Arte Preistorica (~40,000–4,000 B.,C.)

Le origini della storia dell’arte possono essere fatte risalire all’epoca preistorica, prima che fossero conservati documenti scritti. I primi manufatti provengono dal Paleolitico, o la vecchia età della pietra, sotto forma di incisioni rupestri, incisioni, immagini pittoriche, sculture, e le disposizioni di pietra.

L’arte di questo periodo si basava sull’uso di pigmenti naturali e sculture in pietra per creare rappresentazioni di oggetti, animali e rituali che governavano l’esistenza di una civiltà. Uno degli esempi più famosi è quello delle pitture rupestri paleolitiche trovate nelle complesse grotte di Lascaux in Francia., Sebbene scoperti nel 1940, si stima che abbiano fino a 20.000 anni e rappresentino grandi animali e vegetazione della zona.

Arte antica (4.000 a.C.–400 d. C.)

L’arte antica è stata prodotta da civiltà avanzate, che in questo caso si riferisce a quelle con un linguaggio scritto stabilito. Queste civiltà includevano Mesopotamia, Egitto, Grecia e quelle delle Americhe.,

Il mezzo di un’opera d’arte di questo periodo varia a seconda della civiltà che l’ha prodotta, ma la maggior parte dell’arte ha avuto scopi simili: raccontare storie, decorare oggetti utilitaristici come ciotole e armi, mostrare immagini religiose e simboliche e dimostrare lo status sociale. Molte opere raffigurano storie di governanti, dei e dee.

Una delle opere più famose dell’antica Mesopotamia è il Codice di Hammurabi. Creato intorno al 1792 a. C.,, il pezzo porta un insieme babilonese di leggi scolpite in pietra, adornato da un’immagine di re Hammurabi—il sesto re di Babilonia—e il dio mesopotamico, Shabash.

Arte medievale (500-1400)

Il Medioevo, spesso definito “Medioevo”, segnò un periodo di deterioramento economico e culturale dopo la caduta dell’Impero Romano nel 476 d. C., Gran parte delle opere d’arte prodotte nei primi anni del periodo riflette quell’oscurità, caratterizzata da immagini grottesche e paesaggi brutali. L’arte prodotta durante questo periodo era centrata intorno alla Chiesa. Con il passare del primo millennio, sorsero chiese più sofisticate ed elaborate; finestre e sagome erano adornate con soggetti biblici e scene della mitologia classica.

Questo periodo fu anche responsabile dell’emergere del manoscritto miniato e dello stile architettonico gotico., Esempi definitivi di arte influente di questo periodo includono le catacombe di Roma, Hagia Sophia a Istanbul, i Vangeli di Lindisfarne, uno degli esempi più noti del manoscritto miniato, e Notre Dame, una cattedrale parigina e prominente esempio di architettura gotica.

Arte rinascimentale (1400-1600)

Questo stile di pittura, scultura e arte decorativa era caratterizzato da un focus sulla natura e l’individualismo, il pensiero dell’uomo come indipendente e autosufficiente. Sebbene questi ideali fossero presenti nel tardo Medioevo, fiorirono nei secoli 15 e 16, parallelamente ai cambiamenti sociali ed economici come la secolarizzazione.

Il Rinascimento raggiunse il suo apice a Firenze, in Italia, dovuto in gran parte ai Medici, una ricca famiglia di mercanti che sostenne fermamente le arti e l’umanesimo, una varietà di credenze e filosofie che pone l’accento sul regno umano., Il designer italiano Filippo Brunelleschi e lo scultore Donatello furono i principali innovatori di questo periodo.

L’Alto Rinascimento, che durò dal 1490 al 1527, produsse artisti influenti come da Vinci, Michelangelo e Raffaello, ognuno dei quali portò potere creativo e guidò ideali di espressione emotiva. Opere d’arte in tutto il Rinascimento è stato caratterizzato da realismo, attenzione ai dettagli, e preciso studio dell’anatomia umana. Gli artisti hanno utilizzato la prospettiva lineare e creato profondità attraverso un’intensa illuminazione e ombreggiatura., L’arte cominciò a cambiare stilisticamente poco dopo l’Alto Rinascimento, quando gli scontri tra la fede cristiana e l’umanesimo lasciarono il posto al manierismo.

Manierismo (1527-1580)

Gli artisti manieristi sono emersi dagli ideali di Michelangelo, Raffaello e altri artisti del Tardo Rinascimento, ma la loro attenzione allo stile e alla tecnica ha superato il significato della materia., Spesso, le figure avevano arti aggraziati e allungati, piccole teste, caratteristiche stilizzate e dettagli esagerati. Ciò ha prodotto composizioni più complesse e stilizzate piuttosto che basarsi sugli ideali classici di composizione armoniosa e prospettiva lineare usati dai loro predecessori rinascimentali.

Alcuni dei più celebri artisti manieristi includono Giorgio Vasari, Francesco Salviati, Domenico Beccafumi e Bronzino, che è ampiamente considerato il più importante pittore manierista a Firenze durante il suo tempo.,

Barocco (1600-1750)

Il periodo barocco che seguì il Manierismo produsse arti visive e architettura ornate e over-the-top. Era caratterizzato da grandezza e ricchezza, punteggiato da un interesse per ampliare l’intelletto umano e la scoperta globale. Gli artisti barocchi erano stilisticamente complessi.,

I dipinti barocchi erano caratterizzati dal dramma, come si vede nelle opere iconiche del pittore italiano Caravaggio e del pittore olandese Rembrandt. I pittori usavano un intenso contrasto tra luce e buio e avevano composizioni energetiche abbinate a ricche tavolozze di colori.

Rococò (1699-1780)

Il rococò ha avuto origine a Parigi, comprendendo arte decorativa, pittura, architettura e scultura., L’estetica offriva uno stile più morbido dell’arte decorativa rispetto all’esuberanza del barocco. Rococò è caratterizzato da leggerezza ed eleganza, concentrandosi sull’uso di forme naturali, design asimmetrico e colori sottili.

Pittori come Antoine Watteau e Francois Boucher usavano trattamenti spensierati, una ricca pennellata e colori freschi. Lo stile rococò anche facilmente tradotto in argento, porcellana e mobili francesi. Molte sedie e armadi caratterizzato forme curve, disegni floreali, e un uso espressivo di oro.,

Neoclassicismo (1750-1850)

Come suggerisce il nome, il periodo neoclassico si basava su elementi dell’antichità classica. Rovine archeologiche di antiche civiltà ad Atene e Napoli che sono stati scoperti al momento riacceso una passione per tutte le cose passate, e gli artisti si sforzarono di ricreare le grandi opere d’arte antica. Questo si tradusse in un rinnovato interesse per gli ideali classici di armonia, semplicità e proporzione.,

Gli artisti neoclassici furono influenzati da elementi classici; in particolare, un focus sull’idealismo. Inevitabilmente, includevano anche raffigurazioni moderne e storicamente rilevanti nelle loro opere. Ad esempio, lo scultore italiano Antonio Canova attinse elementi classici nelle sue sculture in marmo, ma evitò la fredda artificialità che era rappresentata in molte di queste prime creazioni.

Romanticismo (1780-1850)

Il romanticismo incarna una vasta gamma di discipline, dalla pittura alla musica alla letteratura. Gli ideali presenti in ciascuna di queste forme d’arte rifiutano l’ordine, l’armonia e la razionalità, che sono stati abbracciati sia nell’arte classica che nel neoclassicismo. Invece, gli artisti romantici hanno sottolineato l’individuo e l’immaginazione. Un altro ideale romantico che definisce è stato un apprezzamento per la natura, con molti rivolgendosi alla pittura plein air, che ha portato gli artisti di interni scuri e ha permesso loro di dipingere all’esterno. Gli artisti si sono anche concentrati sulla passione, l’emozione e la sensazione sull’intelletto e sulla ragione.,

Importanti pittori romantici includono Henry Fuseli, che creò strani dipinti macabri che esploravano i recessi oscuri della psicologia umana, e William Blake, le cui misteriose poesie e immagini trasmettevano visioni mistiche e la sua delusione nei vincoli sociali.

Realismo (1848-1900)

Probabilmente il primo movimento artistico moderno, il Realismo, iniziò in Francia nel 1840., Il realismo fu il risultato di molteplici eventi: il movimento anti-romantico in Germania, l’ascesa del giornalismo e l’avvento della fotografia. Ogni nuovo interesse ispirato a catturare con precisione la vita di tutti i giorni. Questa attenzione alla precisione è evidente nell’arte prodotta durante il movimento, che presentava raffigurazioni dettagliate e realistiche del soggetto.

Uno dei leader più influenti del movimento realista è Gustave Courbet, un artista francese impegnato a dipingere solo ciò che poteva vedere fisicamente.,

Art Nouveau (1890-1910)

L’Art Nouveau, che si traduce in “Nuova Arte”, ha cercato di creare un movimento del tutto autentico, libero da qualsiasi imitazione degli stili che lo hanno preceduto. Questo movimento ha fortemente influenzato le arti applicate, la grafica e l’illustrazione. Si è concentrato sul mondo naturale, caratterizzato da linee e curve lunghe e sinuose.,

Influenti artisti Art Nouveau hanno lavorato in una varietà di media, tra cui architettura, grafica e interior design, gioielleria e pittura. Il graphic designer cecoslovacco Alphonse Mucha è meglio conosciuto per i suoi manifesti teatrali dell’attrice francese Sarah Bernhardt. L’architetto e scultore spagnolo Antoni Gaudi è andato oltre a concentrarsi sulle linee per creare costruzioni curve e dai colori vivaci come quella della Basilica de la Sagrada Familia a Barcellona.

Impressionismo (1865-1885)

I pittori impressionisti cercavano di catturare l’impressione immediata di un particolare momento. Questo è stato caratterizzato da brevi, pennellate veloci e un incompiuto, schizzo-come sentire. Gli artisti impressionisti hanno usato la vita moderna come soggetto, dipingendo situazioni come sale da ballo e regate di barche a vela piuttosto che eventi storici e mitologici.

Claude Monet, un artista francese che ha guidato l’idea di esprimere le proprie percezioni prima della natura, è praticamente sinonimo del movimento impressionista., Le sue opere notevoli includono Lo stagno delle ninfee (1899), La donna con un ombrellone (1875) e l’impressione, Sunrise (1872), da cui deriva il nome del movimento stesso.

Post-impressionismo (1885-1910)

I pittori post-impressionisti lavoravano in modo indipendente piuttosto che come gruppo, ma ogni influente pittore post-impressionista aveva ideali simili., Si sono concentrati sulle visioni soggettive e sui significati simbolici e personali piuttosto che sulle osservazioni del mondo esterno. Questo è stato spesso raggiunto attraverso forme astratte.

I pittori post-impressionisti includono Georges Seurat, noto per la sua tecnica del puntinismo che usava piccoli punti distinti per formare un’immagine. Vincent van Gogh è anche considerato un pittore post-impressionista, alla ricerca di espressione personale attraverso la sua arte, spesso attraverso pennellate aspre e toni scuri.,

Fauvismo (1900-1935)

Guidato da Henri Matisse, Fauvismo costruito su esempi di Vincent van Gogh e George Seurat. Come il primo movimento d’avanguardia del xx secolo, questo stile era caratterizzato dall’uso espressivo di colori intensi, linee e pennellate, un audace senso del design della superficie e una composizione piatta.,

Come si vede in molte delle opere di Matisse stesso, la separazione del colore dal suo scopo descrittivo e rappresentativo è stato uno degli elementi fondamentali che hanno plasmato questo movimento. Il fauvismo fu un importante precursore del cubismo e dell’espressionismo.

Espressionismo (1905-1920)

L’espressionismo emerse come risposta a visioni del mondo sempre più conflittuali e alla perdita della spiritualità., L’arte espressionista ha cercato di attingere dall’interno dell’artista, usando una distorsione della forma e colori forti per mostrare ansie ed emozioni crude. I pittori espressionisti, alla ricerca dell’autenticità, cercavano ispirazione oltre quella dell’arte occidentale e frequentavano musei etnografici per rivisitare le tradizioni popolari native e l’arte tribale.

Le radici dell’espressionismo possono essere ricondotte a Vincent van Gogh, Edvard Munch e James Ensor. Gruppi di spicco tra cui Die Brücke (Il Ponte) e Der Blaue Reiter (Il Cavaliere blu) si sono formati in modo che gli artisti potessero pubblicare opere ed esprimere i loro ideali collettivamente.,

Cubismo (1907-1914)

Il cubismo fu fondato da Pablo Picasso e Georges Braque, che rifiutarono il concetto che l’arte dovrebbe copiare la natura. Si sono allontanati dalle tecniche e dalle prospettive tradizionali; hanno invece creato oggetti radicalmente frammentati attraverso l’astrazione. Le opere di molti pittori cubisti sono caratterizzate da superfici piatte e bidimensionali, forme geometriche o “cubi” di oggetti e molteplici punti di vista., Spesso, i loro soggetti non erano nemmeno distinguibili.

Surrealismo (1916-1950)

Il surrealismo emerse dal movimento artistico Dada nel 1916, mettendo in mostra opere d’arte che sfidavano la ragione. I surrealisti denunciarono la mentalità razionalista. Hanno incolpato questo processo di pensiero su eventi come la prima guerra mondiale e credevano che reprimesse i pensieri immaginativi., I surrealisti furono influenzati da Karl Marx e dalle teorie sviluppate da Sigmund Freud, che esplorò la psicoanalisi e il potere dell’immaginazione.

Artisti surrealisti influenti come Salvador Dalí hanno sfruttato la mente inconscia per rappresentare rivelazioni trovate per strada e nella vita di tutti i giorni. I dipinti di Dalí in particolare accoppiano sogni vividi e bizzarri con accuratezza storica.

Espressionismo astratto (1940–1950)

Modellato dall’eredità del surrealismo, l’espressionismo astratto emerse a New York dopo la seconda guerra mondiale. E ‘ spesso indicato come la Scuola di New York o action painting., Questi pittori e scultori astratti si staccarono da ciò che era considerato convenzionale, e invece usarono la spontaneità e l’improvvisazione per creare opere d’arte astratte. Ciò includeva opere colossali in scala le cui dimensioni non potevano più essere sistemate da un cavalletto. Invece, le tele sarebbero posizionate direttamente sul pavimento.

Celebri pittori espressionisti astratti includono Jackson Pollock, noto per il suo stile unico di pittura a goccia, e Mark Rothko, i cui dipinti impiegavano grandi blocchi di colore per trasmettere un senso di spiritualità.,

Op Art (1950–1960)

Accresciuto dai progressi della scienza e della tecnologia, nonché da un interesse per gli effetti ottici e le illusioni, il movimento Op art (abbreviazione di “optical” art) ha lanciato con Le Mouvement, una mostra collettiva alla Galerie Denise Rene nel 1955. Gli artisti attivi in questo stile utilizzavano forme, colori e motivi per creare immagini che sembravano in movimento o sfocate, spesso prodotte in bianco e nero per il massimo contrasto. Questi modelli astratti avevano lo scopo di confondere ed eccitare l’occhio.,

L’artista inglese Bridget Riley è uno dei più importanti praticanti di Op Art. La sua opera d’arte del 1964 Blaze presenta linee in bianco e nero a zigzag che creano l’illusione di una circolare decente.il sito utilizza cookie tecnici e di terze parti per migliorare la tua esperienza di navigazione. Venduto per So 17,327,500 tramite Sotheby’s (maggio 1998).

La pop art è uno degli sviluppi artistici più riconoscibili del 20 ° secolo., Il movimento si è allontanato dai metodi usati nell’espressionismo astratto, e ha invece usato oggetti quotidiani e banali per creare opere d’arte innovative che sfidavano il consumismo e i mass media. Questa introduzione alle immagini identificabili è stato un cambiamento dalla direzione del modernismo.

Artisti pop come Andy Warhol e Roy Lichtenstein hanno cercato di stabilire l’idea che l’arte può attingere da qualsiasi fonte e non c’è gerarchia di cultura per sconvolgerlo. Forse la più famosa opera d’arte della cultura pop è la produzione di lattine di zuppa Campbell di Warhol.,

Arte Povera (1960)

Traducendo letteralmente in “arte povera”, l’Arte Povera sfidò i sistemi modernisti e contemporanei infondendo materiali comuni in creazioni. Gli artisti hanno usato terra, rocce, carta, corda e altri elementi di terra per evocare un sentimento preindustriale. Di conseguenza, molte delle opere notevoli durante questo movimento sono scultoree.

L’artista italiano Mario Merz, in collaborazione con altri artisti italiani come Giovanni Anselmo e Alighiero Boetti, ha creato opere anti-elitarie attingendo a materiali della vita quotidiana., Il suo Gioo del 1968, uno di quelli che presto sarebbero diventati la sua serie di signatureoo, si concentrava sulle sue occupazioni con le necessità della vita: riparo, calore e cibo.

Minimalismo (1960–1970)

Il movimento minimalista è emerso a New York come un gruppo di artisti più giovani ha iniziato a mettere in discussione le opere eccessivamente espressive di artisti espressionisti astratti. L’arte minimalista invece si è concentrata sull’anonimato, richiamando l’attenzione sulla materialità delle opere., Gli artisti hanno esortato gli spettatori a concentrarsi esattamente su ciò che era di fronte a loro, piuttosto che tracciare paralleli con realtà esterne e pensieri emotivi attraverso l’uso di forme purificate, ordine, semplicità e armonia.

L’artista americano Frank Stella fu uno dei primi ad adottare il minimalismo, producendo dipinti non rappresentativi, come si vede nei suoi dipinti neri completati tra il 1958 e il 1960. Ognuno presenta un motivo di strisce rettilinee di larghezza uniforme stampate con inchiostro nero metallico.,

L’arte concettuale (1960–1970)

L’arte concettuale ha completamente respinto i movimenti artistici precedenti, e gli artisti hanno apprezzato le idee sulle componenti visive, creando arte da performance, effimeri e altre forme. La poesia attiva della performer polacca Ewa Partum consisteva nella dispersione di singole lettere dell’alfabeto in vari paesaggi. L’artista americano Joseph Kosuth ha esplorato la produzione e il ruolo del linguaggio all’interno dell’arte, come si vede nel suo 1965, One and Three Chairs. In esso, rappresenta una sedia in tre modi diversi per rappresentare significati diversi dello stesso oggetto., Poiché questo tipo di arte si concentrava su idee e concetti, non esisteva uno stile o una forma distinti.

Arte contemporanea (1970-presente)

Gli anni ‘ 70 hanno segnato l’inizio dell’arte contemporanea, che si estende fino ai giorni nostri. Questo periodo è dominato da varie scuole e movimenti minori che sono emersi.

• Postmodernismo: In reazione contro il modernismo, gli artisti hanno creato opere che riflettevano scetticismo, ironia e critiche filosofiche.
• Arte femminista: questo movimento è nato nel tentativo di trasformare gli stereotipi e rompere il modello di una storia dell’arte dominata dagli uomini.,
• Neo Espressionismo: gli artisti hanno cercato di far rivivere aspetti originali dell’espressionismo e creare opere di grandi dimensioni, altamente materiche, espressive.
• Street art: artisti come Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, Barry McGee, Banksy e altri hanno creato arte simile ai graffiti su superfici in luoghi pubblici come marciapiedi, edifici e cavalcavia.
• The Pictures Generation: Gli artisti Cindy Sherman, Louise Lawler, Gary Simmons e altri che sono stati influenzati dall’arte concettuale e pop hanno sperimentato immagini riconoscibili per esplorare le immagini che hanno plasmato le nostre percezioni del mondo.,
• Appropriation art: Questo movimento si è concentrato sull’uso delle immagini nell’arte con poca trasformazione dalla loro forma originale.
• Young British Artists (YBA): Questo gruppo di artisti londinesi era noto per la loro volontà di scioccare il pubblico attraverso le loro immagini e la volontà di spingere oltre i limiti della decenza. Sono anche noti per il loro zestful, spirito imprenditoriale.,
• Arte digitale: L’avvento della fotocamera ha prestato modo a questa pratica artistica che ha permesso agli artisti di utilizzare l’infusione di arte e tecnologia per creare con mezzi come computer, software audio e visivo, suono e pixel.

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I movimenti artistici nel corso della storia dell’arte occidentale hanno offerto una serie di stili, tecniche e media diversi e influenti in tutto il mondo. Ogni movimento far luce sulla pittura distintivo, scultura, realizzazioni architettoniche, e altre opere che definiscono., Comprendere la cronologia della storia dell’arte e come ogni periodo ha influenzato i movimenti successivi è fondamentale per costruire una collezione riflessiva e coesa.

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