Chronologie de l’histoire de l’Art: les mouvements artistiques occidentaux et leur Impact

Les fondements de l’histoire de l’art remontent à des dizaines de milliers d’années lorsque les civilisations anciennes utilisaient les techniques et les médias disponibles pour représenter des sujets culturellement importants. Depuis ces premiers exemples, une pléthore de mouvements artistiques ont suivi, chacun portant ses propres styles et caractéristiques distincts qui reflètent les influences politiques et sociales de la période à partir de laquelle ils ont émergé.,

des genres artistiques influents de la Renaissance à la montée du modernisme ont sans aucun doute marqué l’histoire. Avec de nombreux artistes d’aujourd’hui comme Banksy, Kerry James Marshall, Mickalene Thomas et Kehinde Wiley infusant constamment des références historiques de l’art dans des œuvres contemporaines, comprendre le contexte historique et la signification de chaque période et de chaque mouvement est essentiel pour les collectionneurs et les amateurs d’art., Vous trouverez ci-dessous une chronologie complète des mouvements artistiques qui explore les caractéristiques, les principaux contributeurs et les influences importantes de chaque période importante de l’histoire de l’art occidental.

art préhistorique (~40,000–4,000 B.,C.)

Les origines de l’histoire de l’art remontent à L’époque préhistorique, avant que des documents écrits ne soient conservés. Les premiers artefacts proviennent de l’ère paléolithique, ou du vieil âge de pierre, sous la forme de gravures rupestres, de gravures, d’images picturales, de sculptures et d’arrangements de Pierre.

l’Art de cette période reposait sur l’utilisation de pigments naturels et de sculptures en pierre pour créer des représentations d’objets, d’animaux et de rituels qui gouvernaient l’existence d’une civilisation. L’un des exemples les plus célèbres est celui des peintures rupestres paléolithiques trouvées dans les grottes complexes de Lascaux en France., Bien que découverts en 1940, ils sont estimés à 20 000 ans et représentent de grands animaux et de la végétation de la région.

Art Ancien (4 000 av. j.–c.-400 av. j.-c.)

L’art ancien a été produit par des civilisations avancées, qui dans ce cas se réfère à celles avec une langue écrite établie. Ces civilisations comprenaient la Mésopotamie, L’Égypte, la Grèce et celles des Amériques.,

le médium d’une œuvre d’art de cette période varie en fonction de la civilisation qui l’a produite, mais la plupart des œuvres d’art ont des objectifs similaires: raconter des histoires, décorer des objets utilitaires comme des bols et des armes, Afficher des images religieuses et symboliques et démontrer un statut social. De nombreuses œuvres représentent des histoires de dirigeants, de dieux et de déesses.

l’Une des œuvres les plus célèbres de l’ancienne Mésopotamie est le Code d’Hammurabi. Créé vers 1792 avant J.-C.,, la pièce porte un ensemble babylonien de lois sculptées dans la pierre, orné d’une image du Roi Hammurabi—le sixième roi de Babylonie—et du dieu mésopotamien, Shabash.

l’Art Médiéval (500-1400)

le Moyen Âge, souvent appelé « L’âge des ténèbres”, a marqué une période de détérioration économique et culturelle après la chute de L’Empire romain en 476 après J.-C., Une grande partie des œuvres produites dans les premières années de la période reflète cette obscurité, caractérisée par des images grotesques et des paysages brutaux. L’Art produit à cette époque était centré autour de l’Église. Au cours du premier millénaire, des Églises plus sophistiquées et richement décorées ont émergé; les fenêtres et les silhouettes ont été ornées de sujets bibliques et de scènes de la Mythologie classique.

cette période est également responsable de l’émergence du manuscrit enluminé et du style D’architecture gothique., Parmi les exemples définitifs de l’art influent de cette période, citons les catacombes à Rome, Sainte-Sophie à Istanbul, Les Évangiles de Lindisfarne, l’un des exemples les plus connus du manuscrit enluminé, et Notre-Dame, une cathédrale parisienne et un exemple éminent d’architecture gothique.

l’Art de la Renaissance (1400-1600)

ce style de peinture, de sculpture et d’art décoratif était caractérisé par un accent mis sur la nature et l’individualisme, la pensée de l’homme comme indépendant et autonome. Bien que ces idéaux aient été présents à la fin de la période médiévale, ils ont prospéré aux 15e et 16e siècles, parallèlement aux changements sociaux et économiques comme la sécularisation.

La Renaissance a atteint son apogée à Florence, en Italie, en grande partie grâce aux Médicis, une riche famille de marchands qui soutenait fermement les arts et l’humanisme, une variété de croyances et de philosophies qui mettent l’accent sur le domaine humain., Le designer italien Filippo Brunelleschi et le sculpteur Donatello ont été des innovateurs clés pendant cette période.

La Haute Renaissance, qui a duré de 1490 à 1527, a produit des artistes influents tels que Da Vinci, Michel-Ange et Raphaël, chacun d’entre eux apportant un pouvoir créatif et des idéaux d’expression émotionnelle. Les œuvres d’art tout au long de la Renaissance se caractérisent par le réalisme, l’attention aux détails et l’étude précise de l’anatomie humaine. Les artistes ont utilisé la perspective linéaire et créé de la profondeur grâce à un éclairage et un ombrage intenses., L’Art a commencé à changer stylistiquement peu de temps après la Haute Renaissance, lorsque les affrontements entre la foi chrétienne et l’humanisme ont cédé la place au maniérisme.

Maniérisme (1527-1580)

Les Artistes maniéristes ont émergé des idéaux de Michel-Ange, Raphaël et d’autres artistes de la Renaissance tardive, mais leur accent sur le style et la technique l’emportait sur le sens du sujet., Souvent, les personnages avaient des membres gracieux et allongés, de petites têtes, des traits stylisés Et des détails exagérés. Cela a donné des compositions plus complexes et stylisées plutôt que de s’appuyer sur les idéaux classiques de composition harmonieuse et de perspective linéaire utilisés par leurs prédécesseurs de la Renaissance.

parmi les artistes maniéristes les plus célèbres figurent Giorgio Vasari, Francesco Salviati, Domenico Beccafumi et Bronzino, qui est largement considéré comme le peintre maniériste le plus important de Florence à son époque.,

Baroque (1600-1750)

la période Baroque qui a suivi le maniérisme a donné des arts visuels et de l’architecture ornés et exagérés. Il était caractérisé par la grandeur et la richesse, ponctuée par un intérêt pour l’élargissement de l’intellect humain et la découverte mondiale. Les artistes baroques étaient stylistiquement complexes.,

Les peintures baroques étaient caractérisées par le drame, comme on le voit dans les œuvres emblématiques du peintre italien Caravaggio et du peintre néerlandais Rembrandt. Les peintres utilisaient un contraste intense entre la lumière et l’obscurité et avaient des compositions énergiques assorties de riches palettes de couleurs.

Rococo (1699-1780)

le Rococo est né à Paris, englobant l’art décoratif, la peinture, l’architecture et la sculpture., L’esthétique offert un style plus doux de l’art décoratif par rapport à l’exubérance Baroque. Rococo se caractérise par la légèreté et l’élégance, en se concentrant sur l’utilisation de formes naturelles, de design asymétrique et de couleurs subtiles.

des peintres comme Antoine Watteau et François Boucher ont utilisé des traitements légers, des pinceaux riches et des couleurs fraîches. Le style Rococo se traduit également facilement en argent, en porcelaine et en mobilier français. De nombreuses chaises et armoires présentaient des formes courbes, des motifs floraux et une utilisation expressive de la dorure.,

le Néoclassicisme (1750-1850)

comme son nom l’indique, la période néoclassique a puisé dans des éléments de l’Antiquité classique. Les ruines archéologiques d’anciennes civilisations à Athènes et à Naples qui ont été découvertes à l’époque ont ravivé une passion pour tout ce qui est passé, et les artistes se sont efforcés de recréer les grandes œuvres d’art ancien. Cela se traduit par un regain d’intérêt pour les idéaux classiques d’harmonie, de simplicité et de proportion.,

Les artistes néoclassiques ont été influencés par des éléments classiques; en particulier, un accent sur l’idéalisme. Inévitablement, ils ont également inclus des représentations modernes et historiquement pertinentes dans leurs œuvres. Par exemple, le sculpteur italien Antonio Canova s’est inspiré d’éléments classiques dans ses sculptures en marbre, mais a évité l’artificialité froide qui était représentée dans beaucoup de ces premières créations.

le Romantisme (1780-1850)

Le Romantisme incarne un large éventail de disciplines, de la peinture à la musique en passant par la littérature. Les idéaux présents dans chacune de ces formes d’art rejettent l’ordre, l’harmonie et la rationalité, qui ont été embrassés dans l’art classique et le néoclassicisme. Au lieu de cela, les artistes romantiques ont mis l’accent sur l’individu et l’imagination. Un autre idéal romantique déterminant était l’appréciation de la nature, beaucoup se tournant vers la peinture en plein air, qui a fait sortir les artistes des intérieurs sombres et leur a permis de peindre à l’extérieur. Les artistes ont également mis l’accent sur la passion, l’émotion et la sensation plutôt que sur l’intellect et la raison.,

parmi les peintres romantiques éminents, on peut citer Henry Fuseli, qui a créé des peintures étranges et macabres qui exploraient les recoins sombres de la psychologie humaine, et William Blake, dont les poèmes et les images mystérieux véhiculaient des visions mystiques et sa déception face aux contraintes sociétales.

Réalisme (1848-1900)

Sans doute le premier mouvement d’art moderne, le réalisme, a commencé en France dans les années 1840., Le réalisme est le résultat de multiples événements: le mouvement anti-Romantique EN ALLEMAGNE, l’essor du journalisme et l’avènement de la photographie. Chacun a suscité un nouvel intérêt pour capturer avec précision la vie quotidienne. Cette attention à la précision est évidente dans l’art produit pendant le mouvement, qui présentait des représentations détaillées et réalistes du sujet.

L’un des leaders les plus influents du mouvement réaliste est Gustave Courbet, un artiste français engagé à ne peindre que ce qu’il pouvait voir physiquement.,

l’Art Nouveau (1890-1910)

L’Art Nouveau, qui se traduit par « Art nouveau”, a tenté de créer un mouvement entièrement authentique exempt de toute imitation des styles qui l’ont précédé. Ce mouvement a fortement influencé les arts appliqués, le graphisme et l’illustration. Il s’est concentré sur le monde naturel, caractérisé par de longues lignes sinueuses et des courbes.,

des artistes influents de L’Art Nouveau ont travaillé dans une variété de médias, y compris l’architecture, le graphisme et le design d’intérieur, la fabrication de bijoux et la peinture. Le graphiste tchécoslovaque Alphonse Mucha est surtout connu pour ses affiches théâtrales de L’actrice française Sarah Bernhardt. L’architecte et sculpteur espagnol Antoni Gaudi est allé au-delà des lignes pour créer des constructions courbes et aux couleurs vives comme celle de la basilique de la Sagrada Familia à Barcelone.

l’Impressionnisme (1865-1885)

peintres Impressionnistes cherché à capturer l’impression immédiate d’un moment particulier. Cela se caractérisait par des coups de pinceau courts et rapides et une sensation inachevée de croquis. Les artistes impressionnistes ont utilisé la vie moderne comme sujet, peignant des situations comme des salles de danse et des régates de voiliers plutôt que des événements historiques et mythologiques.

Claude Monet, artiste français à l’origine de l’idée d’exprimer ses perceptions devant la nature, est pratiquement synonyme du mouvement impressionniste., Ses œuvres notables incluent The Water Lily Pond (1899), Woman with a Parasol (1875) et Impression, Sunrise (1872), d’où le nom du mouvement lui-même est dérivé.

le Post-Impressionnisme (1885-1910)

Les peintres postimpressionnistes travaillaient indépendamment plutôt qu’en groupe, mais chaque peintre postimpressionniste influent avait des idéaux similaires., Ils se sont concentrés sur des visions subjectives et des significations symboliques et personnelles plutôt que sur des observations du monde extérieur. Cela a souvent été réalisé à travers des formes abstraites.

parmi les peintres postimpressionnistes, on peut citer Georges Seurat, connu pour sa technique du pointillisme qui utilise de petits points distincts pour former une image. Vincent van Gogh est également considéré comme un peintre Post-impressionniste, recherchant une expression personnelle à travers son art, souvent à travers des coups de pinceau accidentés et des tons sombres.,

le Fauvisme (1900-1935)

dirigé par Henri Matisse, Le Fauvisme s’appuie sur des exemples de Vincent van Gogh et George Seurat. En tant que premier mouvement avant-gardiste du 20e siècle, ce style se caractérise par une utilisation expressive de couleurs intenses, de lignes et de pinceaux, un sens audacieux du design de surface et une composition plate.,

comme On le voit dans de nombreuses œuvres de Matisse lui-même, la séparation de la couleur de son objectif descriptif et figuratif a été l’un des éléments fondamentaux qui ont façonné ce mouvement. Le fauvisme était un précurseur important du cubisme et de l’Expressionnisme.

l’Expressionnisme (1905-1920)

L’Expressionnisme est apparu comme une réponse à des visions du monde de plus en plus conflictuelles et à la perte de spiritualité., L’art expressionniste a cherché à puiser de l’intérieur de l’artiste, en utilisant une distorsion de la forme et des couleurs fortes pour afficher des angoisses et des émotions brutes. Les peintres expressionnistes, en quête d’authenticité, cherchent l’inspiration au-delà de celle de l’Art occidental et fréquentent les musées ethnographiques pour revisiter les traditions folkloriques autochtones et l’art tribal.

Les racines de L’Expressionnisme peuvent être tracées à Vincent van Gogh, Edvard Munch, et James Ensor. Des groupes importants, dont Die Brücke (le pont) et Der Blaue Reiter (Le Cavalier Bleu), se sont formés pour que les artistes puissent publier des œuvres et exprimer leurs idéaux collectivement.,

le Cubisme (1907-1914)

le cubisme a été créé par Pablo Picasso et Georges Braque, qui ont rejeté le concept selon lequel l’art devrait copier la nature. Ils se sont éloignés des techniques et des perspectives traditionnelles; au lieu de cela, ils ont créé des objets radicalement fragmentés par l’abstraction. De nombreuses œuvres de peintres cubistes sont marquées par des surfaces planes et bidimensionnelles, des formes géométriques ou des « cubes” d’objets, et de multiples points de vue., Souvent, leurs sujets n’étaient même pas discernables.

le Surréalisme (1916-1950)

Le surréalisme a émergé du Mouvement Artistique Dada en 1916, mettant en valeur des œuvres d’art qui défiaient la raison. Les surréalistes ont dénoncé l’état d’esprit rationaliste. Ils ont blâmé ce processus de pensée sur des événements comme la Première Guerre mondiale et ont cru qu’il réprimait les pensées imaginatives., Les surréalistes ont été influencés par Karl Marx et les théories développées par Sigmund Freud, qui ont exploré la psychanalyse et le pouvoir de l’imagination.

des artistes surréalistes influents comme Salvador Dalí ont puisé dans l’inconscient pour représenter des révélations trouvées dans la rue et dans la vie quotidienne. Les peintures de Dalí en particulier associent des rêves vifs et bizarres à une précision historique.

Expressionnisme abstrait (années 1940-1950)

façonné par l’héritage du surréalisme, L’Expressionnisme abstrait a émergé à New York après la Seconde Guerre mondiale. On l’appelle souvent L’école de New York ou l’action painting., Ces peintres et sculpteurs abstraits se sont détachés de ce qui était considéré comme conventionnel et ont plutôt utilisé la spontanéité et l’improvisation pour créer des œuvres d’art abstraites. Cela comprenait des œuvres colossales dont la taille ne pouvait plus être adaptée par un chevalet. Au lieu de cela, les toiles seraient placées directement sur le sol.

parmi les peintres expressionnistes abstraits célèbres figurent Jackson Pollock, connu pour son style unique de peinture au goutte à goutte, et Mark Rothko, dont les peintures utilisaient de grands blocs de couleur pour transmettre un sentiment de spiritualité.,

Op Art (années 1950-1960)

renforcé par les progrès de la science et de la technologie ainsi que par un intérêt pour les effets optiques et les illusions, le mouvement Op art (abréviation de « optical” art) a lancé avec Le Mouvement, une exposition collective à la Galerie Denise René en 1955. Les artistes actifs dans ce style ont utilisé des formes, des couleurs et des motifs pour créer des images qui semblaient bouger ou flouter, souvent produites en noir et blanc pour un contraste maximal. Ces modèles abstraits étaient destinés à la fois à confondre et à exciter l’œil.,

L’artiste anglaise Bridget Riley est l’une des plus éminentes praticiennes de L’Op art. Son œuvre Blaze de 1964 présente des lignes en zigzag noir et blanc qui créent l’illusion d’une décente circulaire.

le Pop Art (années 1950–années 1960)

Le Pop art est l’un des développements artistiques les plus reconnaissables du 20ème siècle., Le mouvement s’est éloigné des méthodes utilisées dans L’Expressionnisme abstrait et a plutôt utilisé des objets quotidiens et banals pour créer des œuvres d’art innovantes qui défiaient le consumérisme et les médias de masse. Cette introduction à l’imagerie identifiable était un changement de la direction du modernisme.

des artistes Pop comme Andy Warhol et Roy Lichtenstein ont cherché à établir l’idée que l’art peut puiser dans n’importe quelle source et qu’il n’y a pas de hiérarchie de la culture pour perturber cela. L’œuvre d’art la plus célèbre de la culture pop est peut-être la production de boîtes de soupe Campbell de Warhol.,

Arte Povera (années 1960)

traduisant littéralement en « art pauvre”, L’Arte Povera a défié les systèmes modernistes et contemporains en infusant des matériaux banals dans les créations. Les artistes ont utilisé de la terre, des roches, du papier, de la corde et d’autres éléments de terre pour évoquer un sentiment préindustriel. En conséquence, de nombreuses œuvres remarquables de ce mouvement sont sculpturales.

L’artiste italien Mario Merz, en collaboration avec D’autres artistes italiens tels que Giovanni Anselmo et Alighiero Boetti, a créé des œuvres anti-élitistes en s’appuyant sur des matériaux de la vie quotidienne., Son Igloo Giap de 1968, l’un de ce qui deviendra bientôt sa série d’igloos signature, se concentre sur ses occupations avec les nécessités de la vie: abri, chaleur et nourriture.

Minimalisme (années 1960-1970)

le mouvement minimaliste a émergé à New York lorsqu’un groupe de jeunes artistes a commencé à remettre en question les œuvres trop expressives des artistes expressionnistes abstraits. L’art minimaliste s’est plutôt concentré sur l’anonymat, attirant l’attention sur la matérialité des œuvres., Les artistes ont exhorté les spectateurs à se concentrer précisément sur ce qui était devant eux, plutôt que de faire des parallèles avec des réalités extérieures et des pensées émotives à travers l’utilisation de formes purifiées, d’ordre, de simplicité et d’harmonie.

L’artiste américain Frank Stella a été l’un des premiers à adopter le Minimalisme, produisant des peintures non représentatives, comme en témoignent ses peintures noires achevées entre 1958 et 1960. Chacune présente un motif de bandes rectilignes de largeur uniforme imprimées à l’encre noire métallique.,

L’Art conceptuel (années 1960-1970)

l’art conceptuel rejetait complètement les mouvements artistiques précédents, et les artistes priorisaient les idées sur les composants visuels, créant de l’art sous la forme de performances, d’éphémères et d’autres formes. La poésie Active de L’artiste de performance polonaise Ewa Partum consistait à disperser des lettres de l’alphabet unique dans divers paysages. L’artiste américain Joseph Kosuth a exploré la production et le rôle du langage dans l’art, comme on le voit dans ses 1965, One and Three Chairs. Dans celui-ci, il représente une chaise de trois manières différentes pour représenter différentes significations du même objet., Parce que ce type d’art se concentrait sur les idées et les concepts, il n’y avait pas de style ou de forme distincte.

Art Contemporain (1970–aujourd’hui)

Les années 1970 marquent le début de l’art contemporain, qui se prolonge jusqu’à nos jours. Cette période est dominée par diverses écoles et de plus petits mouvements qui ont émergé.

• postmodernisme: en réaction contre le modernisme, les artistes ont créé des œuvres qui reflétaient le scepticisme, l’ironie et les critiques philosophiques.
• art féministe: ce mouvement est né dans une tentative de transformer les stéréotypes et de briser le modèle d’une histoire de l’art dominée par les hommes.,
• néo-expressionnisme: les artistes ont cherché à faire revivre des aspects originaux de L’Expressionnisme et à créer des œuvres de grande taille, expressives et hautement texturales.
• Street art: des artistes tels que Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, Barry McGee, Banksy et d’autres ont créé des graffitis sur des surfaces dans des lieux publics comme les trottoirs, les bâtiments et les viaducs.
• The Pictures Generation: les artistes Cindy Sherman, Louise Lawler, Gary Simmons et d’autres qui ont été influencés par le conceptuel et le Pop art ont expérimenté avec des images reconnaissables pour explorer les images façonnant nos perceptions du monde.,
• Appropriation art: ce mouvement s’est concentré sur l’utilisation des images dans l’art avec peu de transformation de leur forme originale.
• Young British Artists( YBA): ce groupe D’artistes Londoniens était connu pour sa volonté de choquer le public par son imagerie et sa volonté de dépasser les limites de la décence. Ils sont également connus pour leur plein d’entrain, l’esprit d’entreprise.,
• L’art numérique: l’avènement de la caméra a ouvert la voie à cette pratique artistique qui a permis aux artistes d’utiliser l’infusion de l’art et de la technologie pour créer avec des supports tels que les ordinateurs, les Logiciels audio et visuels, le son et les pixels.

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les mouvements artistiques tout au long de l’histoire de l’art occidental ont offert un éventail de styles, de techniques et de médias divers et influents à travers le monde. Chaque mouvement met en lumière la peinture distinctive, la sculpture, les réalisations architecturales et d’autres œuvres déterminantes., Comprendre la chronologie de l’histoire de l’art et comment chaque période a influencé les mouvements ultérieurs est primordial pour construire une collection réfléchie et cohérente.

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