna Por Geertgen tot Sint Jans, C., 1490, según una composición de Hugo van der Goes DE C. 1470; fuentes de luz son el Niño Jesús, los pastores » fuego en la colina detrás, y el ángel que se les aparece.
La iluminación del manuscrito fue, como en muchas áreas, especialmente experimental en el intento de efectos de iluminación ambiciosos ya que los resultados no fueron para exhibición pública. El desarrollo del claroscuro compositivo recibió un impulso considerable en el norte de Europa a partir de la visión de la Natividad de Jesús de Santa Brígida de Suecia, una mística muy popular., Describió al niño Jesús como emisor de luz; las representaciones redujeron cada vez más otras fuentes de luz en la escena para enfatizar este efecto, y la Natividad permaneció muy comúnmente tratada con claroscuro hasta el Barroco. Hugo van der Goes y sus seguidores pintaron muchas escenas iluminadas solo por una vela o la luz divina del niño Cristo. Al igual que con algunos pintores posteriores, en sus manos el efecto era de quietud y calma más que el drama con el que se usaría durante el Barroco.,
el claroscuro fuerte se convirtió en un efecto popular durante el siglo XVI en el Manierismo y el arte barroco. La luz divina continuó iluminando, a menudo inadecuadamente, las composiciones de Tintoretto, Veronese y sus muchos seguidores. El uso de sujetos oscuros dramáticamente iluminados por un haz de luz de una sola fuente restringida y a menudo invisible, fue un dispositivo compositivo desarrollado por Ugo da Carpi (C. 1455-C., 1523), Giovanni Baglione (1566-1643), y Caravaggio (1571-1610), el último de los cuales fue crucial en el desarrollo del estilo del tenebrismo, donde el claroscuro dramático se convierte en un recurso estilístico dominante.
siglos XVII y XVIII edit
la elevación de la Cruz (1610-1611) de Peter Paul Rubens está modelada con claroscuro dinámico.
el tenebrismo fue practicado especialmente en España y en el Reino de Nápoles, por Jusepe de Ribera y sus seguidores., Adam Elsheimer (1578-1610), un artista alemán que vivía en Roma, produjo varias escenas nocturnas iluminadas principalmente por el fuego, y a veces La Luz de la luna. A diferencia de Caravaggio, sus áreas oscuras contienen detalles e interés muy sutiles. Las influencias de Caravaggio y Elsheimer fueron fuertes en Peter Paul Rubens, quien explotó sus respectivos enfoques de la tenebrosidad para un efecto dramático en pinturas como el levantamiento de la Cruz (1610-1611). Artemisia Gentileschi (1593-1656), una artista barroca que fue seguidora de Caravaggio, fue también una destacada exponente del tenebrismo y el claroscuro.,
un género particular que se desarrolló fue la escena nocturna iluminada por velas, que miró hacia atrás a artistas norteños anteriores como Geertgen tot Sint Jans y más inmediatamente, a las innovaciones de Caravaggio y Elsheimer. Este tema se desarrolló con muchos artistas de los Países Bajos en las primeras décadas del siglo XVII, donde se asoció con los caravaggistas de Utrecht como Gerrit van Honthorst y Dirck van Baburen, y con pintores barrocos flamencos como Jacob Jordaens., Las primeras obras de Rembrandt van Rijn (1606-1669) de la década de 1620 también adoptaron la fuente de luz de una sola vela. La escena nocturna a la luz de las velas reapareció en la República Holandesa a mediados del siglo XVII en una escala más pequeña en las obras de fijnschilders como Gerrit Dou y Gottfried Schalken.
El Casamentero por Gerrit van Honthorst, 1625
Rembrandt»s propio interés en los efectos de las tinieblas desplazado en su madura obras., Se basó menos en los fuertes contrastes de luz y oscuridad que marcaron las influencias italianas de la generación anterior, un factor que se encuentra en sus grabados de mediados del siglo XVII. En ese medio compartió muchas similitudes con su contemporáneo en Italia, Giovanni Benedetto Castiglione, cuyo trabajo en grabado lo llevó a inventar el monotipo.
fuera de los Países Bajos, artistas como Georges De La Tour y Trophime Bigot en Francia y Joseph Wright de Derby en Inglaterra, continuaron con un claroscuro tan fuerte, pero graduado, a la luz de las velas., Watteau utilizó un suave claroscuro en los fondos frondosos de sus fiestas galantes, y esto continuó en las pinturas de muchos artistas franceses, especialmente Fragonard. A finales del siglo Fuseli y otros utilizaron un claroscuro más pesado para el efecto romántico, al igual que Delacroix y otros en el siglo XIX.