Historia sztuki oś czasu: ruchy Sztuki Zachodniej i ich wpływ

fundamentem historii sztuki można prześledzić dziesiątki tysięcy lat, kiedy starożytne cywilizacje wykorzystywały dostępne techniki i media, aby przedstawić kulturowo istotne tematy. Od tych wczesnych przykładów podąża mnóstwo ruchów artystycznych, z których każdy ma swoje własne style i cechy, które odzwierciedlają polityczne i społeczne wpływy okresu, z którego się wyłoniły.,

wpływowe gatunki sztuki od renesansu do rozwoju modernizmu bez wątpienia odcisnęły swoje piętno na historii. Wielu artystów, takich jak Banksy, Kerry James Marshall, Mickalene Thomas i Kehinde Wiley, konsekwentnie wprowadza historyczne odniesienia do dzieł współczesnych, zrozumienie historycznego kontekstu i znaczenia każdego okresu i ruchu jest krytyczne zarówno dla kolekcjonerów, jak i entuzjastów sztuki., Poniżej znajduje się obszerna oś czasu ruchów artystycznych, która bada cechy, czołowych współtwórców i ważnych wpływów każdego znaczącego okresu w historii sztuki zachodniej.

sztuka prehistoryczna (~40.000–4.000 p. n. e.,C.)

początki historii sztuki sięgają czasów prehistorycznych, zanim prowadzono zapisy pisemne. Najwcześniejsze artefakty pochodzą z epoki paleolitu lub starej epoki kamienia, w postaci rzeźb w skale, rycin, obrazów, rzeźb i układów kamiennych.

sztuka z tego okresu opierała się na wykorzystaniu naturalnych pigmentów i kamiennych rzeźb do tworzenia przedstawień przedmiotów, zwierząt i rytuałów, które rządziły egzystencją cywilizacji. Jednym z najbardziej znanych przykładów jest paleolityczne malowidła jaskiniowe Znalezione w złożonych jaskiniach Lascaux we Francji., Choć Odkryte w 1940 roku, szacuje się, że mają nawet 20 000 lat i przedstawiają duże zwierzęta i roślinność z tego obszaru.

Sztuka Starożytna (4000 p. n. e.–400 p. n. e.)

Sztuka Starożytna została wyprodukowana przez zaawansowane cywilizacje, które w tym przypadku odnoszą się do tych z ustalonym językiem pisanym. Cywilizacje te obejmowały Mezopotamię, Egipt, Grecję i te z obu Ameryk.,

medium dzieła sztuki z tego okresu różni się w zależności od cywilizacji, która je wyprodukowała, ale większość sztuki służyła podobnym celom: opowiadać historie, dekorować przedmioty użytkowe, takie jak misy i broń, wyświetlać obrazy religijne i symboliczne oraz demonstrować status społeczny. Wiele dzieł przedstawia historie władców, bogów i bogiń.

jednym z najbardziej znanych dzieł ze starożytnej Mezopotamii jest Kodeks Hammurabiego. Utworzony około 1792 p. n. e.,, utwór nosi Babiloński zestaw praw wyrzeźbiony w kamieniu, ozdobiony wizerunkiem króla Hammurabiego-szóstego Króla Babilonii – i mezopotamskiego boga Szabasza.

Sztuka średniowieczna (500-1400)

Średniowiecze, często określane jako „wieki ciemne”, oznaczało okres pogorszenia gospodarczego i kulturowego po upadku Cesarstwa Rzymskiego w 476 r. n. e., Większość prac wykonanych we wczesnych latach tego okresu odzwierciedla tę ciemność, charakteryzującą się groteskowymi obrazami i brutalną scenerią. Sztuka tworzona w tym czasie skupiała się wokół kościoła. W miarę upływu pierwszego tysiąclecia pojawiły się bardziej wyrafinowane i misternie zdobione kościoły; okna i sylwetki ozdobiono wątkami biblijnymi i scenami z klasycznej mitologii.

okres ten był również odpowiedzialny za powstanie iluminowanego manuskryptu i stylu architektury gotyckiej., Do najważniejszych przykładów wpływowej sztuki z tego okresu należą katakumby w Rzymie, Hagia Sophia w Stambule, Ewangelie Lindisfarne, jeden z najbardziej znanych przykładów iluminowanego manuskryptu, i Notre Dame, Paryska katedra i wybitny przykład architektury gotyckiej.

Sztuka renesansu (1400-1600)

Ten styl malarstwa, rzeźby i sztuki dekoracyjnej charakteryzował się naciskiem na naturę i indywidualizm, myśl człowieka jako niezależnego i samodzielnego. Chociaż ideały te były obecne w późnym średniowieczu, rozkwitły w XV i XVI wieku, równolegle do przemian społecznych i gospodarczych, takich jak sekularyzacja.

Renesans osiągnął swój szczyt we Florencji we Włoszech, w dużej mierze dzięki Medici, bogatej rodzinie kupieckiej, która stanowczo wspierała sztukę i humanizm, różne przekonania i filozofie, które kładą nacisk na ludzką sferę., Głównymi innowatorami w tym okresie byli Włoski Projektant Filippo Brunelleschi i rzeźbiarz Donatello.

wysoki Renesans, który trwał od 1490 do 1527 roku, wyprodukował wpływowych artystów, takich jak da Vinci, Michał Anioł i Rafał, z których każdy przyniósł twórczą moc i głosił ideały emocjonalnej ekspresji. Sztuka przez cały okres renesansu charakteryzowała się realizmem, dbałością o szczegóły i precyzyjnym studiowaniem ludzkiej anatomii. Artyści wykorzystywali linearną perspektywę i tworzyli głębię poprzez intensywne oświetlenie i cieniowanie., Sztuka zaczęła się zmieniać stylistycznie wkrótce po Wielkim renesansie, gdy starcia między wiarą chrześcijańską a humanizmem ustąpiły miejsca Manieryzmowi.

Manieryzm (1527-1580)

artyści Manierystyczni wyrosli z ideałów Michała Anioła, Rafaela i innych artystów późnego renesansu, ale ich skupienie na stylu i technice przeważało nad znaczeniem tematu., Często postacie miały wdzięczne, wydłużone kończyny, małe głowy, stylizowane rysy i przesadzone detale. W ten sposób powstały bardziej złożone, stylizowane kompozycje, zamiast opierać się na klasycznych ideałach harmonijnej kompozycji i linearnej perspektywie stosowanych przez ich renesansowych poprzedników.

do najbardziej znanych artystów manierystycznych należą Giorgio Vasari, Francesco Salviati, Domenico Beccafumi i Bronzino, który jest powszechnie uważany za najważniejszego malarza manierystycznego we Florencji w jego czasach.,

Barok (1600-1750)

okres baroku, który nastał po Manieryzmie, zaowocował ozdobnymi, ponadczasowymi sztukami wizualnymi i architekturą. Charakteryzował się wielkością i bogactwem, przerywanym zainteresowaniem poszerzaniem ludzkiego intelektu i globalnymi odkryciami. Artyści barokowi byli skomplikowani stylistycznie.,

obrazy barokowe charakteryzowały się dramatem, co widać w kultowych dziełach włoskiego malarza Caravaggia i holenderskiego malarza Rembrandta. Malarze używali intensywnego kontrastu między światłem a ciemnością i mieli energetyczne kompozycje dopasowane do bogatej palety kolorów.

Rococo (1699-1780)

Rokoko powstało w Paryżu, obejmując sztukę dekoracyjną, malarstwo, architekturę i rzeźbę., Estetyka oferowała łagodniejszy Styl Sztuki Dekoracyjnej w porównaniu z żywiołowością baroku. Rococo charakteryzuje się lekkością i elegancją, koncentrując się na wykorzystaniu naturalnych form, asymetrycznym wzornictwie i subtelnych kolorach.

Malarze tacy jak Antoine Watteau i Francois Boucher stosowali beztroskie zabiegi, bogatą pracę pędzla i świeże kolory. Styl rokokowy łatwo przetłumaczyć również na srebro, porcelanę i meble francuskie. Wiele krzeseł i armoires cechowało się zakrzywionymi formami, kwiatowymi wzorami i wyrazistym użyciem złocenia.,

neoklasycyzm (1750-1850)

jak sama nazwa wskazuje, okres neoklasyczny czerpał z elementów z antyku klasycznego. Archeologiczne ruiny starożytnych cywilizacji w Atenach i Neapolu, które zostały odkryte w tym czasie, ponownie zapaliły pasję do wszystkich rzeczy przeszłości, a artyści starali się odtworzyć wielkie dzieła sztuki starożytnej. Przełożyło się to na ponowne zainteresowanie klasycznymi ideałami harmonii, prostoty i proporcji.,

artyści Neoklasyczni byli pod wpływem elementów klasycznych, w szczególności skupienia się na idealizmie. Nieuchronnie w swoich pracach włączali także współczesne, istotne historycznie przedstawienia. Na przykład włoski rzeźbiarz Antonio Canova czerpał z klasycznych elementów w swoich marmurowych rzeźbach, ale unikał zimnej sztuczności, która była reprezentowana w wielu z tych wczesnych dzieł.

romantyzm (1780-1850)

romantyzm uosabia szeroki zakres dyscyplin, od malarstwa przez muzykę po literaturę. Ideały obecne w każdej z tych form sztuki odrzucają porządek, harmonię i racjonalność, które zostały przyjęte zarówno w sztuce klasycznej, jak i Neoklasycyzmie. Zamiast tego artyści romantyczni podkreślali indywidualność i wyobraźnię. Innym wyznaczającym ideałem romantycznym było uznanie dla natury, wielu zwracało się ku malarstwu plenerowemu, które wyprowadzało artystów z ciemnych wnętrz i umożliwiało im Malowanie Na Zewnątrz. Artyści skupiali się także na pasji, emocjach i uczuciach ponad intelektem i rozumem.,

wybitni malarze romantyczni to Henry Fuseli, który tworzył dziwne, makabryczne obrazy, które eksplorowały mroczne zakamarki ludzkiej psychologii, i William Blake, którego tajemnicze wiersze i obrazy przekazywały mistyczne wizje i rozczarowanie ograniczeniami społecznymi.

Realizm (1848-1900)

prawdopodobnie pierwszy ruch Sztuki Nowoczesnej, Realizm, rozpoczął się we Francji w 1840 roku., Realizm był wynikiem wielu wydarzeń: ruchu antyromantycznego w Niemczech, rozwoju Dziennikarstwa i pojawienia się fotografii. Każde z nich zainspirowało nowe zainteresowanie trafnym uwiecznianiem codzienności. Ta dbałość o dokładność jest widoczna w sztuce powstałej w trakcie ruchu, w której przedstawiano szczegółowe, przypominające życie przedstawienia tematu.

jednym z najbardziej wpływowych przywódców ruchu realistycznego jest Gustave Courbet, francuski artysta, który malował tylko to, co mógł zobaczyć fizycznie.,

Secesja (1890-1910)

Secesja, która tłumaczy się jako „nowa sztuka”, próbowała stworzyć całkowicie autentyczny ruch wolny od wszelkich imitacji stylów, które go poprzedzały. Ruch ten wywarł duży wpływ na sztukę użytkową, grafikę i ilustrację. Skupiła się na świecie przyrody, charakteryzującym się długimi, falistymi liniami i krzywiznami.,

wpływowi artyści secesji pracowali w różnych mediach, w tym w architekturze, grafice i projektowaniu wnętrz, jubilerstwie i malarstwie. Czechosłowacki grafik Alphonse Mucha jest najbardziej znany ze swoich plakatów teatralnych francuskiej aktorki Sarah Bernhardt. Hiszpański architekt i rzeźbiarz Antoni Gaudi wykraczał poza skupianie się na liniach, aby stworzyć zakrzywione, jaskrawe konstrukcje, takie jak Bazylika Sagrada Familia w Barcelonie.

Impresjonizm (1865-1885)

malarze impresjoniści starali się uchwycić natychmiastowe wrażenie konkretnej chwili. Charakteryzował się krótkimi, szybkimi pociągnięciami pędzla i niedokończonym, przypominającym szkic rysunkiem. Impresjoniści posługiwali się współczesnym życiem, malując sytuacje takie jak sale taneczne i regaty żaglowców, a nie Wydarzenia historyczne i mitologiczne.

Claude Monet, francuski artysta, który stał na czele idei wyrażania własnej percepcji przed naturą, jest praktycznie synonimem ruchu impresjonistycznego., Do jego najważniejszych prac należą: staw lilii wodnej (1899), kobieta z parasolem (1875) i Impresja, wschód słońca (1872), od którego pochodzi nazwa samego ruchu.

postimpresjonizm (1885-1910)

malarze Postimpresjonistyczni pracowali samodzielnie, a nie jako grupa, ale każdy wpływowy malarz Postimpresjonistyczny miał podobne ideały., Koncentrowały się raczej na subiektywnych wizjach i symbolicznych, osobistych znaczeniach niż na obserwacjach świata zewnętrznego. Było to często osiągane poprzez formy abstrakcyjne.

Malarze Postimpresjonistyczni to Georges Seurat, znany ze swojej techniki punktualistycznej, która wykorzystywała małe, wyraźne kropki do tworzenia obrazu. Vincent van Gogh jest również uważany za malarza postimpresjonistycznego, poszukującego osobistej ekspresji poprzez swoją sztukę, często poprzez szorstkie pociągnięcia pędzlem i ciemne odcienie.,

Fauvism (1900-1935)

prowadzony przez Henri Matisse, Fowizm zbudowany na przykładach Vincenta van Gogha i George ' a Seurata. Jako pierwszy awangardowy, XX-wieczny ruch, styl ten charakteryzował się ekspresyjnym wykorzystaniem intensywnych kolorów, linii i pędzla, śmiałym wyczuciem powierzchni i płaską kompozycją.,

jak widać w wielu pracach samego Matisse ' a, oddzielenie koloru od jego opisowego, reprezentacyjnego celu było jednym z podstawowych elementów, które ukształtowały ten ruch. Fowizm był ważnym prekursorem kubizmu i ekspresjonizmu.

Ekspresjonizm (1905-1920)

Ekspresjonizm pojawił się jako odpowiedź na coraz bardziej sprzeczne poglądy na świat i utratę duchowości., Sztuka ekspresjonistyczna starała się czerpać z wnętrza artysty, wykorzystując zniekształcenie formy i mocne kolory, aby ukazać niepokoje i surowe emocje. Malarze ekspresjonistyczni, w poszukiwaniu autentyczności, szukali inspiracji poza sztuką Zachodnią i odwiedzali muzea etnograficzne, aby powrócić do rodzimych tradycji ludowych i sztuki plemiennej.

korzenie ekspresjonizmu sięgają Vincenta van Gogha, Edvarda Muncha i Jamesa Ensora. Prominentne grupy, w tym Die Brücke (Most) i Der Blaue Reiter (Niebieski jeździec), utworzyły się, aby artyści mogli publikować prace i wspólnie wyrażać swoje ideały.,

Kubizm (1907-1914)

Kubizm został założony przez Pabla Picassa i Georges 'a Braque' a, którzy odrzucili koncepcję, że sztuka powinna kopiować naturę. Odeszli od tradycyjnych technik i perspektyw, zamiast tego tworzyli radykalnie rozdrobnione obiekty poprzez abstrakcję. Wiele prac malarzy kubistycznych charakteryzuje się płaskimi, dwuwymiarowymi powierzchniami, geometrycznymi formami lub” sześcianami ” przedmiotów oraz wieloma punktami widokowymi., Często ich obiekty nie były nawet dostrzegalne.

Surrealizm (1916-1950)

Surrealizm wyłonił się z ruchu Dada art w 1916 roku, prezentując dzieła sztuki, które sprzeciwiały się rozumowi. Surrealiści potępili racjonalistyczny sposób myślenia. Obwiniali ten proces myślowy o wydarzeniach takich jak I wojna światowa i wierzyli, że tłumią pomysłowe myśli., Surrealiści byli pod wpływem Karola Marksa i teorii opracowanych przez Sigmunda Freuda, który badał psychoanalizę i siłę wyobraźni.

wpływowi artyści Surrealistyczni, tacy jak Salvador Dalí, wykorzystywali nieświadomy umysł, aby przedstawiać objawienia znalezione na ulicy i w życiu codziennym. W szczególności obrazy Dali łączą żywe i dziwaczne sny z historyczną dokładnością.

Ekspresjonizm abstrakcyjny (lata 40.-50.)

ukształtowany przez dziedzictwo surrealizmu, Ekspresjonizm abstrakcyjny pojawił się w Nowym Jorku po II wojnie światowej. Jest często określany jako New York School lub action painting., Ci malarze i abstrakcyjni rzeźbiarze oderwali się od tego, co uważano za konwencjonalne, a zamiast tego wykorzystali spontaniczność i improwizację do tworzenia abstrakcyjnych dzieł sztuki. Wśród nich znalazły się dzieła kolosalnie skalowane, których wielkość nie mogła być już dostosowana do sztalugi. Zamiast tego płótna umieszczano bezpośrednio na podłodze.

znani abstrakcyjni malarze Ekspresjonistyczni to Jackson Pollock, znany ze swojego unikalnego stylu malarstwa kroplowego i Mark Rothko, którego obrazy wykorzystywały duże bloki kolorów, aby przekazać poczucie duchowości.,

Op Art (1950–1960)

ruch Op art (skrót od „Optic” art) zapoczątkowany przez le Mouvement, wystawę grupową w Galerie Denise Rene w 1955 roku. Artyści aktywni w tym stylu używali kształtów, kolorów i wzorów do tworzenia obrazów, które wydawały się poruszać lub rozmywać, często produkowane w czerni i bieli dla maksymalnego kontrastu. Te abstrakcyjne wzory miały na celu zarówno zmylić, jak i pobudzić oko.,

angielska artystka Bridget Riley jest jedną z najwybitniejszych praktykujących sztukę Op. Jej praca z 1964 roku Blaze zawiera zygzakowate czarno-białe linie, które tworzą iluzję okrągłego przyzwoitości.

Pop Art (1950–1960)

Pop art jest jednym z najbardziej rozpoznawalnych osiągnięć artystycznych XX wieku., Ruch odszedł od metod stosowanych w Ekspresjonizmie abstrakcyjnym, a zamiast tego używał codziennych, przyziemnych przedmiotów do tworzenia innowacyjnych dzieł sztuki, które kwestionowały konsumpcjonizm i mass media. To wprowadzenie do identyfikowalnych obrazów było przesunięciem z kierunku modernizmu.

artyści Popowi, tacy jak Andy Warhol i Roy Lichtenstein, starali się stworzyć ideę, że sztuka może czerpać z dowolnego źródła i nie ma hierarchii kultury, która by to zakłóciła. Być może najbardziej znanym dziełem popkultury jest produkcja puszek z zupą Warhola Campbell ' s.,

Arte Povera (lata 60.)

tłumacząc dosłownie na „słabą sztukę”, Arte Povera zakwestionował modernistyczne, współczesne systemy, wprowadzając w kreacje zwykłe materiały. Artyści użyli ziemi, skał, papieru, liny i innych elementów ziemnych, aby przywołać sentyment przedindustrialny. Z tego powodu wiele ważnych prac w tym ruchu ma charakter rzeźbiarski.

włoski artysta Mario Merz, we współpracy z innymi włoskimi artystami, takimi jak Giovanni Anselmo i Alighiero Boetti, tworzył antyelitarystyczne prace, czerpiąc z materiałów z życia codziennego., Jego Igloo z 1968 roku, jedno z tego, co wkrótce stało się jego charakterystyczną serią Igloo, skupiło się na jego zajęciach związanych z potrzebami życia: schronieniem, ciepłem i jedzeniem.

minimalizm (lata 60. -70.)

ruch minimalistyczny pojawił się w Nowym Jorku, gdy grupa młodszych artystów zaczęła kwestionować zbyt ekspresyjne prace abstrakcyjnych ekspresjonistów. Sztuka minimalistyczna skupiła się natomiast na anonimowości, zwracając uwagę na materialność dzieł., Artyści namawiali widza do skupienia się na tym, co jest przed nimi, zamiast rysować paralele do zewnętrznych rzeczywistości i emocjonalnych myśli za pomocą oczyszczonych form, porządku, prostoty i harmonii.

amerykański artysta Frank Stella był jednym z pierwszych naśladowców minimalizmu, produkując obrazy niereprezentacyjne, jak widać w jego czarnych obrazach ukończonych w latach 1958-1960. Każdy z nich ma wzór prostoliniowych pasków o jednolitej szerokości wydrukowanych metalicznym czarnym tuszem.,

Sztuka konceptualna (lata 60.–70.)

Sztuka konceptualna całkowicie odrzuciła poprzednie ruchy artystyczne, a artyści cenili idee ponad elementy wizualne, tworząc sztukę w formie performansów, efemery i innych form. Aktywna Poezja polskiej performerki Ewy Partum polegała na rozrzucaniu pojedynczych liter alfabetu po różnych krajobrazach. Amerykański artysta Joseph Kosuth badał produkcję i rolę języka w sztuce, co widać w jego 1965, One and Three Chairs. Reprezentuje w nim jedno krzesło na trzy różne sposoby, aby reprezentować różne znaczenia tego samego przedmiotu., Ponieważ ten rodzaj sztuki skupiał się na ideach i koncepcjach, nie było wyraźnego stylu ani formy.

Contemporary Art (1970-present)

lata siedemdziesiąte to początek sztuki współczesnej, która rozciąga się do dnia dzisiejszego. Okres ten jest zdominowany przez różne szkoły i mniejsze ruchy, które powstały.

• postmodernizm: w reakcji na Modernizm artyści tworzyli dzieła odzwierciedlające sceptycyzm, ironię i krytykę filozoficzną.
• Sztuka Feministyczna: ruch ten powstał jako próba przekształcenia stereotypów i przełamania modelu zdominowanej przez mężczyzn historii sztuki.,
• Neoekspresjonizm: artyści starali się ożywić oryginalne aspekty ekspresjonizmu i stworzyć wysoce teksturalne, ekspresyjne, duże dzieła.
• Street art: artyści tacy jak Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, Barry McGee, Banksy i inni tworzyli sztukę podobną do graffiti na powierzchniach w miejscach publicznych, takich jak chodniki, budynki i wiadukty.
• pokolenie obrazów: artyści Cindy Sherman, Louise Lawler, Gary Simmons i inni, którzy byli pod wpływem konceptualnej i Pop-artu eksperymentowali z rozpoznawalnymi obrazami, aby eksplorować obrazy kształtowały nasze postrzeganie świata.,
• Sztuka przywłaszczania: ruch ten skupiał się na wykorzystaniu obrazów w sztuce z niewielką transformacją od ich pierwotnej formy.
• Young British Artists (YBA): ta grupa londyńskich artystów była znana z chęci szokowania publiczności poprzez swoje obrazy i chęci przekraczania granic przyzwoitości. Są również znani ze swojego żywiołowego, przedsiębiorczego ducha.,
• Sztuka cyfrowa: pojawienie się aparatu nadało miejsce tej praktyce artystycznej, która pozwoliła artystom na wykorzystanie wlewu sztuki i technologii do tworzenia za pomocą mediów, takich jak Komputery, Oprogramowanie audio i wizualne, dźwięk i piksele.

Zobacz pełną infografikę

ruchy artystyczne w całej historii sztuki zachodniej oferowały szereg różnorodnych, wpływowych stylów, technik i mediów na całym świecie. Każdy ruch rzuca światło na Wyróżniające się malarstwo, rzeźbę, dorobek architektoniczny i inne wyróżniające dzieła., Zrozumienie osi czasu historii sztuki i tego, jak każdy okres wpłynął na późniejsze ruchy, ma kluczowe znaczenie dla budowania przemyślanej, spójnej kolekcji.

---