Réalisme (arts) (Français)

Le réalisme est la représentation précise, détaillée et précise dans l’art de l’apparence visuelle des scènes et des objets. Le réalisme dans ce sens est aussi appelé naturalisme, mimesis ou illusionnisme. L’art réaliste a été créé dans de nombreuses périodes, et c’est en grande partie une question de technique et de formation, et l’évitement de la stylisation., Il devient particulièrement marqué dans la peinture européenne au début de la peinture néerlandaise de Robert Campin, Jan van Eyck et d’autres artistes au 15ème siècle. Cependant, un tel « réalisme » est souvent utilisé pour représenter, par exemple, des anges avec des ailes, qui n’étaient pas des choses que les artistes avaient jamais vues dans la vie réelle., De même, les peintres du mouvement de l »art du réalisme du 19ème siècle tels que Gustave Courbet ne sont en aucun cas particulièrement connus pour la représentation précise et soignée des apparences visuelles; à l » époque de Courbet qui était plus souvent une caractéristique de la peinture académique, qui représentait très souvent avec une grande habileté et des scènes de soin C’est le choix et le traitement du sujet qui définit le réalisme comme un mouvement dans la peinture, plutôt que l’attention attentive aux apparences visuelles., D’autres termes tels que naturalisme, naturaliste et « vériste » n’échappent pas à la même ambiguïté, bien que la distinction entre « réaliste » (généralement liée à l’apparence visuelle) et « réaliste » soit souvent utile, tout comme le terme « illusionniste » pour le rendu précis des apparences visuelles.

réalisme Illusionnelmodifier

le développement d’une représentation de plus en plus précise des apparences visuelles des choses a une longue histoire dans l’art. Il comprend des éléments tels que la représentation précise de l’anatomie des humains et des animaux, de la perspective et des effets de distance, et des effets détaillés de la lumière et de la couleur. L’Art du Paléolithique supérieur en Europe a réalisé des représentations remarquablement réalistes d’animaux, et l’art égyptien ancien a développé des conventions impliquant à la fois la stylisation et l’idéalisation qui ont néanmoins permis de produire des représentations très efficaces très largement et de manière cohérente., L’art grec ancien est généralement reconnu comme ayant fait de grands progrès dans la représentation de l’anatomie, et est resté un modèle influent depuis. Aucune œuvre originale sur panneaux ou murs des grands peintres grecs ne subsiste, mais d’après les récits littéraires et le corpus d’œuvres dérivées (principalement des œuvres gréco-romaines en mosaïque), il est clair que l’illusionnisme était très apprécié dans la peinture. La célèbre histoire de Pline l »ancien des oiseaux picorant les raisins peints par Zeuxis au 5ème siècle avant JC pourrait bien être une légende, mais indique l » aspiration de la peinture grecque.,

outre la précision dans la forme, la lumière et la couleur, les peintures romaines montrent une connaissance non scientifique mais efficace de la représentation d’objets éloignés plus petits que les plus proches, et de la représentation de formes géométriques régulières telles que le toit et les murs d’une pièce avec perspective. Ce progrès dans les effets illusionnistes ne signifiait en aucun cas un rejet de l’idéalisme; les statues de dieux et de héros grecs tentent de représenter avec précision des formes idéalisées et belles, bien que d’autres œuvres, telles que les têtes du célèbre Socrate laid, aient été autorisées à tomber en dessous de ces normes idéales de beauté., Le portrait romain, lorsqu’il n’est pas trop influencé par la Grèce, montre un plus grand engagement envers une représentation véridique de ses sujets, appelée vérisme.

l’art de L’Antiquité tardive a rejeté l’illusionnisme pour la force expressive, un changement déjà bien en cours au moment où le christianisme a commencé à affecter l’art de l’élite., En Occident, les normes classiques de l’illusionnisme n’ont pas commencé à être atteintes à nouveau jusqu’à la fin du Moyen Âge et au début de la Renaissance, et ont été aidés, d’abord aux Pays-Bas au début du 15ème siècle, et autour des années 1470 en Italie, par le développement de nouvelles techniques de peinture à l’huile qui a permis des effets de lumière très subtils et précis à peindre en utilisant de très petits pinceaux et plusieurs couches de peinture et de glaçure., Les méthodes scientifiques de représentation de la perspective ont été développées en Italie au début du 15ème siècle et se sont progressivement répandues à travers l’Europe, et la précision de l’anatomie redécouverte sous l’influence de l’art classique. Comme à l’époque classique, l’idéalisme est resté la norme.,

la représentation précise du paysage dans la peinture s’était également développée au début des Pays-Bas/début de la Renaissance du Nord et de la peinture de la Renaissance italienne, et a ensuite été portée à un niveau très élevé dans la peinture hollandaise de l’âge d’or du 17ème siècle, avec des techniques très subtiles pour représenter, Après avoir été un autre développement du début de la peinture néerlandaise, par 1600 portrait européen pourrait donner une très bonne ressemblance dans la peinture et la sculpture, bien que les sujets étaient souvent idéalisés en lissant les traits ou en leur donnant une pose artificielle., Les peintures de nature morte, et les éléments de nature morte dans d’autres œuvres, ont joué un rôle considérable dans le développement de la peinture illusionniste, bien que dans la tradition néerlandaise de la peinture de fleurs, ils aient longtemps manqué de « réalisme », en ce sens que les fleurs de toutes les saisons étaient généralement utilisées, soit par habitude d’assembler des compositions à partir de dessins individuels, soit comme une convention délibérée; les grands étalages de bouquets dans des vases, bien que proches des étalages modernes de fleurs coupées qu’ils ont influencés, étaient tout à fait atypiques des habitudes du 17ème siècle, où les fleurs étaient exposées une à la fois., Curieusement, ayant mené le développement de la peinture Illusionniste, la nature morte devait être tout aussi importante dans son abandon dans le cubisme.

Réalisme ou naturalisme comme représentation de sujets ordinaires et quotidiensmodifier

la représentation de sujets ordinaires et quotidiens dans l’art a également une longue histoire, bien qu’il ait souvent été pressé dans les bords des compositions, ou montré à une plus petite échelle. , C’était en partie parce que l’art était coûteux, et généralement commandé pour des raisons religieuses, politiques ou personnelles spécifiques, qui ne permettaient qu’une quantité relativement faible d’espace ou d’effort à consacrer à de telles scènes. Les Drolleries en marge des manuscrits enluminés médiévaux contiennent parfois de petites scènes de la vie quotidienne, et le développement de la perspective a créé de grandes zones d’arrière-plan dans de nombreuses scènes situées à l’extérieur qui pourraient être rendues plus intéressantes en incluant de petites figures vaquant à leur vie quotidienne., L’art médiéval et du début de la Renaissance par convention montrait généralement des figures non sacrées en tenue contemporaine, donc aucun ajustement n’était nécessaire pour cela même dans les scènes religieuses ou historiques situées dans les temps anciens.,

la peinture des premiers Pays-Bas a amené la peinture de portraits aussi bas dans l’échelle sociale que les marchands prospères de Flandre, et dans certains d’entre eux, notamment le Portrait D’Arnolfini par Jan van Eyck (1434), et plus souvent dans des scènes religieuses telles que le retable de Merode, par Robert Campin et son atelier (vers 1427), Cependant, ces objets sont au moins en grande partie là parce qu’ils portent des couches de signification et de symbolisme complexes qui sapent tout engagement envers le réalisme pour son propre bien., Cycles des travaux des mois dans l « art médiéval tardif, dont de nombreux exemples survivent à partir de livres d » heures, se concentrer sur les paysans travaillant sur différentes tâches à travers les saisons, souvent dans un paysage riche, et ont été importants à la fois dans le développement de l  » art du paysage et la représentation de la classe ouvrière quotidienne.,

au 16ème siècle, il y avait une mode pour la représentation dans de grandes peintures de scènes de personnes travaillant, en particulier dans les marchés alimentaires et les cuisines: dans beaucoup de la nourriture est donnée autant, Les artistes comprenaient Pieter Aertsen et son neveu Joachim Beuckelaer aux Pays-Bas, travaillant dans un style essentiellement maniériste, et en Italie le jeune Annibale Carracci dans les années 1580, utilisant un style très terre à terre non poli, avec Bartolomeo Passerotti quelque part entre les deux. Pieter Bruegel L’ancien a été le pionnier de grandes scènes panoramiques de la vie paysanne., De telles scènes ont servi de prélude à la popularité des scènes de travail dans la peinture de genre au 17ème siècle, qui sont apparues dans toute l’Europe, avec la peinture hollandaise de l’âge d’or qui a germé plusieurs sous-genres différents de ces scènes, les Bamboccianti (bien que principalement des Pays-bas) en Italie, et en Espagne le genre des bodegones, et l’introduction de paysans unidéalisés dans les peintures d’histoire de Jusepe de Ribera et Velázquez. Les frères Le Nain en France et de nombreux artistes flamands dont Adriaen Brouwer et David Teniers L’ancien et le jeune peignent des paysans, mais rarement des citadins., Au 18ème siècle, les petites peintures de travailleurs travaillant sont restées populaires, s’inspirant principalement de la tradition néerlandaise, et en particulier des femmes.

beaucoup d’art représentant des gens ordinaires, en particulier sous forme d’estampes, était comique et moraliste, mais la simple pauvreté des sujets semble relativement rarement avoir fait partie du message moral. À partir du milieu du 19ème siècle, cela a changé et les difficultés de la vie des pauvres ont été soulignées., Malgré cette tendance qui coïncide avec la migration à grande échelle de la campagne vers les villes dans la plupart des pays d’Europe, les peintres ont toujours tendance à peindre les populations rurales pauvres, laissant en grande partie des illustrateurs tels que Gustave Doré pour montrer les horreurs des bidonvilles des villes. Les scènes de rue bondées de la ville étaient populaires auprès des Impressionnistes et des peintres apparentés, en particulier ceux montrant Paris.,

Les enlumineurs de manuscrits médiévaux ont souvent été invités à illustrer la technologie, mais après la Renaissance, de telles images ont continué dans l’illustration de livres et les estampes, mais à l’exception de la peinture de marine ont largement disparu dans les beaux-arts jusqu’au début de la Révolution Industrielle, scènes dont ont été peintes par quelques peintres, De tels sujets ne se vendaient probablement pas très bien, et il y a une absence notable d’industrie, à part quelques scènes de chemin de fer, dans la peinture jusqu’à la fin du 19ème siècle, lorsque des œuvres ont commencé à être commandées, généralement par des industriels ou pour des institutions dans les villes industrielles, souvent à grande échelle, et

le réalisme Américain, mouvement du début du 20e siècle, est l’un des nombreux mouvements modernes à utiliser le réalisme dans ce sens.

• Diego Velázquez, le déjeuner des agriculteurs, C., 1620

• m. adriaen Brouwer, de l’Intérieur d’une Taverne, c. 1630

• Quiringh van Brekelenkam, de l’Intérieur d’un Tailleur »s Boutique, 1653

• Giacomo Ceruti, les Femmes qui Travaillent sur l’Oreiller de Dentelle, Années 1720

• Jean-Baptiste-Siméon Chardin, la Femme de Nettoyage des Navets, c. 1738, Alte Pinakothek.,

• Jean-Baptiste Greuze, La Laundress, 1761

• Sir Luke Fildes, Le Veuf, 1876

• William Bell Scott Fer et de Charbon, 1855-1860

• Juan Manuel Blanes, la Fièvre Jaune Épisode., 1871

• Albert Edelfelt, Les Jardins du Luxembourg. 1887

  mouvement Réalistemodifier

  Article principal: Réalisme (mouvement artistique)

  le mouvement réaliste a commencé au milieu du 19ème siècle en réaction au romantisme et à la peinture D’histoire. En faveur des représentations de la vie « réelle », les peintres réalistes ont utilisé des ouvriers ordinaires et des gens ordinaires dans un environnement ordinaire engagés dans des activités réelles comme sujets pour leurs œuvres., Ses principaux représentants étaient Gustave Courbet, Jean-François Millet, Honoré Daumier et Jean-Baptiste-Camille Corot. Selon Ross Finocchio, ancien du Département des peintures européennes du Metropolitan Museum of Art, Les réalistes utilisaient des détails sans prétention représentant l’existence de la vie contemporaine ordinaire, coïncidant avec la littérature naturaliste contemporaine D’Émile Zola, Honoré de Balzac et Gustave Flaubert., Les Joueurs d »échecs, 1863

• Jean-Baptiste-Camille Corot, jeune fille lisant, 1868

• Jules Bastien-Lepage, octobre 1878, National Gallery of Victoria

• Aleksander gierymski Fête des trompettes, 1884

le mouvement réaliste français avait des équivalents dans tous les autres pays occidentaux, se développant un peu plus tard., En particulier, le groupe Peredvizhniki ou Wanderers en Russie qui s’est formé dans les années 1860 et a organisé des expositions à partir de 1871 comprenait de nombreux réalistes tels Qu’Ilya Repin, Vasily Perov et Ivan Shishkin, et a eu une grande influence sur l’art russe. En Grande-Bretagne, des artistes tels que Hubert von Herkomer et Luke Fildes ont eu beaucoup de succès avec des peintures réalistes traitant de questions sociales., Repin, Procession religieuse dans la Province de Koursk, 1880-1883

Hubert von Herkomer, les temps difficiles 1885

le réalisme ou le naturalisme comme résistance à L’Idéalisationmodifier

Francisco Goya, Charles IV d’Espagne et sa famille, 1800-01

Le réalisme ou le naturalisme comme style signifiant la représentation honnête et unidéalisante du sujet, peut être utilisé pour représenter tout type de sujet, sans aucun engagement pour traiter le typique ou tous les jours., Malgré l’idéalisme général de l’art classique, cela avait aussi des précédents classiques, qui s’avéraient utiles pour défendre de tels traitements à la Renaissance et au Baroque. Demetrius d’Alopece était un sculpteur du 4ème siècle avant notre ère dont le travail (tous maintenant perdus) préférait le réalisme à la beauté idéale, et pendant l’Ancienne République romaine, même les politiciens préféraient une représentation véridique dans les portraits, bien que les premiers empereurs aient favorisé l’idéalisme Grec. Les portraits de Goya de la famille royale espagnole représentent une sorte de sommet dans la représentation honnête et carrément peu flatteuse de personnes importantes.,

Eilif Peterssen, le pêcheur de saumon, 1889

une tendance récurrente dans l’art Chrétien était le « réalisme » qui mettait l’accent sur l’humanité des figures religieuses, avant tout le Christ et ses souffrances physiques dans sa Passion., Suivant les tendances de la littérature de dévotion, cela s’est développé à la fin du Moyen Âge, où certaines sculptures en bois peint en particulier s’égaraient dans le grotesque en représentant le Christ couvert de blessures et de sang, avec l’intention de stimuler le spectateur à méditer sur la souffrance que le Christ avait subie en son nom. Ceux-ci ont été particulièrement trouvés en Allemagne et en Europe centrale. Après avoir diminué à la Renaissance, des œuvres similaires sont réapparues dans le Baroque, en particulier dans la sculpture espagnole.,

les théoriciens de la Renaissance ont ouvert un débat, qui devait durer plusieurs siècles, sur le juste équilibre entre dessiner l’art à partir de l’observation de la nature et à partir de formes idéalisées, généralement celles que l’on trouve dans les modèles classiques, ou le travail d’autres artistes en général. Tous admettaient l’importance du naturel, mais beaucoup croyaient qu’il devrait être idéalisé à divers degrés pour n’inclure que le beau. Léonard de Vinci était celui qui défendait l’étude pure de la nature et souhaitait représenter toute la gamme des variétés individuelles de formes dans la figure humaine et d’autres choses., Leon Battista Alberti était un idéaliste précoce, soulignant le typique, avec D’autres comme Michel – Ange soutenant la sélection des plus beaux-il a refusé de faire des portraits pour cette raison.

Henri Biva, C. 1905-06, Matin à Villeneuve (Du Bord Des Eaux), huile sur toile, 151,1 x 125,1 cm. ,

Au 17ème siècle, le débat se poursuivit, en Italie, généralement centré sur le contraste entre « l’idéalisme classique » relatif des Carracci et le style « naturaliste » des Caravaggisti, ou adeptes du Caravage, qui peignaient des scènes religieuses comme dans les rues des villes italiennes contemporaines, et utilisaient le « naturaliste » comme auto-description. Bellori, écrivant quelques décennies après la mort prématurée de Caravage, et aucun partisan de son style, se réfère à »ceux qui se glorifient au nom des naturalistes « (naturalisti).,

au 19e siècle, Le « naturalisme » ou « l’école naturaliste » a été érigé artificiellement comme un terme représentant un sous-mouvement séparatiste du réalisme, qui a tenté (sans succès) de se distinguer de son parent par son évitement de la Politique et des questions sociales, et aimait proclamer une base quasi scientifique, jouant sur le sens de « naturaliste » en tant qu’étudiant d’histoire naturelle, comme on appelait alors généralement les sciences biologiques., L’initiateur du terme est le critique D’art français Jules-Antoine Castagnary, qui en 1863 a annoncé que: « l’école naturaliste déclare que l’art est l’expression de la vie sous toutes les phases et à tous les niveaux, et que son seul but est de reproduire la nature en la portant à son maximum de puissance et d’intensité: elle Émile Zola a adopté le terme avec un accent scientifique similaire pour ses objectifs dans le roman., Une grande partie de la peinture naturaliste couvrait une gamme de sujets similaire à celle de l’Impressionnisme, mais en utilisant des styles de pinceau plus serrés et plus traditionnels, et dans des paysages souvent avec un temps plus sombre.

le terme « a continué à être utilisé sans discernement pour divers types de réalisme » pendant plusieurs décennies, souvent comme un terme fourre-tout pour l’art qui était en dehors de L’impressionnisme et des mouvements ultérieurs du modernisme et n’était pas non plus un art académique., Les périodes ultérieures de L’École Française de Barbizon et de L’école de peinture de Düsseldorf, avec ses étudiants de nombreux pays, et dans le régionalisme américain du 20ème siècle sont des mouvements qui sont souvent également décrits comme « naturaliste », bien que le terme soit rarement utilisé de la peinture Britannique. Certains historiens de l’art récents ont approfondi la confusion en revendiquant Courbet ou les impressionnistes pour l’étiquette.,5″>

Pietà gothique tardif de Lubiąż en Basse-Silésie, Pologne, maintenant au Musée National à Varsovie.

Jean-François Raffaëlli, Périphérie de Paris, Des années 1880

William Bliss Baker, American peintre Naturaliste, Tombé Monarques, 1886

Pekka Halonen, finnois Naturaliste, Pionniers de la Carélie, 1900

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