Vibrato (Polski)

domniemany rozwój vibrato w XX-wiecznej grze orkiestrowej został prześledzony przez Norringtona studiując wczesne nagrania audio, ale jego przeciwnicy twierdzą, że jego interpretacje nie są poparte prawdziwymi samplami. Norrington twierdzi, że vibrato we wczesnych nagraniach jest używane tylko selektywnie, jako urządzenie ekspresyjne; Berlińska Orkiestra Filharmoniczna nie była nagrywana przy użyciu vibrato porównywalnego do współczesnego vibrato aż do 1935 roku, a Wiedeńska Orkiestra Filharmoniczna dopiero w 1940 roku., Wydaje się, że francuskie orkiestry grały ciągłym vibrato nieco wcześniej, od lat 20.

obrońcy vibrato twierdzą, że ograniczenia dźwiękowe nagrań 78-obr. / min, szczególnie w odniesieniu do wydźwięków i informacji o wysokich częstotliwościach, utrudniają niekontrowersyjną ocenę wcześniejszych technik gry (choć, trzeba powiedzieć, wczesne nagrania śpiewaków operowych pokazują wyraźnie, w jakim stopniu vibrato jest obecne w ich głosach)., Ponadto obrońcy vibrato zwracają uwagę na rozróżnienie między rodzajem vibrato używanym przez solowca, a sekcyjnym vibrato całego zespołu strun, którego nie można usłyszeć jako takiej jednolitej ilości. Przejawia się raczej w cieple i amplitudzie wytwarzanego dźwięku, w przeciwieństwie do odczuwalnego wahania wysokości dźwięku. Fakt, że już w latach osiemdziesiątych XIX wieku Kompozytorzy tacy jak Richard Strauss (w swoich wierszach „Don Juan” i „śmierć i Przemienienie”), a także Camille Saint-Saëns (Symfonia nr 1)., 3″ Organ”) poproszenie smyczkowców o wykonanie pewnych fragmentów „bez ekspresji” lub „bez niuansów” w pewnym sensie sugeruje ogólne użycie vibrato w orkiestrze jako rzecz oczywistą; z tego samego powodu wskazania Mahlera i Debussy ' ego, które wyraźnie wymagają użycia vibrato w niektórych fragmentach, mogą sugerować odwrotną praktykę.

pomimo tego, użycie vibrato w późnoromantycznej muzyce jest nadal powszechne, choć zakwestionowane przez Rogera Norringtona i innych historycznie poinformowanych ruchów performatywnych., Utwory kompozytorów od Beethovena do Arnolda Schoenberga z ograniczonym vibrato są obecnie powszechne. Norrington wywołał kontrowersje podczas Sezonu Proms 2008, dyrygując wariacjami Enigma Edwarda Elgara i The Last Night of the Proms, w stylu non-vibrato, który nazywa czystym tonem. Niektórzy uważają, że choć może to nie być to, co kompozytor przewidział, vibrato dodaje emocjonalną głębię, która poprawia brzmienie muzyki. Inni uważają, że preferowany jest szczuplejszy dźwięk bez wibracji., W XX-wiecznej muzyce klasycznej, pisanej w czasach, gdy powszechne było stosowanie vibrato, czasami pojawia się specyficzna instrukcja, aby go nie używać (np. w niektórych kwartetach smyczkowych Béli Bartóka). Co więcej, niektórzy współcześni Kompozytorzy klasyczni, zwłaszcza Kompozytorzy minimalistyczni, są przeciwni używaniu vibrato przez cały czas.

w operaEdit

wszystkie głosy ludzkie mogą wytwarzać vibrato. Ten vibrato można zmieniać szerokość (i szybkość) poprzez trening.,W operze, w przeciwieństwie do popu, vibrato zaczyna się na początku nuty i kontynuuje do końca nuty z niewielkimi zmianami szerokości podczas nuty.

tradycyjnie jednak celowe Uprawianie szczególnie szerokiego, wszechobecnego vibrato przez śpiewaków operowych z krajów łacińskich zostało potępione przez anglojęzycznych krytyków muzycznych i pedagogów jako błąd techniczny i plama stylistyczna (Patrz Scott, cytowany poniżej, Tom 1, s. 123-127)., Oczekiwali oni, że wokaliści będą emitować czysty, stały strumień czystego dźwięku — niezależnie od tego, czy śpiewali w kościele, na platformie koncertowej, czy na scenie operowej.

w XIX wieku, na przykład, nowojorscy i londyńscy krytycy, w tym Henry Chorley, Herman Klein i George Bernard Shaw, zarzucali szereg odwiedzającym tenorów śródziemnomorskich, za uciekanie się do nadmiernego, stale pulsującego vibrato podczas ich występów. W swojej książce Music in London 1890-1894 (Constable, London, 1932) Shaw nazwał najgorszych przestępców „kozim bleaterem”., Wśród ocenzurowanych za to niepowodzenie znalazły się takie sławy jak Enrico Tamberlik, Julián Gayarre, Roberto Stagno, Italo Campanini i Ernesto Nicolini—nie wspominając już o Fernando Valero i Fernando De Lucia, których Drżące tony są zachowane na płytach 78-rpm, które wykonali na początku XX wieku.,

popularność przesadnego vibrato wśród wielu (ale nie wszystkich) śródziemnomorskich tenorów i nauczycieli śpiewu tej epoki została prześledzona przez muzykologów do wpływowego przykładu podanego przez początkowego XIX-wiecznego wirtuoza śpiewaka Giovanniego Battistę Rubiniego (1794-1854). Rubini z wielkim powodzeniem zastosował go jako urządzenie wpływające w operach new Romantic Gaetano Donizettiego i Vincenzo Belliniego., Wielu młodych włoskich tenorów — w tym słynny Giovanni Matteo Mario (1810-1883)-skopiowało innowację Rubiniego w celu zwiększenia emocjonalnego wpływu muzyki, którą śpiewali, i ułatwienia dostarczania fioritury”przez, jakby, bieganie w górę iw dół vibrato „(cytuję Scott; patrz s. 126).,

przed pojawieniem się charyzmatycznego Rubiniego, każdy dobrze wykształcony śpiewak operowy unikał używania rzucającego się w oczy i ciągłego vibrato, ponieważ, według Scotta, zmieniało ono ton śpiewanej nuty w niedopuszczalnym stopniu i było uważane za Sztuczną kontrybucję wynikającą z niedostatecznej kontroli oddechu. Brytyjscy i północnoamerykańscy komentatorzy prasowi i nauczyciele śpiewu kontynuowali ten pogląd długo po tym, jak Rubini przyszedł i odszedł.,

Kiedy Enrico Caruso (1873-1921) — najbardziej naśladowany śródziemnomorski tenor XX wieku-zadebiutował w listopadzie 1903 roku w New York Metropolitan Opera, jedną ze szczególnych cech wokalnych, za które był chwalony przez recenzentów muzycznych, był brak uciążliwego vibrato w jego śpiewie. Krytyk naukowy William James Henderson napisał na przykład w gazecie „The Sun”, że Caruso „ma czysty głos tenorowy i jest pozbawiony typowego włoskiego bleatu”. Nagrania gramofonowe Caruso wspierają ocenę Hendersona., (Inni wybitni Śródziemnomorscy tenorzy końca XIX wieku do początku XX wieku, którzy, podobnie jak Caruso, nie „bleat” byli Angelo Masini, Francesco Tamagno, Francesco Marconi, Francisco Viñas, Emilio De Marchi, Giuseppe Borgatti i Giovanni Zenatello, podczas gdy zjawisko to było rzadkie wśród francuskich, niemieckich, rosyjskich i anglosaskich tenorów tego samego okresu-patrz Scott.)

celowe użycie wymawianego vibrato przez śródziemnomorskich tenorów jest praktyką, która wygasła w ciągu ostatnich 100 lat, w dużej mierze dzięki przykładowi Caruso., Ostatnimi ważnymi praktykami tego stylu i metody śpiewu byli Alessandro Bonci (w latach 1900-1925) i Giacomo Lauri-Volpi (w latach 1920-1950). Oba utwory Bel canto, pochodzące z czasów Rubiniego, znalazły się w repertuarze operowym, a oba można usłyszeć na nagraniach, które wiernie oddają wyraźny blask związany z ich barwą.

włoskie lub hiszpańskie soprany operowe, mezzosopranowe i barytony wykazujące wyraźne vibrato również nie uniknęły nagany przez brytyjskich i północnoamerykańskich arbitrów dobrego śpiewu., Adelina Patti i Luisa Tetrazzini były jedynymi włoskimi sopranami, które cieszyły się statusem gwiazd w Londynie i Nowym Jorku w epokach późno wiktoriańskich i edwardiańskich, podczas gdy tak znani rodacy i ich współpracownicy, jak Gemma Bellincioni i Eugenia Burzio (wśród kilku innych), nie zadowalali uszu Anglofonów, ponieważ w przeciwieństwie do Patti i Tetrazzini, posiadali niestabilne, obciążone wibracjami głosy—Zobacz Scott, aby ocenić ich techniki., Aby dać dodatkowy przykład kobiety z późniejszej daty, za każdym razem, gdy żywiołowy mezzosopran z lat 20. i 30. Conchita Supervía występowała w Londynie, była upomniana drukiem za jej niezwykle żywy i trzepoczący ton, który był nieprzyzwoicie porównywany przez jej krytyków do paplaniny karabinu maszynowego lub grzechotki kości w kubku.,

w 1883 roku Giuseppe Kaschmann (né Josip Kašman) — główny baryton w La Scali w Mediolanie—został skrytykowany za silne vibrato, gdy śpiewał w Met, a kierownictwo teatru nie zatrudniło go ponownie na kolejny sezon, mimo że inne aspekty jego śpiewu były podziwiane. (Kaschmann nigdy nie występował w Wielkiej Brytanii, ale przez kilkadziesiąt lat pozostawał popularnym artystą w krajach łacińskich; w 1903 roku dokonał kilku nagrań, które zbyt dobrze pokazują jego nieustanne trzepotanie.,) Podobnie inny z czołowych włoskich barytonów, Riccardo Stracciari, nie był w stanie przekształcić swoich przedwojennych londyńskich i nowojorskich zaręczyn operowych w jednoznaczne triumfy z powodu natrętnego kołczanu w jego tonie. W latach 1917-1925 pracował w wytwórni płytowej Columbia Records, co umożliwiło mu kontynuowanie znaczącej kariery nie tylko w ojczyźnie, ale także w Chicago opera.,

istnieje jeszcze jeden rodzaj usterki związanej z wibracjami, która może dotykać głosy artystów operowych, zwłaszcza tych starzejących się-a mianowicie powolne, często nieregularne drgania, które powstają, gdy vibrato wokalistki rozluźnia się od skutków wymuszania, nadmiernego rozstania lub zwykłego zużycia ciała spowodowanego stresem długiej kariery scenicznej.,

odniesienia: aby uzyskać więcej informacji na temat historycznego zastosowania vibrato przez wokalistów klasycznych, zobacz dwutomową ankietę Michaela Scotta the Record of Singing (opublikowaną przez Duckworth w Londynie w 1977 i 1979); Tenor Johna Pottera: Historia głosu (Yale University Press, New Haven & Londyn, 2009); i 30 Years of Music Hermana Kleina w Londynie (Century, Nowy Jork, 2009).1903).

w jazzEdit

Większość jazzmanów w pierwszej połowie XX wieku używała vibrato mniej lub bardziej nieprzerwanie. Od około 1950 roku i rozwoju bebop, ciągłe stosowanie vibrato w dużej mierze wypadło z mody na rzecz bardziej selektywnego stosowania.

w folkEdit

śpiewacy i instrumentaliści w tradycjach północnoamerykańskich i zachodnioeuropejskich rzadko używają vibrato, rezerwując je do okazjonalnego zdobnictwa., Jest również często używany przez wykonawców transkrypcji lub przeróbek muzyki ludowej, które zostały wykonane przez kompozytorów z klasyki, szkoły muzycznej, takich jak Benjamin Britten czy Percy Grainger. Vibrato o różnych szerokościach i prędkościach może być stosowane w tradycjach muzyki ludowej z innych regionów, takich jak Europa Wschodnia, Bałkany, Bliski Wschód, Azja Wschodnia czy Indie.

w popEdit

w pop (w przeciwieństwie do opery), vibrato zwykle zaczyna się gdzieś w drugiej części nuty.,W przypadku niektórych balladystów popowych vibrato może być tak szerokie, że może stanowić wyraźny Chwiej, choć nie tak wyraźny, jak obecny w głosach operowych. Wielu wokalistów używa oprogramowania do korekcji wysokości, w którym efekt można zmniejszyć lub wyeliminować.