Realismo (artes)
detalle realista o ilusionista del espejo convexo en el retrato Arnolfini de Jan van Eyck, 1434
El realismo es la representación precisa, detallada y precisa en el arte de la apariencia visual de escenas y objetos. El realismo en este sentido también se llama naturalismo, mímesis o ilusionismo. El arte realista fue creado en muchos períodos, y es en gran parte una cuestión de técnica y entrenamiento, y la evitación de la estilización., Se hace especialmente marcado en la pintura europea en la pintura holandesa temprana de Robert Campin, Jan van Eyck y otros artistas en el siglo 15. Sin embargo, tal «realismo» se usa a menudo para representar, por ejemplo, Ángeles con alas, que no eran cosas que los artistas nunca habían visto en la vida real., Del mismo modo, los pintores del movimiento artístico del realismo del siglo XIX como Gustave Courbet no son especialmente conocidos por la representación precisa y cuidadosa de las apariencias visuales; en la época de Courbet eso era más a menudo una característica de la pintura académica, que muy a menudo representaba con gran habilidad y cuidado escenas que eran artificiales y artificiales, o escenas históricas imaginadas. Es la elección y el tratamiento del tema lo que define el realismo como un movimiento en la pintura, en lugar de la cuidadosa atención a las apariencias visuales., Otros términos como naturalismo, naturalista y » verístico «no escapan a la misma ambigüedad, aunque la distinción entre» realista «(generalmente relacionada con la apariencia visual) y» realista «es a menudo útil, al igual que el término» ilusionista » para la representación precisa de las apariencias visuales.
ilusionistic realismEdit
el desarrollo de una representación cada vez más precisa de las apariencias visuales de las cosas tiene una larga historia en el arte. Incluye elementos como la representación precisa de la anatomía de los seres humanos y los animales, de la perspectiva y los efectos de la distancia, y de los efectos detallados de la luz y el color. El arte del Paleolítico Superior en Europa logró representaciones notablemente realistas de animales, y el arte del antiguo Egipto desarrolló convenciones que involucraban tanto la estilización como la idealización que, sin embargo, permitieron que las representaciones muy efectivas se produjeran de manera muy amplia y consistente., El arte griego antiguo es comúnmente reconocido por haber hecho grandes progresos en la representación de la anatomía, y ha seguido siendo un modelo influyente desde entonces. No sobreviven obras originales en paneles o paredes de los grandes pintores griegos, pero de los relatos literarios, y del corpus de obras derivadas que sobreviven (en su mayoría obras Greco-Romanas en mosaico) está claro que el ilusionismo fue muy valorado en la pintura. La famosa historia de Plinio el viejo de pájaros picoteando uvas pintadas por Zeuxis en el siglo V AC bien puede ser una leyenda, pero indica la aspiración de la pintura griega.,
además de la precisión en la forma, la luz y el color, las pinturas romanas muestran un conocimiento no científico pero efectivo de representar objetos distantes más pequeños que los más cercanos, y representar formas geométricas regulares como el techo y las paredes de una habitación con perspectiva. Este progreso en los efectos ilusionistas de ninguna manera significaba un rechazo del idealismo; estatuas de dioses y héroes griegos intentan representar con precisión formas idealizadas y hermosas, aunque otras obras, como las cabezas del famoso y feo Sócrates, se les permitió caer por debajo de estos estándares ideales de belleza., El retrato romano, cuando no está bajo demasiada influencia griega, muestra un mayor compromiso con una representación veraz de sus sujetos, llamada verismo.
el arte de la Antigüedad tardía rechazó el ilusionismo como fuerza expresiva, un cambio ya en marcha cuando el cristianismo comenzó a afectar el arte de la élite., En Occidente, los estándares clásicos del ilusionismo no comenzaron a alcanzarse de nuevo hasta finales de la Edad Media y principios del Renacimiento, y fueron ayudados, primero en los Países Bajos a principios del siglo XV, y alrededor de la década de 1470 en Italia, por el desarrollo de nuevas técnicas de pintura al óleo que permitían pintar efectos de luz muy sutiles y precisos utilizando pinceles muy pequeños y varias capas de pintura y esmalte., Los métodos científicos de representación de la perspectiva se desarrollaron en Italia a principios del siglo XV y se extendieron gradualmente por toda Europa, y la precisión en la anatomía redescubierta bajo la influencia del arte clásico. Como en los tiempos clásicos, el idealismo seguía siendo la norma.,
la representación exacta del paisaje en la pintura también se había desarrollado en la pintura de principios del Renacimiento Holandés/del Norte temprano y del Renacimiento italiano, y luego se llevó a un nivel muy alto en la pintura holandesa de la edad de oro del siglo XVII, con técnicas muy sutiles para representar una gama de condiciones climáticas y grados de luz natural., Después de ser otro desarrollo de la pintura holandesa temprana, en 1600 el retrato Europeo podía dar una muy buena semejanza tanto en pintura como en escultura, aunque los temas a menudo se idealizaban al suavizar los rasgos o darles una pose artificial., Las pinturas de bodegones, y los elementos de bodegones en otras obras, jugaron un papel considerable en el desarrollo de la pintura ilusionista, aunque en la tradición holandesa de pintura de flores durante mucho tiempo carecían de «realismo», ya que las flores de todas las estaciones se usaban típicamente, ya sea por el hábito de ensamblar composiciones a partir de dibujos individuales, o como una convención deliberada; las grandes exhibiciones de Ramos en jarrones, aunque cercanas a las exhibiciones modernas de flores cortadas que han influenciado, eran completamente atípicas de los hábitos del siglo XVII, donde las flores se mostraban una a la vez., Curiosamente, habiendo liderado el desarrollo de la pintura ilusoria, la naturaleza muerta iba a ser igualmente significativa en su abandono en el cubismo.
realismo o naturalismo como representación de sujetos ordinarios y cotidianosedit
la representación de sujetos ordinarios y cotidianos en el arte también tiene un larga historia, aunque a menudo se comprimió en los bordes de las composiciones, o se muestra en una escala más pequeña. , Esto se debió en parte a que el arte era caro, y por lo general se encargaba por razones religiosas, políticas o personales específicas, que solo permitían dedicar una cantidad relativamente pequeña de espacio o esfuerzo a tales escenas. Las obras graciosas en los márgenes de los manuscritos iluminados medievales a veces contienen pequeñas escenas de la vida cotidiana, y el desarrollo de la perspectiva creó grandes áreas de fondo en muchas escenas ambientadas al aire libre que podrían hacerse más interesantes al incluir pequeñas figuras que recorren sus vidas cotidianas., El arte Medieval y del Renacimiento temprano por convención generalmente mostraba figuras no sagradas con vestimenta contemporánea, por lo que no se necesitaba ningún ajuste para esto, incluso en escenas religiosas o históricas ambientadas en la antigüedad.,
La pintura de los primeros Países Bajos llevó la pintura de retratos tan abajo en la escala social como los prósperos comerciantes de Flandes, y en algunos de ellos, notablemente el retrato de Arnolfini de Jan van Eyck (1434), y más a menudo en escenas religiosas como el retablo de Merode, de Robert Campin y su taller (circa 1427), incluyen representaciones muy detalladas de interiores de clase media llenos de objetos amorosamente representados. Sin embargo, estos objetos están al menos en gran parte allí porque llevan capas de significado complejo y simbolismo que socavan cualquier compromiso con el realismo por su propio bien., Los ciclos de los trabajos de los meses en el arte medieval tardío, de los cuales muchos ejemplos sobreviven a partir de libros de horas, se concentran en los campesinos que trabajan en diferentes tareas a través de las estaciones, a menudo en un rico fondo paisajístico, y fueron significativos tanto en el desarrollo del arte paisajístico como en la representación de la gente trabajadora cotidiana.,
Annibale Carracci, la carnicería, a principios de la década de 1580
en el siglo XVI hubo una moda para la representación en grandes pinturas de escenas de personas trabajando, especialmente en mercados de alimentos y cocinas: en muchos la comida se le da tanta importancia como los trabajadores., Entre los artistas se encontraban Pieter Aertsen y su sobrino Joachim Beuckelaer en los Países Bajos, trabajando en un estilo esencialmente manierista, y en Italia el joven Annibale Carracci en la década de 1580, usando un estilo muy sencillo y sin pulir, con Bartolomeo Passerotti en algún lugar entre los dos. Pieter Bruegel el viejo fue pionero en grandes escenas panorámicas de la vida campesina., Tales escenas actuaron como un preludio para la popularidad de las escenas de trabajo en la pintura de género en el siglo XVII, que apareció en toda Europa, con la pintura holandesa del Siglo de oro brotando varios subgéneros diferentes de tales escenas, los Bamboccianti (aunque en su mayoría de los Países Bajos) en Italia, y en España el género de bodegones, y la introducción de campesinos no idealizados en las pinturas de historia de Jusepe de Ribera y Velázquez. Los hermanos Le Nain en Francia y muchos artistas flamencos como Adriaen Brouwer y David Teniers el viejo y el joven pintaron campesinos, pero raramente gente de la ciudad., En el siglo XVIII, las pequeñas pinturas de trabajadores seguían siendo populares, sobre todo inspirándose en la tradición holandesa, y especialmente con mujeres.
mucho arte que representa a la gente común, especialmente en forma de grabados, era cómico y moralista, pero la mera pobreza de los sujetos parece relativamente rara vez haber sido parte del mensaje moral. A partir de mediados del siglo XIX esto cambió, y se enfatizaron las dificultades de la vida para los pobres., A pesar de que esta tendencia coincidía con la migración a gran escala del campo a las ciudades en la mayor parte de Europa, los pintores todavía tendían a pintar a la gente rural pobre, dejando a ilustradores como Gustave Doré para mostrar los horrores de los barrios marginales de la ciudad. Las concurridas escenas callejeras de la ciudad fueron populares entre los impresionistas y pintores relacionados, especialmente los que muestran París.,
a menudo se pidió a los iluminadores manuscritos medievales que ilustraran la tecnología, pero después del Renacimiento tales imágenes continuaron en la ilustración de libros y grabados, pero con la excepción de la pintura marina, desaparecieron en gran medida en las bellas artes hasta la Revolución Industrial temprana, escenas de las cuales fueron pintadas por algunos pintores como Joseph Wright de Derby y Philip James de Loutherbourg., Tales temas probablemente no se vendieron muy bien, y hay una notable ausencia de industria, aparte de unas pocas escenas ferroviarias, en la pintura hasta finales del siglo XIX, cuando las obras comenzaron a ser encargadas, típicamente por industriales o para instituciones en ciudades industriales, a menudo a gran escala, y a veces se les dio un tratamiento cuasi heroico.
El Realismo americano, un movimiento de principios del siglo XX, es uno de los muchos movimientos modernos que utilizan el realismo en este sentido.
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Diego Velázquez, The Farmers » Lunch, C., 1620
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Adriaen Brouwer, en el Interior de una Taberna, c. 1630
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Quiringh van Brekelenkam, en el Interior de un Sastre»s de la Tienda, 1653
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Giacomo Ceruti, las Mujeres que Trabajan en la Almohada de Encaje, 1720
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Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Mujer de la Limpieza de los Nabos, c. 1738, Alte Pinakothek.,
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Jean-Baptiste Greuze, La Lavandera, 1761
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Sir Luke Fildes, El Viudo, 1876
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William Bell Scott de Hierro y Carbón, 1855-1860
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Juan Manuel Blanes, la Fiebre Amarilla Episodio., 1871
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Albert Edelfelt, Los Jardines de Luxemburgo. 1887
Realist movementEdit
El movimiento realista comenzó a mediados del siglo XIX como una reacción al romanticismo y la pintura de Historia. En favor de las representaciones de la vida «real», los pintores realistas utilizaron trabajadores comunes y personas comunes en un entorno ordinario dedicadas a actividades reales como temas para sus obras., Sus principales exponentes fueron Gustave Courbet, Jean-François Millet, Honoré Daumier y Jean-Baptiste-Camille Corot. Según Ross Finocchio, ex miembro del Departamento de pinturas europeas del Museo Metropolitano de arte, los realistas utilizaron detalles sin pretextos que representaban la existencia de la vida contemporánea ordinaria, coincidiendo con la literatura naturalista contemporánea de Émile Zola, Honoré de Balzac y Gustave Flaubert., Les Joueurs d»échecs (los jugadores de ajedrez), 1863
Jean-Baptiste-Camille Corot, young Girl Reading, 1868
Jules Bastien-Lepage, October, 1878, National Gallery of Victoria
Aleksander Gierymski fiesta de las trompetas, 1884
el movimiento realista francés tuvo equivalentes en todos los demás países occidentales, desarrollándose algo más tarde., En particular, el Peredvizhniki o grupo de errantes en Rusia que se formó en la década de 1860 y organizó exposiciones a partir de 1871 incluyó a muchos realistas como Ilya Repin, Vasily Perov e Ivan Shishkin, y tuvo una gran influencia en el arte ruso. En Gran Bretaña, artistas como Hubert von Herkomer y Luke Fildes tuvieron un gran éxito con pinturas realistas que trataban temas sociales., Repin, procesión religiosa en la Provincia de Kursk, 1880-1883
Hubert von Herkomer, tiempos difíciles 1885
realismo o Naturalismo como resistencia a la Idealizacióneditar
Francisco Goya, Carlos IV de España y su familia, 1800-01
El realismo o Naturalismo como estilo que significa la representación honesta y unidealizadora del sujeto, puede ser utilizado en la representación de cualquier tipo de sujeto, sin ningún compromiso para tratar lo típico o cotidiano., A pesar del idealismo general del arte clásico, esto también tenía precedentes clásicos, que fueron útiles para defender tales tratamientos en el Renacimiento y el Barroco. Demetrio de alopece fue un escultor del siglo IV A. C. cuyo trabajo (todo ahora perdido) se dice que prefiere el realismo sobre la belleza ideal, y durante la Antigua República Romana incluso los políticos prefirieron una representación veraz en los retratos, aunque los primeros emperadores favorecieron el idealismo Griego. Los retratos de Goya de la familia real española representan una especie de pico en el retrato honesto y francamente poco halagador de personas importantes.,
Eilif Peterssen, The Salmon Fisher, 1889
una tendencia recurrente en el arte cristiano fue el» realismo » que enfatizaba la humanidad de las figuras religiosas, sobre todo Cristo y sus sufrimientos físicos en su pasión., Siguiendo las tendencias de la literatura devocional, esto se desarrolló en la Baja Edad Media, donde algunas esculturas de madera pintadas en particular se desviaron hacia lo grotesco al retratar a Cristo cubierto de heridas y sangre, con la intención de estimular al espectador a meditar sobre el sufrimiento que Cristo había sufrido en su nombre. Estos se encontraron especialmente en Alemania y Europa Central. Después de disminuir en el Renacimiento, obras similares reaparecieron en el Barroco, especialmente en la escultura española.,
Los teóricos del Renacimiento abrieron un debate, que duraría varios siglos, sobre el equilibrio correcto entre dibujar arte a partir de la observación de la naturaleza y de formas idealizadas, típicamente las que se encuentran en los modelos clásicos, o el trabajo de otros artistas en general. Todos admitieron la importancia de lo natural, pero muchos creían que debería idealizarse en varios grados para incluir solo lo bello. Leonardo Da Vinci fue uno de los que defendió el estudio puro de la naturaleza, y deseaba representar toda la gama de variedades individuales de formas en la figura humana y otras cosas., Leon Battista Alberti fue uno de los primeros idealizadores, haciendo hincapié en lo típico, con otros como Miguel Ángel apoyando la selección de las más bellas – se negó a hacer retratos por esa razón.
Henri Biva, C. 1905-06, Matin à Villeneuve (desde el borde de las aguas), óleo sobre lienzo, 151,1 x 125,1 cm.,
en el siglo XVII el debate continuó, en Italia por lo general centrado en el contraste entre el relativo «idealismo clásico» de los Carracci y el estilo «naturalista» de los Caravaggisti, o seguidores de Caravaggio, que pintaban escenas religiosas como si estuvieran ambientadas en las calles secundarias de las ciudades italianas contemporáneas, y usaban «naturalista» como autodescripción. Bellori, escribiendo algunas décadas después de la temprana muerte de Caravaggio, y ningún partidario de su estilo, se refiere a «aquellos que se glorían en el nombre de los naturalistas» (naturalisti).,
en el siglo XIX, el «naturalismo» o la «escuela naturalista» se erigió artificialmente como un término que representaba un submovimiento separatista del realismo, que intentó (no con total éxito) distinguirse de su padre por evitar la política y los problemas sociales, y le gustaba proclamar una base cuasi-científica, jugando con el sentido de «naturalista» como estudiante de Historia Natural, como las ciencias biológicas eran entonces generalmente conocidas., El creador del término fue el crítico de arte francés Jules-Antoine Castagnary, quien en 1863 anunció que: «la escuela naturalista declara que el arte es la expresión de la vida en todas las fases y en todos los niveles, y que su único objetivo es reproducir la naturaleza llevándola a su máxima potencia e intensidad: es la verdad equilibrada con la ciencia». Émile Zola adoptó el término con un énfasis científico similar para sus objetivos en la novela., Gran parte de la pintura naturalista cubría una gama similar de temas como el Impresionismo, pero usando estilos de pincelada más apretados y tradicionales, y en paisajes a menudo con un clima más sombrío.
el término «continuó siendo utilizado indiscriminadamente para varios tipos de realismo» durante varias décadas, a menudo como un término general para el arte que estaba fuera del impresionismo y los movimientos posteriores del modernismo y tampoco era arte Académico., Los períodos posteriores de la Escuela Francesa de Barbizon y la Escuela de pintura de Düsseldorf, con sus estudiantes de muchos países, y en el regionalismo americano del siglo XX son movimientos que a menudo también se describen como «naturalistas», aunque el término rara vez se usa en la pintura británica. Algunos historiadores del arte recientes han profundizado la confusión al reclamar a Courbet o a los impresionistas para la etiqueta.,5″>
Late Gothic Pietà from Lubiąż in Lower Silesia, Poland, now in National Museum in Warsaw.
Jean-François Raffaëlli, Afueras de París, 1880
William Felicidad Baker, American pintor Naturalista, caída de las Monarquías, 1886
Pekka Halonen, finlandés Naturalista, Pioneros en Karelia, 1900