Vibrato (Norsk)

Den påståtte vekst av vibrato i det 20. århundre orkester spiller har blitt sporet av Norrington ved å studere tidlig lydopptak men hans motstandere hevder at hans tolkninger er ikke støttes av den faktiske eksempler. Norrington hevder at vibrato i de tidligste innspillinger er kun brukes selektivt, som en ekspressiv enhet; Berlin Philharmonic Orchestra ble ikke tatt opp ved bruk av vibrato sammenlignes med moderne vibrato til 1935, og Wien Filharmoniske Orkester ikke før 1940., Fransk orkestre synes å ha spilt med kontinuerlig vibrato noe tidligere, fra 1920-tallet.

Forsvarere av vibrato hevder at sonic begrensninger av 78-rpm-opptak, særlig med hensyn til å overtoner og høy frekvens informasjon, gjøre en uncontroversial vurdering av tidligere spiller teknikker vanskelig (selv om det må sies å være tidlig opptak av opera sangere klarer å tydelig vise i hvilken grad en vibrato er til stede i sine stemmer)., I tillegg forsvarere av vibrato peke på et skille må gjøres mellom den slags vibrato som brukes av en solo spilleren, og seksjons vibrato av et helt strykeorkester, som ikke høres ut som en jevn mengde som sådan. Snarere, det manifesterer seg i form av varme og amplituden til den lyden som produseres, i motsetning til en merkbar vaklende av banen. Det faktum at så tidlig som på 1880-tallet komponister som Richard Strauss (i sin tone dikt «Don Juan» og «Døden og Transfigurasjon»), så vel som Camille Saint-Saëns (Symfoni Nr., 3 «Organ») spurte string spillere til å utføre visse avsnitt «uten uttrykket» eller «uten nuance» noe som antyder generell bruk av vibrato i orkesteret som en selvfølge; av samme token, indikasjoner av Mahler og Debussy som spesifikt krever bruk av vibrato i enkelte passasjer kan tyde på det motsatte i praksis.

til Tross for dette, bruk av vibrato i slutten av Romantisk musikk er fortsatt vanlig, selv om utfordret av Roger Norrington og andre av historisk informert ytelse bevegelse., Forestillinger av komponister fra Beethoven til Arnold Schoenberg med begrenset vibrato er nå vanlig. Norrington skapte kontrovers i løpet av 2008 Proms sesongen ved å gjennomføre Edward Elgar»s Enigma-Variasjoner, og den Siste Night of the Proms, i ikke-vibrato stil, som han kaller ren tone. Noen tar den oppfatning at selv om det kanskje ikke være det som komponist seg, vibrato legger til en emosjonell dybde som forbedrer lyden av musikk. Andre føler at slankere lyden av vibratoless å spille er å foretrekke., I det 20. århundre klassisk musikk, skrevet på et tidspunkt da bruk av vibrato ble utbredt, det er noen ganger en spesifikk instruksjoner ikke for å bruke den (i noen av strykekvartetter av Bela Bartok for eksempel). Videre, noen moderne klassiske komponister, spesielt minimalistisk komponister, er mot bruk av vibrato til alle tider.

I operaEdit

Alle menneskestemmer kan produsere vibrato. Dette vibrato kan varieres i bredden (og hurtighet) gjennom trening.,I opera, i motsetning til pop, vibrato begynner i starten av notatet og fortsetter til slutten av notatet, med noen små variasjoner i bredde under notatet.

Tradisjonelt, men bevisst dyrking av et spesielt stort, vidt utbredt vibrato av opera sangere fra de latinske landene har blitt fordømt av engelsk-talende musikk-kritikere og pedagogene som en teknisk feil og en stilistisk blot (se Scott, som er sitert nedenfor, Bind 1, s. 123-127)., De har forventet vokalister til å slippe ut en ren, jevn strøm av klar lyd — uavhengig av om de sang i kirken, på konsert plattform, eller på den operatiske scenen.

i Løpet av det 19. århundre, for eksempel, New York og London basert kritikere, inkludert Henry Chorley, Herman Klein, og George Bernard Shaw, kritisert en rekke besøk Middelhavet tenorer for å ty til en overdreven, stadig pulserende vibrato i løpet av sine forestillinger. Shaw kalt den verste lovbrytere «geit bleaters» i sin bok Music i London 1890-1894 (Constable, London, 1932)., Blant de kritisert for denne svakheten var slik feiret tall som Enrico Tamberlik, Julian Gayarre, Roberto Stagno, Italo Campanini og Ernesto Nicolini—for ikke å nevne Fernando Valero og Fernando De Lucia, som skjelvende toner er bevart på den 78 rpm-plater som de gjorde på begynnelsen av det 20. århundre.,

populariteten av et overdrevet vibrato blant mange (men ikke alle) Middelhavet tenorer og sang lærere av denne perioden har blitt sporet tilbake av musikkforskere til den innflytelsesrike eksempel satt av tidlig 19. århundre virtuos vokalist Giovanni Battista Rubini (1794-1854). Rubini hadde latt det med stor suksess som en som påvirker enhet i den nye Romantiske operaer av Gaetano Donizetti og Vincenzo Bellini., En rekke unge italienske tenorer—inkludert det berømte Giovanni Matteo Mario (1810-1883) — kopiert Rubini»s trend-setting innovasjon for å øke den emosjonelle virkningen av musikk som de sang, og for å lette levering av fioritura «av, som det var, kjører opp og ned vibrato» (for å sitere Scott; se p. 126).,

Før ankomsten av den karismatiske Rubini, hver godt skolert operasanger hadde unngått å bruke et tydelig og kontinuerlig vibrato, fordi, ifølge Scott, det varierte tonehøyden som blir sunget til en uakseptabel grad, og det ble ansett for å være en kunstig contrivance fremkommer fra utilstrekkelig pust kontroll. Britiske og nordamerikanske trykk kommentatorer og sang lærere fortsatte å abonnere på denne visningen lenge etter Rubini hadde kommet og gått.,

Følgelig, når Enrico Caruso (1873-1921) — den mest kopierte Middelhavet er hovedinnholdet i det 20. århundre — laget sin kritikerroste New York Metropolitan Opera debut i November 1903, en av de spesifikke vokal attributter som han ble hyllet av musikk anmeldere var fraværet av et forstyrrende vibrato fra sin sang. Den vitenskapelige kritikeren William James Henderson skrev i avisen Sun, for eksempel, at Caruso «har en ren tenor -, tale-og er uten den typiske italienske breke». Caruso»s grammofon opptak støtte Henderson»s vurdering., (Andre fremtredende Middelhavet tenorer på slutten av det 19. århundre til begynnelsen av det 20. århundre som, i likhet Caruso, ikke «breke» var Angelo Masini, Francesco Tamagno, Francesco Marconi, Francisco Viñas, Emilio De Marchi, Giuseppe Borgatti og Giovanni Zenatello, mens fenomenet var sjelden blant fransk, tysk, russisk og Anglo-Saxon tenorer i samme periode—se Scott.)

tilsiktet bruk av en uttalt vibrato ved Middelhavet tenorer er en praksis som har dødd ut i løpet av de siste 100 år, på grunn av at i ikke liten grad å Caruso»s eksempel., Den siste veldig viktig utøvere av denne stil og metode for å synge var Alessandro Bonci (i perioden 1900-1925) og Giacomo Lauri-Volpi (i perioden 1920-1950). Begge omtalt bel canto fungerer, som stammer fra Rubini»s dag, i sin opera repertoires, og begge kan bli hørt på opptakene som trofast fange opp de forskjellige skimmer iboende i deres klang.

italienske eller spanske-utdannet operasanger sopraner, mezzo-sopraner, og barytoner viser en tydelig vibrato ikke unnslippe streng kritikk, enten ved Britiske og nordamerikanske arbiters av god sang., Faktisk, Adelina Patti og Luisa Tetrazzini var den eneste italienske sopraner å nyte stjerners status i London og New York på slutten av Viktoriansk og Edwardian epoker, mens velkjente likesinnede og coevals av dem som Gemma Bellincioni og Eugenia Burzio (blant mange andre) ikke klarte å ta Anglophones» ører fordi, i motsetning til Patti og Tetrazzini, de hadde ustø, vibrato-laden stemmer—se Scott for evalueringer av sine respektive teknikker., For å gi en ekstra kvinnelige eksempel fra et senere tidspunkt, når den livlige mezzo-sopran av 1920-tallet og «30-årene, Conchita Supervía, utført i London, hun var formante på skriv ut for hennes meget levende og fluttery tone, som var sjofelt sammenlignet med hennes kritikere til skravling av et maskingevær eller rangle av terningene i en kopp.,

I 1883, Giuseppe Kaschmann (né Josip Kašman) — en rektor baryton på La Scala, Milano—ble kritisert for sin sterke vibrato når han sang på Met, og teateret»s ledelsen ikke re-engasjere ham for neste sesong, selv om andre aspekter av hans sang ble beundret. (Kaschmann aldri utført i Storbritannia, men han forble en populær artist i de latinske landene i flere tiår; i 1903, og han gjorde noen opptak som viser bare altfor godt at evigvarende flagre.,) På samme måte, en annen av Italia»s ledende barytoner, Riccardo Stracciari, var ikke i stand til å slå sin pre-World War i London og New York operasanger engasjementer inn entydig triumfer på grunn av en påtrengende skjelve i sin tone. Han har senere moderert sin vibrato, som plater som han laget for Columbia Records i 1917-1925 vis, og dette gjorde ham i stand til å utøve en betydelig karriere, ikke bare i sitt hjemland, men også i Chicago opera.,

Det er en annen type vibrato-koblet feil som kan plage stemmer operasanger kunstnere, spesielt aldring seg—nemlig sakte, ofte uregelmessig vingle produsert når sangeren»s vibrato har løsnet fra virkninger av tvang, over-avskjed, eller ren slitasje på kroppen forårsaket av stress av en lang etappe karriere.,

Referanser: hvis du ønsker mer informasjon om den historiske bruken av vibrato av klassisk vokalister, se Michael Scott»s to-volum undersøkelse for Opptak av Sang (publisert av Gundersen, London, i 1977 og 1979); John Potter»s Tenor: Historien om en Stemme (Yale University Press, New Haven & London, 2009), og Herman Klein»s 30 År of Music i London (- Tallet, New York, 1903).

I jazzEdit

de Fleste jazz spillere for første halvdel av det 20. århundre brukt vibrato mer eller mindre kontinuerlig. Siden rundt 1950-tallet og fremveksten av bebop, kontinuerlig bruk av vibrato har i stor grad falt ut av stilen i favør av mer selektiv bruk.

I folkEdit

Folkemusikk sangere og instrumentalister i den Nord-Amerikanske og Vest-Europeiske tradisjoner sjelden bruker, vibrato, reservere det for annen ornamentikk., Det også en tendens til å bli brukt av utøvere av avskrifter eller reworkings av folkemusikk som har blitt laget av komponister fra en klassisk musikk-skole bakgrunn som Benjamin Britten eller Percy Grainger. Vibrato av varierende bredder og hastigheter kan bli brukt i folkemusikk-tradisjoner fra andre regioner, som for eksempel Øst-Europa, Balkan, midtøsten, Øst-Asia, eller India.

I popEdit

I pop (i motsetning til opera), uferdig og starter vanligvis et sted i siste del av notatet.,I tilfelle av noen pop balladists, uferdig og kan være så stort som å utgjøre en uttalt vingle, men ikke så uttalt som som finnes i opera stemmer. Mange sangere bruk pitch-korreksjon programvare som effekten kan bli redusert eller eliminert.