Cronología de la historia del arte: los movimientos del Arte occidental y su impacto

la fundación de la historia del arte se remonta a decenas de miles de años, cuando las civilizaciones antiguas utilizaron técnicas y medios disponibles para representar temas culturalmente significativos. Desde estos primeros ejemplos, han seguido una plétora de movimientos artísticos, cada uno con sus propios estilos y características que reflejan las influencias políticas y sociales del período del que surgieron.,

géneros influyentes del arte desde el Renacimiento hasta el ascenso del modernismo sin duda han dejado su huella en la historia. Con muchos artistas hoy en día como Banksy, Kerry James Marshall, Mickalene Thomas y Kehinde Wiley constantemente infundiendo referencias históricas de arte en obras contemporáneas, comprender el contexto histórico y el significado de cada período y movimiento es fundamental para los coleccionistas y entusiastas del arte por igual., A continuación se muestra una línea de tiempo completa de los movimientos artísticos que explora las características, los principales contribuyentes y las influencias importantes de cada período prominente en la historia del arte occidental.

el Arte Prehistórico (~40,000 4,000 En B.,C.)

los orígenes de la historia del arte se remontan a la era prehistórica, antes de que se mantuvieran registros escritos. Los primeros artefactos provienen del Paleolítico, o la edad de piedra antigua, en forma de tallas de roca, grabados, imágenes pictóricas, esculturas y arreglos de piedra.

El Arte de este período se basó en el uso de pigmentos naturales y tallas de piedra para crear representaciones de objetos, animales y rituales que gobernaban la existencia de una civilización. Uno de los ejemplos más famosos es el de las pinturas rupestres paleolíticas encontradas en las complejas Cuevas de Lascaux en Francia., Aunque fueron descubiertos en 1940, se estima que tienen hasta 20.000 años de antigüedad y representan grandes animales y vegetación de la zona.

Ancient Art (4,000 B. C.–A. D. 400)

el arte antiguo fue producido por civilizaciones avanzadas, que en este caso se refiere a aquellas con un lenguaje escrito establecido. Estas civilizaciones incluyeron Mesopotamia, Egipto, Grecia y las de las Américas.,

el medio de una obra de arte de este período varía dependiendo de la civilización que la produjo, pero la mayoría del arte sirvió para propósitos similares: contar historias, decorar objetos utilitarios como cuencos y armas, mostrar imágenes religiosas y simbólicas, y demostrar el estatus social. Muchas obras representan historias de gobernantes, dioses y diosas.

una de las obras más famosas de la antigua Mesopotamia es el código de Hammurabi. Creado alrededor de 1792 B. C.,, la pieza lleva un conjunto babilónico de leyes talladas en piedra, adornado por una imagen del rey Hammurabi—el sexto rey de Babilonia—y el Dios Mesopotámico, Shabash.

Arte Medieval (500-1400)

la Edad Media, a menudo conocida como la «Edad Oscura», marcó un período de deterioro económico y cultural tras la caída del Imperio Romano en 476 d. c., Gran parte de la obra de arte producida en los primeros años del período refleja esa oscuridad, caracterizada por imágenes grotescas y paisajes brutales. El arte producido durante este tiempo se centró alrededor de la Iglesia. A medida que pasó el primer milenio, surgieron iglesias más sofisticadas y elaboradamente decoradas; ventanas y siluetas se adornaron con temas bíblicos y escenas de la mitología clásica.

este período También fue responsable de la aparición del manuscrito iluminado y el estilo de arquitectura gótica., Ejemplos definitivos de arte influyente de este período incluyen las catacumbas en Roma, Santa Sofía en Estambul, Los Evangelios de Lindisfarne, uno de los ejemplos más conocidos del manuscrito iluminado, y Notre Dame, una catedral parisina y un ejemplo prominente de la arquitectura gótica.

arte renacentista (1400-1600)

este estilo de pintura, escultura y arte decorativo se caracterizó por un enfoque en la naturaleza y el individualismo, el pensamiento del hombre como independiente y autosuficiente. Aunque estos ideales estaban presentes en el período Medieval tardío, florecieron en los siglos XV y XVI, paralelamente a los cambios sociales y económicos como la secularización.

el Renacimiento alcanzó su apogeo en Florencia, Italia, debido en gran parte a los Medici, una rica familia de comerciantes que apoyaban firmemente las artes y el humanismo, una variedad de creencias y filosofías que ponen énfasis en el reino humano., El diseñador italiano Filippo Brunelleschi y el escultor Donatello fueron innovadores clave durante este período.

El Alto Renacimiento, que duró de 1490 a 1527, produjo artistas influyentes como Da Vinci, Miguel Ángel y Rafael, cada uno de los cuales trajo poder creativo y encabezó ideales de expresión emocional. Las obras de arte a lo largo del Renacimiento se caracterizaron por el realismo, la atención al detalle y el estudio preciso de la anatomía humana. Los artistas utilizaron la perspectiva lineal y crearon profundidad a través de la iluminación intensa y el sombreado., El arte comenzó a cambiar estilísticamente poco después del Alto Renacimiento, cuando los enfrentamientos entre la fe cristiana y el humanismo dieron paso al manierismo.

el Manierismo (1527-1580)

los artistas manieristas surgieron de los ideales de Miguel Ángel, Rafael y otros artistas del Renacimiento tardío, pero su enfoque en el estilo y la técnica superó el significado del tema., A menudo, las figuras tenían extremidades elegantes y alargadas, cabezas pequeñas, rasgos estilizados y detalles exagerados. Esto produjo composiciones más complejas y estilizadas en lugar de confiar en los ideales clásicos de composición armoniosa y perspectiva lineal utilizados por sus predecesores renacentistas.

algunos de los artistas manieristas más célebres incluyen a Giorgio Vasari, Francesco Salviati, Domenico Beccafumi y Bronzino, quien es ampliamente considerado como el pintor manierista más importante de Florencia durante su tiempo.,

Barroco (1600-1750)

el período barroco que siguió al manierismo produjo Artes Visuales y arquitectura ornamentadas y exageradas. Se caracterizó por la grandeza y la riqueza, marcada por un interés en ampliar el intelecto humano y el descubrimiento global. Los artistas barrocos eran estilísticamente complejos.,

Las pinturas barrocas se caracterizaron por el drama, como se ve en las obras icónicas del pintor italiano Caravaggio y el pintor holandés Rembrandt. Los pintores usaban un intenso contraste entre la luz y la oscuridad y tenían composiciones enérgicas combinadas con ricas paletas de colores.

Rococó (1699-1780)

el rococó se originó en París, abarcando el arte decorativo, la pintura, la arquitectura y la escultura., La estética ofrecía un estilo de arte decorativo más suave en comparación con la exuberancia del Barroco. Rococó se caracteriza por la ligereza y la elegancia, centrándose en el uso de formas naturales, diseño asimétrico y colores sutiles.

pintores como Antoine Watteau y Francois Boucher utilizaron tratamientos alegres, pinceladas ricas y colores frescos. El estilo rococó también se traduce fácilmente en plata, porcelana y muebles franceses. Muchas sillas y armarios presentaban formas curvas, diseños florales y un uso expresivo del Dorado.,

el Neoclasicismo (1750-1850)

como su nombre indica, el período neoclásico se basó en elementos de la antigüedad clásica. Las ruinas arqueológicas de antiguas civilizaciones en Atenas y Nápoles que fueron descubiertas en ese momento reavivaron la pasión por todas las cosas del pasado, y los artistas se esforzaron por recrear las grandes obras de arte antiguo. Esto se tradujo en un renovado interés en los ideales clásicos de armonía, simplicidad y proporción.,

los artistas neoclásicos fueron influenciados por elementos clásicos; en particular, un enfoque en el idealismo. Inevitablemente, también incluyeron representaciones modernas e históricamente relevantes en sus obras. Por ejemplo, el escultor italiano Antonio Canova se basó en elementos clásicos en sus esculturas de mármol, pero evitó la fría artificialidad que estaba representada en muchas de estas primeras creaciones.

el Romanticismo (1780-1850)

El Romanticismo encarna una amplia gama de disciplinas, desde la pintura hasta la música y la literatura. Los ideales presentes en cada una de estas formas de arte rechazan el orden, la armonía y la racionalidad, que fueron abrazados tanto en el arte clásico como en el Neoclasicismo. En cambio, los artistas románticos enfatizaron el individuo y la imaginación. Otro ideal romántico definitorio fue una apreciación por la naturaleza, con muchos recurriendo a la pintura al aire libre, que sacó a los artistas de los interiores oscuros y les permitió pintar afuera. Los artistas también se centraron en la pasión, la emoción y la sensación sobre el intelecto y la razón.,

destacados pintores románticos incluyen a Henry Fuseli, quien creó extrañas y macabras pinturas que exploraban los oscuros recovecos de la psicología humana, y William Blake, cuyos misteriosos poemas e imágenes transmitieron visiones místicas y su decepción en las restricciones sociales.

Realism (1848-1900)

podría decirse que el primer movimiento de Arte Moderno, El Realismo, comenzó en Francia en la década de 1840., El realismo fue el resultado de múltiples eventos: el movimiento anti-Romántico en Alemania, el auge del periodismo y el advenimiento de la fotografía. Cada uno inspiró un nuevo interés en capturar con precisión la vida cotidiana. Esta atención a la precisión es evidente en el arte producido durante el movimiento, que presentaba descripciones detalladas y realistas del tema.

uno de los líderes más influyentes del movimiento realista es Gustave Courbet, un artista francés comprometido con pintar solo lo que podía ver físicamente.,

Art Nouveau (1890-1910)

El Art Nouveau, que se traduce como «nuevo arte», intentó crear un movimiento totalmente auténtico libre de cualquier imitación de los estilos que lo precedieron. Este movimiento influyó fuertemente en las artes aplicadas, los gráficos y la ilustración. Se centró en el mundo natural, caracterizado por líneas y curvas largas y sinuosas.,

influyentes artistas del Art Nouveau trabajaron en una variedad de medios, incluyendo Arquitectura, Diseño Gráfico e interior, Joyería y pintura. El diseñador gráfico checoslovaco Alphonse Mucha es mejor conocido por sus carteles teatrales de la actriz francesa Sarah Bernhardt. El arquitecto y escultor español Antoni Gaudí fue más allá de centrarse en las líneas para crear construcciones curvas y de colores brillantes como la de la Basílica de la Sagrada Familia en Barcelona.

Impresionismo (1865-1885)

los pintores impresionistas buscaron capturar la impresión inmediata de un momento en particular. Esto se caracterizó por pinceladas cortas y rápidas y una sensación inacabada, similar a un boceto. Los artistas impresionistas utilizaron la vida moderna como su tema, pintando situaciones como salones de baile y regatas de Veleros en lugar de eventos históricos y mitológicos.

Claude Monet, un artista francés que encabezó la idea de expresar las percepciones antes que la naturaleza, es prácticamente sinónimo del movimiento impresionista., Sus obras notables incluyen el estanque de nenúfares (1899), la mujer con una sombrilla (1875), y la impresión, amanecer (1872), de la que se deriva el nombre del movimiento en sí.

Post-Impresionismo (1885-1910)

los pintores postimpresionistas trabajaron de forma independiente en lugar de como un grupo, pero cada pintor postimpresionista influyente tenía ideales similares., Se concentraron en visiones subjetivas y significados simbólicos y personales en lugar de observaciones del mundo exterior. Esto se lograba a menudo a través de formas abstractas.

los pintores postimpresionistas incluyen a Georges Seurat, conocido por su técnica de puntillismo que usaba puntos pequeños y distintos para formar una imagen. Vincent Van Gogh también es considerado un pintor postimpresionista, que busca la expresión personal a través de su arte, a menudo a través de pinceladas rugosas y tonos oscuros.,

Fauvismo (1900-1935)

dirigido por Henri Matisse, el Fauvismo se basa en ejemplos de Vincent Van Gogh y George Seurat. Como el primer movimiento vanguardista del siglo XX, este estilo se caracterizó por el uso expresivo de colores intensos, líneas y pinceladas, un sentido audaz del diseño de superficies y una composición plana.,

como se ve en muchas de las obras del propio Matisse, la separación del color de su propósito descriptivo y representativo fue uno de los elementos centrales que dieron forma a este movimiento. El fauvismo fue un precursor importante del cubismo y el expresionismo.

Expresionismo (1905-1920)

El Expresionismo surgió como respuesta a visiones del mundo cada vez más conflictivas y a la pérdida de espiritualidad., El arte expresionista buscó dibujar desde dentro del artista, usando una distorsión de la forma y colores fuertes para mostrar ansiedades y emociones crudas. Los pintores expresionistas, en busca de autenticidad, buscaron inspiración más allá de la del arte occidental y frecuentaron museos etnográficos para revisitar las tradiciones populares nativas y el arte tribal.

Las raíces del expresionismo se remontan a Vincent Van Gogh, Edvard Munch y James Ensor. Grupos prominentes como Die Brücke (el puente) y Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) se formaron para que los artistas pudieran publicar obras y expresar sus ideales colectivamente.,

Cubism (1907-1914)

El cubismo fue establecido por Pablo Picasso y Georges Braque, quienes rechazaron el concepto de que el arte debería copiar la naturaleza. Se alejaron de las técnicas y perspectivas tradicionales; en cambio, crearon objetos radicalmente fragmentados a través de la abstracción. Las obras de muchos pintores cubistas están marcadas por superficies planas y bidimensionales, Formas geométricas o «cubos» de objetos, y múltiples puntos de vista., A menudo, sus sujetos ni siquiera eran discernibles.

el Surrealismo (1916-1950)

El surrealismo surgió del movimiento Dadá art en 1916, mostrando obras de arte que desafiaban la razón. Los surrealistas denunciaron la mentalidad racionalista. Culparon a este proceso de pensamiento a eventos como la Primera Guerra Mundial y creían que reprimía los pensamientos imaginativos., Los surrealistas fueron influenciados por Karl Marx y las teorías desarrolladas por Sigmund Freud, quien exploró el psicoanálisis y el poder de la imaginación.

influyentes artistas surrealistas como Salvador Dalí recurrieron a la mente inconsciente para representar revelaciones encontradas en la calle y en la vida cotidiana. Las pinturas de Dalí en particular emparejan sueños vívidos y extraños con precisión histórica.

Expresionismo abstracto (1940s–1950s)

formado por el legado del surrealismo, el Expresionismo abstracto surgió en Nueva York después de la Segunda Guerra Mundial. A menudo se conoce como la Escuela de Nueva York o pintura de acción., Estos pintores y escultores abstractos se separaron de lo que se consideraba convencional, y en su lugar utilizaron la espontaneidad y la improvisación para crear obras de arte abstractas. Esto incluía obras de escala colosal cuyo tamaño ya no podía ser acomodado por un caballete. En su lugar, los lienzos se colocarían directamente sobre el suelo.

los famosos pintores expresionistas abstractos incluyen a Jackson Pollock, conocido por su estilo único de pintura por goteo, y Mark Rothko, cuyas pinturas emplearon grandes bloques de color para transmitir un sentido de espiritualidad.,

Op Art (1950s–1960s)

intensificado por los avances en la ciencia y la tecnología, así como un interés en los efectos ópticos y las ilusiones, el Op art (abreviatura de arte «óptico») movimiento lanzado con Le Mouvement, una exposición colectiva en la Galerie Denise Rene en 1955. Los artistas activos en este estilo usaron formas, colores y patrones para crear imágenes que parecían estar en movimiento o borrosas, a menudo producidas en blanco y negro para un máximo contraste. Estos patrones abstractos estaban destinados a confundir y excitar el ojo.,

La artista inglesa Bridget Riley es una de las más prominentes practicantes de Op Art. Su obra de arte de 1964 Blaze presenta líneas en zigzag en blanco y negro que crean la ilusión de un decente circular.

Pop Art (1950s–1960s)

El Pop art es uno de los desarrollos artísticos más reconocibles del siglo XX., El movimiento se alejó de los métodos utilizados en el Expresionismo abstracto, y en su lugar utilizó objetos cotidianos y mundanos para crear obras de arte innovadoras que desafiaron el consumismo y los medios de comunicación. Esta introducción a las imágenes identificables fue un cambio de la dirección del modernismo.

artistas Pop como Andy Warhol y Roy Lichtenstein buscaron establecer la idea de que el arte puede extraerse de cualquier fuente y no hay una jerarquía de cultura que lo interrumpa. Quizás la obra de arte más famosa de la cultura pop es la producción de latas de sopa Campbell’s de Warhol.,

Arte Povera (década de 1960)

traduciendo literalmente a «arte pobre», Arte Povera desafió los sistemas modernistas y contemporáneos al infundir materiales comunes en las creaciones. Los artistas utilizaron tierra, rocas, papel, cuerda y otros elementos de tierra para evocar un sentimiento preindustrial. Como resultado, muchas de las obras notables durante este movimiento son escultóricas.

El artista italiano Mario Merz, junto con otros artistas italianos como Giovanni Anselmo y Alighiero Boetti, creó obras anti-elitistas a partir de materiales de la vida cotidiana., Su iglú de Giap de 1968, uno de los que pronto se convertiría en su serie de iglús, se centró en sus ocupaciones con las necesidades de la vida: refugio, calor y comida.

Minimalism (1960s–1970s)

El movimiento minimalista surgió en Nueva York cuando un grupo de artistas más jóvenes comenzó a cuestionar las obras excesivamente expresivas de los artistas expresionistas abstractos. El arte minimalista, en cambio, se centró en el anonimato, llamando la atención sobre la materialidad de las obras., Los artistas instaron a los espectadores a centrarse precisamente en lo que estaba frente a ellos, en lugar de trazar paralelismos con realidades externas y pensamientos emotivos a través del uso de formas purificadas, orden, simplicidad y armonía.

El artista estadounidense Frank Stella fue uno de los primeros en adoptar el minimalismo, produciendo pinturas no representativas, como se ve en sus pinturas negras completadas entre 1958 y 1960. Cada uno presenta un patrón de rayas rectilíneas de ancho uniforme impresas en tinta negra metálica.,

El Arte Conceptual (1960s–1970s)

El Arte Conceptual rechazó completamente los movimientos artísticos anteriores, y los artistas valoraron las ideas por encima de los componentes visuales, creando arte a partir de performances, efímeras y otras formas. La poesía activa de la artista de performance polaca Ewa Partum consistió en dispersar letras del alfabeto individuales a través de varios paisajes. El artista estadounidense Joseph Kosuth exploró la producción y el papel del lenguaje dentro del arte, como se ve en su 1965, One and Three Chairs. En él, representa una silla de tres maneras diferentes para representar diferentes significados del mismo objeto., Debido a que este tipo de arte se centró en ideas y conceptos, no había un estilo o forma distinta.

Arte Contemporáneo (1970-presente)

la década de 1970 marcó el comienzo del arte contemporáneo, que se extiende hasta nuestros días. Este período está dominado por varias escuelas y movimientos más pequeños que surgieron.

• postmodernismo: en reacción contra el modernismo, los artistas crearon obras que reflejaban escepticismo, ironía y críticas filosóficas.
• arte feminista: este movimiento surgió en un intento de transformar los estereotipos y romper el modelo de una historia del arte dominada por los hombres.,
• Neo Expresionismo: los artistas buscaron revivir aspectos originales del expresionismo y crear obras de gran tamaño, expresivas y de alta textura.
• arte callejero: artistas como Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, Barry McGee, Banksy y más crearon arte similar al graffiti en superficies en lugares públicos como aceras, edificios y pasos elevados.
• The Pictures Generation: los artistas Cindy Sherman, Louise Lawler, Gary Simmons y otros que fueron influenciados por el arte Conceptual y Pop experimentaron con imágenes reconocibles para explorar imágenes que moldearon nuestras percepciones del mundo.,
• Arte de apropiación: este movimiento se centró en el uso de imágenes en el arte con poca transformación de su forma original.
• Young British Artists (YBA): este grupo de artistas londinenses eran conocidos por su voluntad de sorprender al público a través de sus imágenes, y su voluntad de ir más allá de los límites de la decencia. También son conocidos por su entusiasmo y espíritu emprendedor.,
• Arte Digital: el advenimiento de la cámara dio paso a esta práctica artística que permitió a los artistas utilizar la infusión de arte y tecnología para crear con medios como computadoras, software de audio y visual, sonido y píxeles.

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Los Movimientos Artísticos a lo largo de la historia del arte occidental han ofrecido una franja de estilos, técnicas y medios diversos e influyentes en todo el mundo. Cada movimiento arroja luz sobre la pintura distintiva, la escultura, los logros arquitectónicos y otras obras definitorias., Comprender la línea de tiempo de la historia del arte y cómo cada período ha influido en los movimientos posteriores es primordial para construir una colección reflexiva y cohesiva.

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