Il realismo (arti)

il Realismo è la precisa, dettagliata e accurata rappresentazione nell’arte dell’aspetto visivo di scene e oggetti. Il realismo in questo senso è anche chiamato naturalismo, mimesi o illusionismo. L’arte realistica è stata creata in molti periodi, ed è in gran parte una questione di tecnica e allenamento, e l’evitamento della stilizzazione., Diventa particolarmente marcata nella pittura europea nei primi Paesi Bassi pittura di Robert Campin, Jan van Eyck e altri artisti nel 15 ° secolo. Tuttavia tale “realismo” è spesso usato per raffigurare, ad esempio, angeli con le ali, che non erano cose che gli artisti avevano mai visto nella vita reale., Ugualmente, 19 ° secolo pittori movimento artistico Realismo come Gustave Courbet non sono in alcun modo particolarmente noto per la rappresentazione precisa e attenta delle apparenze visive; nel tempo di Courbet che era più spesso una caratteristica della pittura accademica, che molto spesso raffigurato con grande abilità e scene di cura che sono stati artificiosa e artificiale, o scene storiche immaginate. È la scelta e il trattamento del soggetto che definisce il Realismo come un movimento nella pittura, piuttosto che l’attenzione attenta alle apparenze visive., Altri termini come naturalismo, naturalistico e ” veristico “non sfuggono alla stessa ambiguità, anche se la distinzione tra” realistico “(di solito legata all’aspetto visivo) e” realista “è spesso utile, così come il termine” illusionistico ” per l’accurata resa delle apparenze visive.

Realismo illusionisticomodifica

Lo sviluppo di una rappresentazione sempre più accurata delle apparenze visive delle cose ha una lunga storia nell’arte. Esso comprende elementi come la rappresentazione accurata dell’anatomia di esseri umani e animali, di prospettiva e gli effetti della distanza, e di effetti dettagliati di luce e colore. L “arte del Paleolitico superiore in Europa ha raggiunto rappresentazioni notevolmente realistici di animali, e l” antica arte egizia sviluppato convenzioni che coinvolgono sia stilizzazione e idealizzazione che tuttavia ha permesso raffigurazioni molto efficaci da produrre molto ampiamente e coerentemente., L’antica arte greca è comunemente riconosciuta come aver fatto grandi progressi nella rappresentazione dell’anatomia, ed è rimasta un modello influente da allora. Non sopravvivono opere originali su pannelli o pareti dei grandi pittori greci, ma dai resoconti letterari e dal corpus superstite di opere derivate (per lo più opere greco-romane in mosaico) è chiaro che l’illusionismo era molto apprezzato nella pittura. Famosa storia di Plinio il Vecchio di uccelli beccare l “uva dipinta da Zeuxis nel 5 ° secolo AC potrebbe essere una leggenda, ma indica l” aspirazione della pittura greca.,

Oltre alla precisione nella forma, nella luce e nel colore, i dipinti romani mostrano una conoscenza non scientifica ma efficace di rappresentare oggetti lontani più piccoli di quelli più vicini e di rappresentare forme geometriche regolari come il tetto e le pareti di una stanza con prospettiva. Questo progresso negli effetti illusionistici non significava in alcun modo un rifiuto dell’idealismo; statue di divinità e eroi greci tentano di rappresentare con precisione forme idealizzate e belle, anche se altre opere, come le teste del famoso brutto Socrate, erano autorizzate a scendere al di sotto di questi standard ideali di bellezza., Ritrattistica romana, quando non sotto troppa influenza greca, mostra un maggiore impegno per una rappresentazione veritiera dei suoi soggetti, chiamato verismo.

L’arte della Tarda Antichità respinse notoriamente l’illusionismo per forza espressiva, un cambiamento già ben avviato quando il cristianesimo cominciò a influenzare l’arte dell’élite., In Occidente criteri classici dell’illusionismo non ha cominciato a essere raggiunto di nuovo fino alla Fine del medioevo e l’Inizio del Rinascimento, e sono stati aiutati, prima in Olanda nei primi 15 ° secolo, intorno al 1470, in Italia, per lo sviluppo di nuove tecniche di pittura ad olio che ha permesso molto sottili e precisi effetti di luce per essere verniciate con molto pennelli piccoli e diversi strati di vernice e smalto., I metodi scientifici di rappresentazione della prospettiva furono sviluppati in Italia all’inizio del xv secolo e gradualmente si diffusero in tutta Europa, e l’accuratezza nell’anatomia riscoperta sotto l’influenza dell’arte classica. Come nei tempi classici, l’idealismo è rimasto la norma.,

L’accurata rappresentazione del paesaggio nella pittura si era sviluppata anche nei primi Paesi Bassi / primi del Rinascimento settentrionale e nella pittura rinascimentale italiana, e fu poi portata ad un livello molto alto nella pittura olandese dell’età dell’oro del 17 ° secolo, con tecniche molto sottili per raffigurare una serie di condizioni meteorologiche e gradi di luce naturale., Dopo essere stato un altro sviluppo della pittura olandese, nel 1600 la ritrattistica europea poteva dare una buona somiglianza sia nella pittura che nella scultura, anche se i soggetti erano spesso idealizzati levigando le caratteristiche o dando loro una posa artificiale., Nature e nature morte in altre opere, ha svolto un ruolo considerevole nello sviluppo di pittura illusionistica, anche se in Olandese tradizione della pittura fiore che da tempo mancava di “realismo”, che fiori di tutte le stagioni sono in genere utilizzati, dall’abitudine di montaggio composizioni da disegni individuali, o come un deliberato convenzione; la grande mostra di mazzi di fiori in vasi, anche se vicino a schermi moderni di fiori recisi che hanno influenzato, erano del tutto atipico del 17 ° secolo, le abitudini, dove i fiori sono stati visualizzati uno alla volta., Curiosamente, avendo guidato lo sviluppo della pittura illusionistica, la natura morta doveva essere altrettanto significativa nel suo abbandono nel cubismo.

Realismo o naturalismo, come la rappresentazione di ordinaria subjectsEdit

La rappresentazione di ordinaria, quotidiana, i soggetti in arte ha anche una lunga storia, anche se è stata spesso messa in bordi di composizioni, o visualizzato su una scala minore., Ciò era in parte dovuto al fatto che l’arte era costosa, e di solito commissionata per specifici motivi religiosi, politici o personali, che consentivano solo una quantità relativamente piccola di spazio o sforzo da dedicare a tali scene. Le buffonate ai margini dei manoscritti miniati medievali a volte contengono piccole scene di vita quotidiana, e lo sviluppo della prospettiva ha creato grandi aree di sfondo in molte scene ambientate all’aperto che potrebbero essere rese più interessanti includendo piccole figure che raccontano la loro vita quotidiana., L’arte medievale e del primo Rinascimento per convenzione di solito mostrava figure non sacre in abiti contemporanei, quindi non era necessario alcun aggiustamento per questo anche in scene religiose o storiche ambientate in tempi antichi.,

pittura Olandese ha portato la pittura di ritratti in basso nella scala sociale come prospero mercanti di Fiandra, e in alcuni di questi, in particolare il Ritratto dei coniugi Arnolfini di Jan van Eyck (1434), e più spesso in scene religiose come il Merode Pala d’altare, di Robert Campin e la sua bottega (1427 circa), molto descrizioni dettagliate di interni borghesi pieni di amorevolmente gli oggetti rappresentati. Tuttavia questi oggetti sono almeno in gran parte lì perché portano strati di significato complesso e simbolismo che minano qualsiasi impegno al realismo per se stesso., I cicli delle fatiche dei mesi nell’arte tardo medievale, di cui molti esempi sopravvivono da libri di ore, si concentrano sui contadini che lavorano su diversi compiti attraverso le stagioni, spesso in un ricco sfondo paesaggistico, e sono stati significativi sia nello sviluppo dell’arte paesaggistica che nella rappresentazione della gente della classe operaia quotidiana.,

Nel 16 ° secolo c’è stata una moda per la rappresentazione in grandi dipinti di scene di persone che lavorano, soprattutto nei mercati alimentari e di cucina: il cibo è dato tanto risalto, come i lavoratori., Artisti inclusi Pieter Aertsen e suo nipote Joachim Beuckelaer nei Paesi Bassi, lavorando in uno stile essenzialmente manierista, e in Italia il giovane Annibale Carracci nel 1580, utilizzando uno stile molto giù per terra non lucidato, con Bartolomeo Passerotti da qualche parte tra i due. Pieter Bruegel il Vecchio fu il pioniere di grandi scene panoramiche della vita contadina., Tali scene agito come un preludio per la popolarità di scene di lavoro nella pittura di genere nel 17 ° secolo, che è apparso in tutta Europa, con Età dell’Oro olandese pittura spuntano diversi sottogeneri di tali scene, i Bamboccianti (anche se per lo più da Paesi Bassi) in Italia e in Spagna il genere della natura morta, e l’introduzione di unidealized contadini nella storia dipinti di Jusepe de Ribera e Velázquez. I fratelli Le Nain in Francia e molti artisti fiamminghi tra cui Adriaen Brouwer e David Teniers il vecchio e il giovane dipingevano contadini, ma raramente cittadini., Nel 18 ° secolo piccoli dipinti di lavoratori che lavorano rimasto popolare, per lo più attingendo alla tradizione olandese, e soprattutto con le donne.

Molta arte raffigurante la gente comune, soprattutto sotto forma di stampe, era comico e moralistico, ma la semplice povertà dei soggetti sembra relativamente raramente hanno fatto parte del messaggio morale. Dalla metà del 19 ° secolo in poi questo è cambiato, e le difficoltà della vita per i poveri sono state enfatizzate., Nonostante questa tendenza coincida con la migrazione su larga scala dalle campagne alle città nella maggior parte dell’Europa, i pittori tendevano ancora a dipingere le povere popolazioni rurali, lasciando in gran parte illustratori come Gustave Doré a mostrare gli orrori delle baraccopoli cittadine. Affollate scene di strada della città erano popolari con gli impressionisti e pittori correlati, in particolare quelli che mostrano Parigi.,

manoscritto Medievale illuminatori sono spesso chiesto di illustrare la tecnologia, ma dopo il Rinascimento tali immagini continuato nell’illustrazione di libri e di stampe, ma con l’eccezione di pittura marina in gran parte scomparso in arte fino all’inizio Rivoluzione Industriale, le scene che sono state dipinte da alcuni pittori come Joseph Wright of Derby e Philip James de Loutherbourg., Tali soggetti probabilmente non sono riusciti a vendere molto bene, e c’è una notevole assenza di industria, a parte alcune scene ferroviarie, nella pittura fino al tardo 19 ° secolo, quando i lavori cominciarono ad essere commissionati, tipicamente dagli industriali o per le istituzioni nelle città industriali, spesso su larga scala, e talvolta dato un trattamento quasi eroico.

Il realismo americano, un movimento del 20esimo secolo, è uno dei molti movimenti moderni per usare il realismo in questo senso.

• Diego Velázquez, Il pranzo degli agricoltori, c., 1620

• Adriaen Brouwer, Interno di una Taverna, c. 1630

• Quiringh van Brekelenkam, Interni di un Sarto”s Shop, 1653

• Giacomo Ceruti, Donne che Lavorano a tombolo, 1720

• Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Donna di Pulizia, Rape, c. 1738, Alte Pinakothek.,

• Jean-Baptiste Greuze, La Lavandaia, 1761

• Sir Luke Fildes, Il Vedovo, 1876

• William Bell Scott Ferro e di Carbone, 1855-1860

• Juan Manuel Blanes, Febbre Gialla Episodio., 1871

• Albert Edelfelt, I Giardini del Lussemburgo. 1887

Movimento realistomodifica

Il movimento realista iniziò a metà del xix secolo come reazione al romanticismo e alla pittura di Storia. A favore delle raffigurazioni della vita” reale”, i pittori realisti usavano lavoratori comuni e persone comuni in un ambiente ordinario impegnate in attività reali come soggetti per le loro opere., I suoi principali esponenti furono Gustave Courbet, Jean-François Millet, Honoré Daumier e Jean-Baptiste-Camille Corot. Secondo Ross Finocchio, già del Dipartimento di Pittura europea del Metropolitan Museum of Art, i realisti usavano dettagli senza pretese che raffiguravano l’esistenza della vita contemporanea ordinaria, in coincidenza con la letteratura naturalista contemporanea di Émile Zola, Honoré de Balzac e Gustave Flaubert., Les Joueurs d”échecs (I giocatori di scacchi), 1863

Jean-Baptiste-Camille Corot, Giovani, Ragazza, Lettura, 1868

Jules Bastien-Lepage, ottobre, 1878, Galleria nazionale di Victoria

Aleksander Gierymski la Festa delle Trombe, 1884

Il movimento Realista francese aveva equivalenti in tutti gli altri paesi Occidentali, in via di sviluppo un po ‘ più tardi., In particolare il gruppo Peredvizhniki o Wanderers in Russia che si formò nel 1860 e organizzò mostre dal 1871 includeva molti realisti come Ilya Repin, Vasily Perov e Ivan Shishkin, e ebbe una grande influenza sull’arte russa. In Gran Bretagna artisti come Hubert von Herkomer e Luke Fildes hanno avuto un grande successo con dipinti realisti che si occupano di questioni sociali., Repin, Processione Religiosa in Provincia di Kursk, 1880-1883

Hubert von Herkomer, Tempi duri 1885

Realismo o naturalismo come resistere idealizationEdit

il Realismo o naturalismo come stile di significato onesti, unidealizing rappresentazione del soggetto, può essere utilizzato in raffiguranti qualsiasi tipo di soggetto, senza alcun impegno, per il trattamento di tipico o di tutti i giorni., Nonostante l’idealismo generale dell’arte classica, anche questo ha avuto precedenti classici, che è venuto in utile quando si difendono tali trattamenti nel Rinascimento e Barocco. Demetrio di Alopece era uno scultore del iv secolo a. C. il cui lavoro (ora perduto) si diceva preferisse il realismo alla bellezza ideale, e durante l’antica Repubblica romana anche i politici preferivano una rappresentazione veritiera nei ritratti, anche se i primi imperatori favorivano l’idealismo greco. Ritratti di Goya della famiglia reale spagnola rappresentano una sorta di picco nel ritratto onesto e decisamente poco lusinghiero di persone importanti.,

Una tendenza ricorrente nell’arte cristiana era il “realismo” che enfatizzava l’umanità delle figure religiose, soprattutto Cristo e le sue sofferenze fisiche nella sua Passione., Seguendo le tendenze della letteratura devozionale, questa si sviluppò nel Tardo Medioevo, dove alcune sculture lignee dipinte in particolare si allontanarono nel grottesco nel raffigurare Cristo coperto di ferite e sangue, con l’intento di stimolare lo spettatore a meditare sulla sofferenza che Cristo aveva subito a suo favore. Questi sono stati particolarmente trovati in Germania e in Europa centrale. Dopo la diminuzione nel Rinascimento, opere simili riapparvero nel barocco, specialmente nella scultura spagnola.,

I teorici del Rinascimento aprirono un dibattito, che sarebbe durato diversi secoli, sul corretto equilibrio tra l’arte del disegno dall’osservazione della natura e dalle forme idealizzate, tipicamente quelle che si trovano nei modelli classici, o nell’opera di altri artisti in generale. Tutti hanno ammesso l’importanza del naturale, ma molti credevano che dovrebbe essere idealizzato in vari gradi per includere solo il bello. Leonardo da Vinci era colui che sosteneva lo studio puro della natura e desiderava rappresentare l’intera gamma di singole varietà di forme nella figura umana e in altre cose., Leon Battista Alberti è stato uno dei primi idealizzatore, sottolineando il tipico, con altri come Michelangelo sostenere la selezione dei più belli – ha rifiutato di fare ritratti per questo motivo.

Nel 17 ° secolo, il dibattito è continuato, in Italia solitamente incentrata sul contrasto tra il relativo “classica-idealismo” dei Carracci e il “naturalista” stile dei Caravaggisti, o seguaci di Caravaggio, che ha dipinto scene religiose come se impostato nelle strade di contemporanea città italiane, e utilizzato “naturalista”, come auto-descrizione. Bellori, scrivendo alcuni decenni dopo la morte prematura di Caravaggio, e nessun sostenitore del suo stile, si riferisce a “Coloro che si gloriano in nome dei naturalisti” (naturalisti).,

Nel 19 ° secolo “Naturalismo” o il “Naturalista” la scuola è stato un po ‘ artificialmente costruito come un termine che rappresenta una fuga sub-movimento del Realismo, che ha tentato (non del tutto correttamente) per distinguersi dai suoi genitori con la sua scanso di politica e problemi sociali, e gli piaceva proclamare un quasi-scientifica di base, giocando sul senso di “naturalista” come studente di storia Naturale, come le scienze biologiche sono quindi generalmente noto., L’ideatore del termine fu il critico d’arte francese Jules-Antoine Castagnary, che nel 1863 annunciò che: “La scuola naturalista dichiara che l’arte è l’espressione della vita in tutte le fasi e a tutti i livelli, e che il suo unico scopo è riprodurre la natura portandola alla sua massima potenza e intensità: è verità in equilibrio con la scienza”. Émile Zola ha adottato il termine con una simile enfasi scientifica per i suoi obiettivi nel romanzo., Molto pittura naturalista coperto una gamma simile di materia come quella di impressionismo, ma utilizzando più stretto, stili di pennellata più tradizionali, e in paesaggi spesso con tempo più cupo.

Il termine “continuò ad essere usato indiscriminatamente per vari tipi di realismo” per diversi decenni, spesso come termine catch-all per l’arte che era al di fuori dell’impressionismo e dei successivi movimenti del modernismo e non era anche arte accademica., I periodi successivi della Scuola Barbizon francese e la scuola di Düsseldorf di pittura, con i suoi studenti provenienti da molti paesi, e nel 20 ° secolo regionalismo americano sono movimenti che sono spesso anche descritto come “Naturalista”, anche se il termine è raramente usato della pittura britannica. Alcuni storici dell’arte recenti hanno approfondito la confusione sostenendo Courbet o gli impressionisti per l’etichetta.,5″>

Jean-François Raffaëlli, Periferia di Parigi, 1880

William Bliss Baker, American pittore Naturalista, Caduto Monarchi, 1886

Pekka Halonen, finlandese, Naturalista, Pionieri in Carelia, 1900

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